CARMEN, G. BIZET – TEATRO COMUNALE DI BOLOGNA, MARTEDI’ 22 MARZO 2016
Una nuova produzione della Carmen di Bizet va in scena al Comunale di Bologna nell’allestimento curato dal regista Pietro Babina che si occupa anche delle scene ed è coadiuvato da Gianni Marras per quanto concerne la regia in modo specifico. Vero è che di regie originali ne abbiamo viste tante, che si può anche affermare che certa tradizione risulta ormai sorpassata, che bisogna lasciare spazio all’immaginazione e svecchiare situazioni o vicende, che le licenze registiche ormai sono all’ordine del giorno, ma che si possa trasformare un capolavoro in una specie di fenomeno da baraccone introducendo in scena qualsiasi cosa venga in mente ci sembra davvero esagerato.
MADAMA BUTTERFLY, GIACOMO PUCCINI – TEATRO LA FENICE DI VENEZIA, VENERDI’ 18 MARZO 2016
Ritorna al Teatro La Fenice di Venezia uno degli spettacoli più riusciti delle ultime stagioni, la Madama Butterfly nell’allestimento firmato dal regista Àlex Rigola con scene e costumi di Mariko Mori. Complice la semplice eleganza del total white e l’essenzialità non priva di significato nelle movenze dei personaggi, contornati da sinuose ballerine, siamo piacevolmente sorpresi dagli spunti di riflessione che riusciamo a trovare ogni volta che assistiamo a questa produzione. Come sottolineato più volte, la Butterfly di Puccini è un’opera che non ha bisogno di scene maestose o di colpi di teatro da saltar sulla sedia. E’ così intima e toccante che lo spettatore si sente coinvolto e compartecipe sin dalla prima apparizione della sfortunata Cio-Cio-San. Qui in particolar modo ogni gesto ha uno specifico scopo, la postura e perfino la posizione sul palcoscenico sono atte a sottolineare ciò che accade, quasi ci fosse una telecamera puntata sui dettagli che i nostri occhi colgono di volta in volta.
RIGOLETTO, G. VERDI – TEATRO FILARMONICO DI VERONA, DOMENICA 13 MARZO 2016
Dopo cinque anni torna al Teatro Filarmonico di Verona l’allestimento di Rigoletto firmato Arnaud Bernard che cura regia e coordinamento costumi, con le scene ideate da Alessandro Camera. C’è da dire che in un momento a dir poco tragico per la Fondazione Arena ha del miracoloso vedere un teatro così pieno di pubblico attento ed entusiasta, tra l’altro molto più degli ultimi anni. Ciò dimostra quanto importante resti comunque l’appuntamento con l’Opera per la cittadinanza e quanto necessario sia fare il possibile per non rinunciare a tutto ciò.
CONCERTO DI VERONA LIRICA DEL 6 MARZO AL TEATRO FILARMONICO DI VERONA
Altro pomeriggio musicale promosso dagli amici dell’associazione Verona Lirica, la cui mission istituzionale è sempre quella di offrire ai suoi soci musica di qualità in un clima di amicizia e collaborazione. Come ad ogni appuntamento sono quattro le voci protagoniste sul palcoscenico del Teatro Filarmonico ad offrire arie più o meno popolari dell’opera lirica internazionale: Monica Zanettin, Mario Malagnini, Elena Gabouri eClaudio Sgura. Consueti giungono i saluti del presidente Giuseppe Tuppini e l’ottimo accompagnamento al pianoforte di Patrizia Quarta, che ci piace sottolineare è sempre meno accompagnatrice e più vero e proprio mantello su cui scivolano le voci dei protagonisti da lei guidati ed esaltati.
CAVALLERIA RUSTICANA (P. MASCAGNI) - PAGLIACCI (R. LEONCAVALLO) - METROPOLITAN OPERA HOUSE DI NEW YORK, VENERDÌ 26 FEBBRAIO 2016
Ritorna dopo meno di un anno dal suo debutto avvenuto la scorsa primavera al Metropolitan di New York la produzione targata David McVicar di Cavalleria Rusticana e Pagliacci, messi in scena come spesso accade nella stessa serata e con un unico filo conduttore che unisce e sviluppa i due spettacoli. Il regista rappresenta infatti la forza emotiva e le contraddizioni che caratterizzano spesso la vita quotidiana della gente che popola i piccoli paesi del sud d'Italia, qui ambientati ai primi del Novecento, spesso causa di grandi gioie ma anche di drammi profondi ed ineluttabili tragedie. Molte espressioni sono dunque particolarmente enfatizzate tanto nel canto quanto nella recitazione, per sottolineare la passione e gli stati d’animo in corso, ma soprattutto come all'improvviso un evento festoso o lieve possa trasformarsi di colpo in tragedia. Piuttosto sobrio il setting di Cavalleria Rusticana ideato da Rae Smith, che fornisce poi da base per il successivo allestimento di Pagliacci: una piazza di un paesotto di provincia popolato da cittadini festanti nel giorno di Pasqua, intorno ai quali troneggiano mura antiche interrotte da aperture sormontate da archi imponenti. Non è la scenografia a mutare a seconda delle vicende, ma sono gli interpreti a muoversi su una pedana che si ferma o rotea a seconda di ciò che lo spettatore è chiamato ad osservare al centro del palco. Nero è il colore predominante sia nelle luci che nei costumi.
LUCIA DI LAMMERMOOR, G. DONIZETTI – TEATRO COMUNALE PAVAROTTI DI MODENA, DOMENICA 21 FEBBRAIO 2016
Con un bel successo di pubblico il Teatro Pavarotti di Modena saluta l’allestimento ormai storico della Lucia di Lammermoor che il compianto scenografo Svoboda aveva creato per la Fondazione Pergolesi Spontini di Jesi, nella ricostruzione ivi operata già nel 2012 da Benito Leonori e con la regia di Henning Brockhaus coadiuvata da Valentina Escobar. Nel pieno rispetto delle atmosfere allucinate della vicenda, il regista vuole sottolineare l’aspetto onirico e trasognato dei luoghi e dei personaggi, che si muovono come in un progressivo stato di ipnosi, rapiti dagli eventi che li trascinano in successione. In tali atmosfere ritroviamo i celebri materiali avveniristici tuttora funzionali alle scene, esaltate dalle luci curate da Brockhaus che, insieme alle proiezioni video di cui Svoboda fu pioniere, danno l’illusione che tutto sia presente sul palco che è occupato in realtà da una semplice scalinata ove i personaggi si muovono, prima intravisti dal telo increspato che copre il palco, poi svelati dallo spostamento dello stesso immersi in luoghi quasi misteriosi. I costumi di Patricia Toffolutti sono sì vistosi e di bella fattura, ma a nostro avviso non tutti adatti alla corporatura dei protagonisti.
LES CHEVALIERS DE LA TABLE RONDE, HERVÉ – TEATRO MALIBRAN DI VENEZIA, SABATO 13 FEBBRAIO 2016
Dal Palazzetto Bru Zane ed il Centre de musique romantique française arriva in tournée anche al Teatro Malibran una produzione che frizzante è dir poco e che il pubblico di Venezia, unitamente alla buona percentuale di ospiti francesi, ha potuto godere fino a ieri in questi giorni carnevaleschi. Si tratta de Les Chevaliers de la table ronde del musicista Louis-Auguste-Florimond Ronger detto Hervé, che con questo suo lavoro considerato da egli stesso un masterpiece, prende letteralmente per i fondelli tanta parte di letteratura cavalleresca medioevale i cui protagonisti sono sempre stati fedeli a principi alti e ideali eccelsi, facendo invece di Lancillotto e i suoi compagni Rinaldo, Ogier, Amadigi, ma soprattutto Orlando, dei ragazzi un po’ mielosi e pazzerelli, facilmente corruttibili dalle grazie femminili, che in mente tutto hanno fuorché di servire il proprio sire o di compiere gesta eroiche.
CENERENTOLA, G. ROSSINI – TEATRO FILARMONICO DI VERONA, DOMENICA 31 GENNAIO 2016
‘La Cenerentola’ di Rossini è una fiaba dal sapore romantico che ci spinge a riflettere su amore/ famiglia, l’onestà e la nobiltà d’animo, in contrapposizione con l’indifferenza, l’inganno e la dabbenaggine. Una delle storie più celebri del mondo infantile è portata in scena al Filarmonico di Verona con una produzione che coniuga realtà e sogno con ironia, leggerezza e uno sguardo costante alla vita nel suo quotidiano. In un impianto abbastanza semplice ma colorato, luminoso ed estremamente funzionale, ideato da Franco Armieri, il regista Paolo Panizza mette in piedi una Cenerentola per tutti, guardando alla tradizione ma con l’occhio puntato alla modernità dei contenuti. Riesce ad entrare perfettamente nel soggetto senza reinventarlo o sconvolgerlo, proponendo però i personaggi con estrema modernità e concretezza, tanto che potremmo riconoscere in ognuno di essi qualcuno di nostra conoscenza.
L'ITALIANA IN ALGERI, G. ROSSINI, TEATRO COMUNALE di TREVISO 27 GENNAIO 2016
“Con questa Signorina
Me la voglio goder, e agli uomini tutti
Oggi insegnar io voglio
Di queste belle a calpestar l'orgoglio.”
L'opera in cui decolla definitivamente il genio comico di Rossini è come una sorta di Giano bifronte, da un lato tende al passato, con un piede addirittura nella commedia dell'arte, dall'altro guarda al futuro. Della vecchia opera buffa, l'Italiana in Algeri conserva la suddivisione in pezzi chiusi, la struttura del finale primo come culmine dell'azione scenica.
Il libretto di Anelli ripropone infatti i tratti tipici del naufragio felice in terra esotica e della beffa giocata dall'astuta protagonista ad un ingenuo Bey. Ma le atmosfere rassicuranti e il buonismo degli operisti precedenti lasciano il posto ad un geniale gioco dell'assurdo che si sviluppa a diventa riproduzione del nonsenso della vita stessa i cui personaggi ne diventano ingranaggi del gioco folle e crudele. La musica di Rossini esprime quasi sempre un che di diverso rispetto a quanto appare in scena, arriva addirittura ad esprimere il delirio del puro gioco verbale nel finale del primo atto: una cascata di fonemi che spezzano il discorso in sillabe e suoni superbamente concatenati.ATTILA, G. VERDI – TEATRO COMUNALE DI BOLOGNA, DOMENICA 23 GENNAIO 2016
L'Attila di Giuseppe Verdi inaugura la stagione d’opera al Teatro Comunale di Bologna, con una produzione che vede Daniele Abbado impegnato come regista ed un allestimento dalle molteplici interpretazioni per la sua atmosfera piuttosto cupa e fumosa. L’epoca in cui ci troviamo infatti è abbastanza generica, data una certa atemporalità insita nell’ambientazione curata da Gianni Carluccio, che tra il grigio ed il blu rimanda quasi ad un luogo fatiscente o devastato, ove talvolta sono collocate anche sagome di uomini in ginocchio a simbolo dei prigionieri sottomessi. Alcuni tendaggi richiamano alle fattezze di un veliero con delle corde pendenti che sanciscono al termine la cattura e seguente uccisione dell’invasore unno. Non ci sono particolari colpi di teatro e gli interpreti interagiscono tra di loro circondati da pochi elementi che il regista ha voluto come chiusi in una grande scatola astratta. Tutto sommato, pur nella sua semplicità, risulta abbastanza in linea con l’idea di oscurità e mistero che circonda la figura del quasi leggendario Attila. I pur pregevoli costumi dello stesso Carluccio e di Daniela Cernigliaro sono altrettanto estranei da precisa collocazione, in un misto tra verginali vesti bianche con velo, divise militari da secolo scorso e tuniche decisamente più in linea col contorno.
Nessun dubbio invece sulla qualità del fronte musicale.
Ildebrando D'Arcangelo ha non solo presenza scenica per un Attila imponente e volitivo, ma è abile anche nel mostrare il lato umano del condottiero, tormentato tra gli incubi e gli eventi a lui contrari, ed il desiderio di proseguire nella conquista della città eterna con la certezza della sua forza. Così l’interprete adopera la sua voce calda e robusta per assecondare certo il dominio di sé, ma anche la sofferenza e lo stupore nella sconfitta.
La sua controparte al femminile è una Maria Josè Siri dal piglio guerriero la cui voce si conforma al personaggio, divenendo quasi cattiva nella sua pienezza: Odabella sfodera un bel fraseggio, sicurezza negli acuti ed un’emissione vocale da vera combattente.
Sontuoso l’Ezio di Simone Piazzola: la cura del dettaglio ed il canto sulla parola, il suono ricco e pastoso della voce da baritono vero, la musicalità e l’ espressività sono ormai certezza per un giovane che possiamo annoverare tra i migliori baritoni della sua generazione.
Ricco di sfumature è anche il timbro di Fabio Sartori interprete di un imponente Foresto: il tenore possiede passione, forza e generosità tanto nella voce quanto nel suo agire in scena.
Antonio Di Matteo ricopre il ruolo di papa Leone con fermezza ed autorevolezza anche vocale, così come molto buono è l’Uldino di Gianluca Floris.
Gli interventi complessivamente molto buoni del coro sono curati da Andrea Faidutti.
Ancora una volta siamo testimoni di una prova maiuscola del Maestro Michele Mariotti alla testa dell’ottima orchestra del teatro bolognese. E’ pressoché infinita la quantità di sfumature da cui è composto il suono che si esprime in mille colori. Le dinamiche perfette assecondano la scena in un divenire sempre dinamico e la cura di ogni minuscolo particolare rende la partitura viva e vibrante. Il Maestro fa parte della schiera di quei pochi direttori che cantano e respirano insieme agli interpreti, accompagnandoli passo passo lungo il cammino.
Applausi trionfali per tutti i protagonisti seguiti da autentiche ovazioni e grandi manifestazioni di gioia. Qualche minuscola ed isolata contestazione alla regia.
Maria Teresa Giovagnoli
LA PRODUZIONE
Direttore | Michele Mariotti |
Regia | Daniele Abbado |
Scene e luci | Gianni Carluccio |
Costumi | Gianni Carluccio Daniela Cernigliaro |
Movimenti scenici | Simona Bucci |
Regista collaboratore | Boris Stetka |
Maestro del Coro | Andrea Faidutti |
GLI INTERPRETI
Attila | Ildebrando D'Arcangelo |
Ezio | Simone Piazzola |
Odabella | Maria Josè Siri |
Foresto | Fabio Sartori |
Uldino | Gianluca Floris |
Leone | Antonio Di Matteo |
Nuova produzione del TCBO con Teatro Massimo di Palermo e Teatro La Fenice di Venezia
Foto Rocco Casaluci
STIFFELIO, G. VERDI – TEATRO LA FENICE DI VENEZIA, VENERDI’ 22 GENNAIO 2016
Una nuova produzione di Stiffelio ha sancito il proseguimento della stagione d’opera al Teatro La Fenice di Venezia, cui dobbiamo attribuire certo il merito di allestire un’opera che fino a non molto tempo fa non vantava presenze copiose nei cartelloni operistici, perché come si sa viene spesso preferita da titoli più blasonati. Se è vero che il libretto di Piave tratto dal dramma di Souvestre e Bourgeois si concentra fondamentalmente sul tradimento svelato e magnanimamente perdonato, in un susseguirsi di azioni piuttosto lineari, ci sembra tuttavia che il regista Johannes Weigand si sia limitato a portare in scena gli interpreti senza seguirli particolarmente dal punto di vista drammaturgico. Stiffelio subisce un’onta come marito e come uomo di fede, sua moglie si strugge tra pentimento e rimorso, il conte di Stankar è sconvolto dagli eventi posti in essere per l’imprudenza della figlia. Ma siamo noi a dover cogliere queste sensazioni e gli interpreti sono chiamati ad aggiungere molto della propria esperienza per entrare nei diversi ruoli, mentre stanno semplicemente in scena. Intorno il regista ha voluto un ambiente diremmo geometricamente essenziale, scarno ed austero, in cui Guido Petzold ha dato risalto principalmente alle luci, anch’esse fondamentalmente scure, a sottolineare l’atmosfera tesa e rigida della vicenda. Non c’è molto altro in questo allestimento, il cui fulcro è un pulpito ferrigno da cui il generoso Müller perdona la moglie fedifraga. In linea col resto i costumi di Judith Fischer.
In tal contesto si inserisce anche la conduzione di Daniele Rustioni, che guida l’orchestra feniciana con sobrietà quasi austera, staccando tempi diremmo prudenti e con qualche guizzo in più nei momenti concitati. Il braccio è comunque sicuro tanto quanto il feeling col palcoscenico.
Nel cast è libero di esprimersi Stefano Secco come Stiffelio/Müller, che utilizza tutti i suoi mezzi vocali ed interpretativi al servizio di un ruolo il cui animo è dilaniato dall’affronto subito, ma confortato dalla fede e dalla responsabilità verso i suoi fedeli, forte anche di un timbro morbido e molto gradevole.
Non perfettamente inquadrata nel personaggio ci è sembrata la Lina di Julianna Di Giacomo. Non cogliamo i sentimenti che vibrano nel cuore della donna, certo non aiutata dalla regia, e sebbene dotata di forti mezzi vocali pare esprimersi al meglio solo nella zona media del suo registro.
Ruspante e di cuore il genitore, conte di Stankar: Dimitri Platanias risolve il ruolo di austero ed autoritario padre utilizzando il suo strumento vocale robusto e voluminoso con cuore e forza d’animo.
Molto buono e dalla voce fresca ed orecchiabile il cugino di Lina, Cristiano Olivieri come Federico; ottimo grazie alla particolarissima voce ambrata lo Jorg di Simon Lim; buon interprete di Raffaele è Francesco Marsiglia al cui personaggio pure si sarebbe potuto offrire di più; a chiudere il cast la Dorotea di Sofia Koberidze.
Preciso e quasi solenne il coro diretto da Claudio Marino Moretti. Applausi copiosi per tutto il cast da un pubblico folto e soddisfatto.
Maria Teresa Giovagnoli
LA PRODUZIONE
Direttore Daniele Rustioni
Regia Johannes Weigand
Scene e luci Guido Petzold
costumi Judith Fischer
Regia Johannes Weigand
Scene e luci Guido Petzold
costumi Judith Fischer
GLI INTERPRETI
Stiffelio Stefano Secco
Lina Julianna Di Giacomo
Stankar Dimitri Platanias
Raffaele Francesco Marsiglia
Jorg Simon Lim
Federico di Frengel Cristiano Olivieri
Dorotea Sofia Koberidze
Orchestra e Coro del Teatro La Fenice
Maestro del Coro Claudio Marino Moretti
nuovo allestimento Fondazione Teatro La Fenice
Lina Julianna Di Giacomo
Stankar Dimitri Platanias
Raffaele Francesco Marsiglia
Jorg Simon Lim
Federico di Frengel Cristiano Olivieri
Dorotea Sofia Koberidze
Orchestra e Coro del Teatro La Fenice
Maestro del Coro Claudio Marino Moretti
nuovo allestimento Fondazione Teatro La Fenice
Foto Michele Crosera
LULU, ALBAN BERG – TEATRO COMUNALE DI BOLZANO PER OPERA 20.21, VENERDI’ 15 GENNAIO 2016
Con Lulu di Berg continua a Bolzano la stagione della Fondazione Haydn OPER.A. 20.21 che, come detto in occasione della precedente messa in scena, rivolge una particolare attenzione ai titoli di questo e del precedente secolo. Opera questa dalla gestazione travagliata, con la dipartita del compositore dopo aver orchestrato soltanto due atti nel 1935, essa fu completata col terzo grazie all’intervento di Friedrich Cerha molti anni più tardi su materiale dello stesso Berg. Ma la versione rappresentata a Bolzano è quella ulteriormente rivisitata soltanto nel 2010 da Eberhard Kloke per orchestra da camera, nell’allestimento proveniente dalla Welsh National Opera, che si adatta maggiormente al palcoscenico del teatro bolzanino e che vede anche nella parte musicale un apporto più intimistico a supporto di tale allestimento. Non più un azzardo oggi come oggi portare sul palco la vita a dir poco lasciva di una donna come Lulu dai mille volti e dai numerosi nomi/nomignoli che man mano i suoi amanti le attribuiscono. Femme fatale in tutti i sensi vista l’incredibile escalation di morti causate tra infarti, suicidi ed omicidi per sua stessa mano. Nonostante la miriade di personaggi, pur ridimensionati da Berg rispetto alle opere da cui trasse la storia di Lulu (Il vaso di pandora e Lo spirito della terra di Wedekind) tutto si svolge attorno a lei con i suoi mariti ed amanti. Il regista David Pountney tende a sottolineare in tutto lo spettacolo l’ambientazione circense da cui prende atto: non solo la protagonista, ma tutti gli interpreti sono delle figure animalesche le cui allegorie agiscono guidate come sotto ipnosi dalla Lulu- serpente, donna e tentatrice. I colori la fanno da padrone nelle scene di Johan Engels come nei costumi di Marie-Jeanne Lecca, che per la protagonista sono luminosi ed appariscenti con le immancabili pailettes. Al centro di questo circo dalle ‘luci rosse’ o comunque dalle atmosfere lugubri, ben giocate da Mark Jonathan, una scala/spirale vuole sottolineare il turbinio degli eventi innanzi alla quale vengono sistematicamente appesi i corpi delle vittime, mentre le loro anime sono accompagnate in processione nell’aldilà uscendo di scena.
Risultano talvolta superflue o un quanto meno ridondanti le voci registrate che fuoricampo aggiungono pensieri ai protagonisti.
Fulcro dell’opera è Marie Arnet impegnata a rappresentare questa donna che probabilmente è vittima più che causa del suo destino: un personaggio pericoloso per gli altri e per se stessa, in continua ricerca di attenzioni, come evidentemente si evince dal continuo cambiare marito o partner; perennemente insoddisfatta, in cerca dell’ascesa sociale e poi in caduta libera fino alla prostituzione ed al fatale incontro con lo Squartatore. Se non ha colto forse in pieno tutte le sfaccettature del ruolo nella sua drammaticità, il soprano ha cercato comunque una sua dimensione interpretativa anche dal punto di vista vocale, data la non certo semplice scrittura musicale.
Gli uomini che girano intorno a lei sono tutti pedine di una scacchiera comandata forse più dal destino che dalla stessa protagonista, generalmente molto partecipi con qualche punta di eccellenza: sugli scudi il dott. Schön di Paul Carey Jones che si trasforma da editore ed amante appassionato (ma che al momento giusto molla la ‘lolita’ per un più prestigioso matrimonio) in un terribile Jack lo Squartatore con disinvoltura sia vocale che attoriale; Roland Serra è un povero e cornificato primo marito che non regge al colpo e ci lascia le penne; Clive Bayley è un pittore e secondo marito molto passionale e probabilmente inconsapevole di chi ha come compagna; Alwa, il figlio di Schön, forse il più manipolato e che riesce pure a ‘sorvolare’ sull’omicidio del padre, è un Johnny Van Hal quasi stralunato ed ipnotizzato dalla donna, tanto che il regista lo ingabbia in più scene in un costume da coniglio bianco, al suo servizio. Molto buono e spigliato in scena Duccio dal Monte come banchiere e soprattutto direttore di teatro.
Per molti la vera protagonista morale, se così si po' dire, della vicenda è la contessa Geschwitz interpretata da una Natascha Petrinsky in buona forma: accorata, drammatica anche nella voce, persa nelle fantasie per la sua Lulu, disperata e pronta a condividerne anche la fine.
Nella lunga lista dei personaggi di contorno ricordiamo anche Jurgita Adamonyte nel triplice ruolo di Una guardarobiera teatrale, studente e Groom; il principe, nonché domestico e marchese di Alan Oke, l’atleta Steven Scheschareg, Bernd Hofmannmolto buono come Schigolch e domatore, il commissario di polizia, Carlo-Emanuele Esposito, la quindicenne Mary-Jean O’Doherty, sua madre, Anna Lucia Nardi, una arredatrice, Rebecca Afonwy – Jones, un giornalista, Keith Harris, un domestico,Johannes Held, il clown di David Thaler, un macchinista, Andrea Deanesi.
Molto si discute infine se sia più fedele al compositore la versione completata da Cerha o se si possa considerare veramente aderente alle idee di Berg questa versione di Kloke, peraltro ben accolta a Copenaghen nel 2010. Noi ne registriamo la direzione di Anthony Negus per questa occasione molto intimistica, quasi attenta a non strafare, con tempi piuttosto distesi nonostante la scrittura a tratti davvero brillante, come se il palco parlasse da sé e non fosse opportuno prevalere troppo.
Applausi moderati al termine dello spettacolo con punte di apprezzamento per il Maestro Negus.
Maria Teresa Giovagnoli
LA PRODUZIONE
Direttore Anthony Negus
Regia David Pountney
Scene Johan Engels
Regia David Pountney
Scene Johan Engels
Costumi Marie-Jeanne Lecca
Luci Mark Jonathan
GLI INTERPRETI
Lulu Marie Arnet
Contessa Geschwitz Natascha Petrinsky
Una guardarobiera Jurgita Adamonyte
teatrale/ studente/Groom
Il medico Roland Serra
Il pittore/ un negro Clive Bayley
Dott. Schön/ Paul Carey Jones
Jack lo squartatore
Alwa Johnny Van Hal
Atleta Steven Scheschareg
Schigolch/domatore Bernd Hofmann
Il principe/domestico/ Alan Oke
marchese
Il direttore del teatro/ Duccio dal Monte
banchiere
Un commissario di polizia Carlo-Emanuele Esposito
La quindicenne Mary-Jean O’Doherty
Sua madre Anna Lucia Nardi
Arredatrice Rebecca Afonwy - Jones
Un giornalista Keith Harris
Un domestico Johannes Held
Un clown David Thaler
Un macchinista Andrea Deanesi
Orchestra Haydn Trento e Bolzano
Allestimento Welsh National Opera
Foto Benedetta Pitscheider
ORCHESTRA DI PADOVA E DEL VENETO, 50a STAGIONE CONCERTISTICA - AUDITORIUM POLLINI DI PADOVA, concerto di giovedì 14 gennaio 2016
Programma impegnativo con molta carne al fuoco quello del concerto n.6407 dell'Orchestra di Padova e del Veneto.
Affiancare al musicista principe del rinnovamento musicale italiano del novecento, Respighi, il maggior rappresentante della Dodecafonia italiana, Dallapiccola e concludere con una rielaborazione della ricostruzione dagli abbozzi dell'adagio della Decima Sinfonia di Mahler, è impresa arditissima soprattutto per un organico come quello dell'Orchestra di Padova e Del Veneto, non particolarmente avvezzo a questo repertorio.
Ma non è impresa da spaventare Marco Angius, direttore navigato tra le partiture del novecento, che riesce a portare a compimento nonostante qualche difficoltà la serata Patavina.
Il Trittico Botticelliano di Respighi è una partitura che fa parte di quell' “archeologia musicale” tanto in voga nell'Italia musicale fascista degli anni '30 del '900 e dimostra l'accademica reverenza del musicista bolognese ad un passato dal quale trarre ispirazione.
Superbo compositore di poemi sinfonici, soprattutto nel Trittico Botticcelliano descrittivismo ed evocazione coloristica sono esplicazione naturale di quella smagliante abilità respighiana di strumentatore che è di derivazione russa e specificatamente rimskiana.
Angius riesce ad esaltare tutti i colori e le nuances che in partitura derivano dai dipinti di Botticelli. Particolarmente riuscita l'interpretazione della nascita dei Venere per coesione organica e capacità di esaltazione del dettato respighiano risultando immediatamente percepibili la volontà e la capacità costruttiva del compositore, nei rapporti tra le diverse sezioni, nelle relazioni tematiche e nelle interessanti sovrapposizioni contrappuntistiche dei temi.
Nel piccolo concerto per Muriel Couvreux per pianoforte e orchestra (che precedono di pochi mesi i possenti Canti di prigionia) Dallapiccola esalta l'estrema discrezione, la spoglia sobrietà cameristica che distingue questa composizione contro quel gigantismo orchestrale postmahleriano al quale proprio Schoenberg e Stravinsky avevano recato i contributi più estremi.
I 25 esecutori previsti in partitura dialogano in pacifica sintonia con il pianoforte, qui non protagonista ma “solista principale”, in uno stile omoritmico quasi corale lungo tutti i brevi movimenti. Ottima l'interpretazione del navigatissimo Aldo Orvieto che ha fatto di questo repertorio il suo cavallo di battaglia, assecondato dalla mano ferma e precisa di Angius. Assieme hanno saputo ricostruire quella preziosa “pedagogia dello sguardo” insita in questo mirabile pezzo, di un compositore non ancora sufficientemente apprezzato.
Con la cantata “An Mathilde”, Dallapiccola ci trascina nella più vorticosa dodecafonia sonora. La poesia allucinata e visionaria di Haine, trova nella composizione un luogo eletto di metamorfosi sonore. Spiace solo che la voce minuscola del soprano Livia Rado, perennemente alla ricerca della giusta intonazione e di un punto di appoggio musicale con l'ensemble strumentale, non sia riuscita ad esaltare le invocazioni sonore e le paure insite nella poesia di Heine, perdendosi in una continua ricerca interpretativa.
Elaborare l'adagio dalla Sinfonia N.10 di Mahler, credo sia impresa non facile soprattutto se ci si deve basare su degli abbozzi musicali di un compositore solito a rivedere generalmente quanto scritto più e più volte prima di dare al mondo la sua visione definitiva.
Quanto non sia riuscito Cliff Colnot a comprimere in un ensemble ridottissimo rispetto alle intenzioni del compositore , le atmosfere rarefatte, il colore e l'impatto sonoro della pseudo partitura malheriana, credo risulti palese a chiunque.
Ma è impresa ancor di più pericolosa, l'eseguire le ardite note e rendere la tensione emotiva e un rebus compositivo unico, da un organico di 25 strumentisti perennemente scoperti e a tratti a parti staccate, soprattutto se manca quel rigore interpretativo necessario per composizioni di questo genere.
Nonostante la mano esperta di Angius, non siamo riusciti a convincerci della interpretazione data dall'Orchestra di Padova e del Veneto, perennemente in bilico tra intonazioni approssimative e un rigore d'insieme che ha latitato per quasi tutta la durata dell'esecuzione.
Successo convinto comunque per tutti gli interpreti da parte di un pubblico numeroso e concentratissimo.
Pierluigi Guadagni
PROGRAMMA
Ottorino Respighi
Trittico botticelliano
Luigi Dallapiccola
Piccolo concerto per Muriel Couvreux per pianoforte e orchestra
"An Mathilde" per soprano e orchestra
Gustav Mahler
Adagio / Sinfonia n. 10
(vers. Cliff Colnot)
(vers. Cliff Colnot)
Direttore Marco Angius
Soprano Livia Rado
Pianoforte Aldo Orvieto
LE NOZZE DI FIGARO, W.A. MOZART - TEATRO REGIO DI PARMA, 12 gennaio 2016
dove andaro i giuramenti di quel labbro menzogner?
Apertura in gran spolvero al Teatro Regio di Parma per la stagione d'opera 2016 con una produzione di Nozze di Figaro ed un cast notevole.
L'allestimento firmato da Mario Martone per il Teatro San Carlo di Napoli nel 2006, ha girato ormai mezza Italia per approdare sulle tavole del teatro parmigiano ripreso da Raffaele di Florio, sostanzialmente invariato.
La scena fissa che ci propone Sergio Tramonti per tutti i quattro atti, fa da scatola magica agli intrecci della Folle Giornata ma limita un poco la fantasia drammaturgica, tutta concentrata al proscenio e mai particolarmente brillante, a discapito di una briosità scenica, vitale nel lavoro mozartiano.
PRIMO CONCERTO DELLA STAGIONE SINFONICA AL TEATRO FILARMONICO DI VERONA – domenica 10 gennaio 2016
Dopo la sessione autunnale al teatro Ristori la musica sinfonica si sposta al Filarmonico per proseguire per alcune tappe la stagione invernale, e dobbiamo dire che l’inizio è stato più che positivo, con un’orchestra dell’Arena veronese parecchio convincente grazie anche all’apporto dell’ottimo direttore Federico Ferri.
Con un programma piuttosto popolare che difatti ha visto un teatro quasi esaurito, abbiamo ascoltato tre pietre miliari del repertorio sinfonico di fine settecento ed inizio ottocento, partendo da Mozart, passando per Beethoven, concludendo con Schubert.
Il concerto per pianoforte e orchestra n. 23 K. 488 di W.A. Mozart è come si sa uno dei più ascoltati ed amati, composto nel periodo probabilmente più felice della vita musicale del compositore, quegli ultimi dieci anni viennesi, tra il 1781 ed il 1791, che lo videro richiestissimo e nei quali creò i suoi più grandi capolavori. Questo concerto composto nel periodo quaresimale del 1786 profonde gioia e lirismo in tutte le sue parti, come evidentemente il musicista voleva trasmettere dato il momento dell’anno in corso. La imminente Pasqua di resurrezione è infatti motivo di gioia, come lo sono il primo e terzo movimento, ma anche di pausa e riflessione sul proprio operato, cosa che ci avvicina al secondo e più disteso movimento. Ferri interpreta questo pezzo in modo molto asciutto, senza i troppi fronzoli che spesso vengono aggiunti a certe composizioni mozartiane, basandosi semplicemente sul fatto che esse sono ‘allegre’; il piglio del Maestro è sicuro e l’omogeneità del suono fra le sezioni è sintomo di intesa ed approfondimento della partitura. A ciò si aggiunga l’apporto fondamentale del pianoforte che qui gioca un ruolo da prima donna assoluta nelle mani di Federico Colli, anch’egli particolarmente brillante sulla tastiera, ma non esagerato: è la musica ad esprimersi, l’interpretazione sentita ha alla base tecnica e grande feeling con l’orchestra.
Altresì ricco di colori e con una misurata maestosità è il pezzo che Beethoven scrisse nel 1808 e che qui si avvale della partecipazione del coro areniano: la Fantasia per pianoforte, coro e orchestra op. 80 con testo del poeta Kuffner, che dovette praticamente mettere le mani alle parole di un precedente Lied che Beethoven utilizzò per ispirarsi per suo questo lavoro. La parte corale arriva come summa conclusiva di un percorso musicale leggiadro ed inneggiante alla vita, alla poesia, alla natura, alla pace fonte di letizia, e naturalmente all’amore che ricompensa l’uomo di ogni rancore ed amarezza passati. Come detto misurata ma puntuale è stata anche la direzione di Ferri anche per questo pezzo, in cui riteniamo che Colli si sia lasciato andare ancor maggiormente sin dall’inizio, per poi fondersi man mano con l’orchestra per una dolce e generale armonia, a cui il coro si aggiunge provocando quasi una catarsi in chi ascolta. Molto buono il lavoro di Vito Lombardi che ha preparato il coro della fondazione Arena.
E per un crescendo in bellezza, la meravigliosa Sinfonia D. 944 in do maggiore di Schubert, eseguita postuma soltanto nel 1839, ‘grande’ non solo per nome attribuitole, ma anche per quanto a nostro avviso riesca ad emozionare al suo ascolto. Prezioso, ci piace sottolinearlo, in particolar modo il secondo movimento, in cui abbiamo apprezzato il suono dei fiati, nella dolce fusione con gli archi, davvero d’atmosfera. In questo pezzo Federico Ferri è riuscito ad ottenere un suono ancor più profondo e ricco di accenti, come se avesse programmato un climax a termine programma, con tempi giustamente morbidi e con altrettanta brillantezza sfociata nel terzo movimento, i cui ritmi di valzer avvolgono e sorprendono, per chiudere poi nella grandezza, appunto, dell’Allegro finale. In sintesi una serata molto ben riuscita, accolta con calorosi applausi da parte del pubblico in sala.
PROGRAMMA
Wolfgang Amadeus Mozart
Concerto per pianoforte e orchestra n. 23 K. 488 in la maggiore
Ludwig van Beethoven
Fantasia per pianoforte, coro e orchestra op. 80
Franz Schubert
Sinfonia D. 944 in do maggiore, La grande
Direttore Federico Ferri
Pianoforte Federico Colli
Maria Teresa Giovagnoli
Marco Angius, Direttore Musicale OPV, ricorda Pierre Boulez
Il mondo musicale piange la scomparsa di Pierre Boulez, compositore e direttore d'orchestra, protagonista assoluto della musica del Novecento, morto a 90 anni.
Lo ricorda anche Marco Angius, Direttore Musicale dell'Orchestra di Padova e del Veneto e direttore italiano di riferimento per il repertorio contemporaneo. Oltre ad aver diretto l'Ensemble Intercontemporain a Parigi, fondato da Boulez, Angius è stato sul podio dell'Orchestra Sinfonica Nazionale della RAI lo scorso 20 febbraio in occasione dell'omaggio di "RAI Nuova Musica" per i 90 anni del geniale musicista francese.
Dichiara Angius: «La scomparsa di Pierre Boulez lascia un vuoto incolmabile nella cultura e nella musica mondiali, non solo per la musica contemporanea -di cui era testimonianza storica vivente e autorevole spiritus rector- ma anche per la ricchezza e l'innovazione che la sua figura ha rappresentato per intere generazioni di musicisti. Essendo stato altrettanto determinante come compositore e direttore d'orchestra, il patrimonio culturale e artistico che Boulez consegna in eredità alle epoche future costituisce un valore di assoluto riferimento. È stata per me un'esperienza cruciale oltre che un grande onore dirigere l'ensemble da lui fondato, l'Intercontemporain di Parigi, così come confrontarmi costantemente con le sue composizioni, dal Marteau sans maître al recente omaggio per i novant'anni nel febbraio 2015 a Torino, e mi sento profondamente in lutto per questa perdita.
La sua opera continuerà ad essere il "paese fertile" per tante nuove creatività e immaginazioni compositive.»
La sua opera continuerà ad essere il "paese fertile" per tante nuove creatività e immaginazioni compositive.»
RICHARD WAGNER, DER RING DES NIBELUNGEN, Ein Bühnenfestspiel für drei Tage und einen Vorabend; ZWEITER TAG:SIEGFRIED- Teatro Massimo di Palermo, 20 dicembre 2015
O eroe fanciullo!
O stupendo ragazzo!
Tu di auguste gesta
inconscio tesoro!
Ridendo, io ti debbo amare,
ridendo, voglio io accecare,
ridendo, lasciaci rovinare,
ridendo, a perdizione andare!
O stupendo ragazzo!
Tu di auguste gesta
inconscio tesoro!
Ridendo, io ti debbo amare,
ridendo, voglio io accecare,
ridendo, lasciaci rovinare,
ridendo, a perdizione andare!
Interrotto il progetto di prima messinscena completa del Ring Wagneriano due anni fa per problemi finanziari, il Teatro Massimo di Palermo riprende l' ardimentosa impresa con una nuova produzione di Siegfried.
Nell'insieme della Tetralogia Wagneriana, Siegfried viene spesso considerata come una fiaba autonoma.
Pur avendone tutte le caratteristiche (unitarietà chiusa della narrazione, continuità di un clima poetico e musicale, coerenza delle strutture drammatiche e musicali) Siegfried con le sue strutture in perfetto equilibrio, risulta essere il centro focale di tutta la Tetralogia, il cuore pulsante soprattutto musicale nel quale tutti i punti dell' immenso dramma wagneriano convergono e poi divergono.
Gli stessi Leitmotiv, struttura portante del dettato wagneriano e protagonisti autentici, qui rinvigoriscono e quelli già uditi e che qui ritornano, si piegano docilmente alle rinnovate necessità di espressione, poiché Siegfried è il lavoro dell'ottimismo, della felicità suprema, come Walkuere era il lavoro del pessimismo e Goetterdammerung sarà quello della catarsi suprema.
In questo contesto di fresca giovinezza si è inserita, in un proseguo coerente con le precedenti giornate, il lavoro del regista Grahm Vick.
Chi conosce l'artista, sa perfettamente che ogni lavoro di Vick non è mai banale né scontato, anche se richiede spesso una capacità di adattamento intellettivo non indifferente per le sue scelte spesso discutibili ma sempre comunque intelligenti e coerenti con la sua visione generale del teatro d'opera, un teatro vivo e pulsante sotto tutti i punti di vista.
Il lavoro di Vick per questo Siegfried viene plasmato sulla strutture architettoniche portanti dell'apparato scenico del Teatro Massimo, e le scene e i costumi di Richard Hudson, moderne e per nulla convenzionali, perfettamente si adattano a questa idea.
Per nulla convenzionale è la recitazione che Vick richiede agli interpreti, curando ogni dettaglio in maniera maniacale, come pure risolvendo i momenti topici del dramma Wagneriano con idee innovative e per nulla scontate.
Pensiamo alla scena della forgiatura della spada, al duetto MimeWanderer del primo atto, alla scena dell'uccisione di Fafner o all'attraversamento delle fiamme nel terzo atto, tutte risolte con una maestria scenica da lasciare a bocca aperta pur nella sua semplicità (e anche nella sua banalità), ma che riportano ad un contesto intellettivo di grande spessore e di grande efficacia.
Formidabile l'idea di inserire dei mimi, coordinati nelle azioni sceniche da Ron Howel, nel contesto di un opera “solitaria” che si sviluppa per strutture simmetriche a due o massimo tre personaggi per volta, dando così l'idea di favola corale in un lavoro che è corale solo musicalmente grazie alla selva contrappuntistica dei leitmotiv.
In tanta fantasia registica, ben si amalgama la compagnia di canto scelta per questa produzione pur con qualche distinguo.
Trionfatore della serata è stato a mio avviso il Mime di Peter Bronder che ben si inserisce nel solco di quella tradizione superba creata da cantanti come Stolze, Zednik o Clarck risolvendo il personaggio con una maestria scenica e vocale notevoli per un ruolo che richiede duttilità vocale non indifferente e una presenza scenica continuamente giocata sull'ambiguità.
Da dimenticare in un silenzioso oblio la prova vocale di Christian Voigt, probabilmente afflitto da un fastidioso raffreddore, ma non essendo stata annunciata la sua indisposizione, fatichiamo a credere possa portare a termine le recite successive. Se da un lato bisogna annotare la grande presenza scenica, la straordinaria recitazione e il carisma dell'attore, dal punto di vista vocale la sua interpretazione prestava il fianco a momenti di imbarazzante delusione; la mancanza di appoggio della voce, e una non corretta emissione nei passaggi di registro unito ad una fonazione fissa e spesso non intonata, hanno compromesso la sua interpretazione.
Notevole il Wanderer di Thomas Gazheli, dotato di una magnifica pasta vocale di vero basso acuto, nobile in scena e nel fraseggio, carismatico, è stato di volta in volta carezzevole, autoritario, scolpito e protervo. Ha disegnato un personaggio a tutto tondo, credibile e veramente regale, forte di una tecnica, di un timbro e di un colore che lo pongono senza dubbio tra i migliori in questo ruolo.
Altrettanto bravo Sergei Leiferkus come Alberich, cantato con ottima tecnica e varietà di inflessioni, nonché con una notevole profondità di consumato interprete. Si sarebbero desiderati forse un volume e un impatto vocale più autorevoli come il ruolo richiederebbe.
Un poco sottotono il Fafner di Michael Eder, molto bene e sicura nella sua breve parte di Erda Judit Kutasi come pure Deborah Leonetti nella parte del Stimme des Walvogels.
Nonostante una lieve indisposizione annunciata, Meagan Miller è stata una Brunnhilde rigogliosa e in ottime condizioni che ha avuto il pregio di saper cantare una parte dove quasi tutte urlano con fiati ed acuti lunghissimi.
Persa per strada la bacchetta algida ed inesperta di Pietari Inkinen che aveva diretto le precedenti giornate, l'Orchestra del Teatro Massimo trova la mano esperta di Stefan Anton Reck che ha saputo far vibrare e risplendere tutte le sezioni, mantenendo un equilibrio esemplare tra orchestra e palcoscenico pur scegliendo tempi molto comodi, regalandoci una prestazione piena anche di lirismo, timbri raffinati e una discreta precisione tecnica in tutte le sezioni strumentali ed in particolare per quanto riguarda gli ottoni.
Al termine delle cinque ore di spettacolo, applausi convinti per tutti con ovazioni per Bronder e Gazheli da parte di un pubblico attento e partecipe.
Pierluigi Guadagni
LA PRODUZIONE
Direttore Stefan Anton Reck
Regia Graham Vick
Scene e costumi Richard Hudson
Azioni mimiche Ron Howell
Luci Giuseppe Di Iorio
Assistente alla regia Lorenzo Nencini
Assistente a scene
Regia Graham Vick
Scene e costumi Richard Hudson
Azioni mimiche Ron Howell
Luci Giuseppe Di Iorio
Assistente alla regia Lorenzo Nencini
Assistente a scene
e costumi Elena Cicorella
GLI INTERPRETI
Siegfried Christian Voigt
Mime Peter Bronder
Wanderer (Wotan) Thomas Gazheli
Alberich Sergei Leiferkus
Fafner Michael Eder
Erda Judit Kutasi
Brünnhilde Meagan Miller
Stimme
Mime Peter Bronder
Wanderer (Wotan) Thomas Gazheli
Alberich Sergei Leiferkus
Fafner Michael Eder
Erda Judit Kutasi
Brünnhilde Meagan Miller
Stimme
des
Waldvogels Deborah Leonetti
Orchestra del Teatro Massimo
Foto Rosellina Garbo/ Franco Lannino StudiocameraIMG
L'ELISIR D’AMORE, G. DONIZETTI – TEATRO COMUNALE DI BOLOGNA, MERCOLEDI’ 16 DICEMBRE 2015
Con la felice ripresa dell’Elisir d’amore di Donizetti che debuttò a Bologna nel 2010 termina il cartellone operistico del Teatro Comunale per quest’anno solare che volge a conclusione. Definire allegro, delizioso o semplicemente divertente lo spettacolo concepito dalla regista Rosetta Cucchi è forse riduttivo, poiché sono veramente tanti e molto intelligenti gli spunti che questa messa in scena offre, sì da far riflettere oltre che divertire. Se forse adesso può non sembrare più una novità trasportare le storie di giovani innamorati in un istituto scolastico, in questa opera tale ambientazione risulta ancora particolarmente efficace.
Difatti i nostri Nemorino, Adina e Belcore sono gli studenti di una scuola d’arte americana di stampo anni Ottanta, ove Adina è una capricciosa ragazza pon pon che sa bene ciò che vuole ma si intenerisce di fronte al cuore tenero ed al sacrificio di Nemorino; costui è lo sfigatello di turno tutto paure e dolci sogni, che però tira fuori grinta e coraggio arruolandosi nella banda di teppisti di Belcore (in luogo dell’esercito previsto dal libretto), il quale è il classico bulletto sciupa femmine, pantaloni di pelle stretch e immancabile giubbotto, che ci richiama ai tanti artefici di episodi di bullismo di cui sentiamo ahinoi parlare oggigiorno. Poi c’è l’incredibile Dulcamara: un venditore di spinelli e false promesse che nel finto Elisir trova l’arma vincente per raggirare lo studente disperato e pronto a tutto per il cuore della sua bella; altro personaggio tipico della società odierna, che fa sorridere per quante ne combina in scena, persino quando viene arrestato nel finale, con un pizzico di amarezza. Insomma il libretto originale si fonde e si amplia con le idee registiche di Rosetta Cucchi, tra banchi di scuola, laboratori di pittura, sala mensa e luoghi similari, opera di Tiziano Santi, davanti alle enormi finestre che affacciano su una New York mutevole e sempre affascinante. Perfetti i costumi anni ’80 di Claudia Pernigotti.
La recita a cui abbiamo assistito ha visto figurare come Nemorino un ispiratissimo Fabrizio Paesano: centrato è il ruolo del ragazzotto buono ed ingenuo, dalla voce pastosa, sottile e squillante. Adina è invece interpretata da Rocio Ignacio. Il giovane soprano punta molto su una interpretazione spigliata, fresca e a tratti sfacciata, come richiesto dal personaggio in questa regia, ma non sembra sostenuta da una voce duttile come ci aspetteremmo, che è invece spinta un po’ troppo in acuto e risulta spesso monocromatica. Di lusso il Dulcamara di Marco Filippo Romano: non solo fa ciò che vuole con la voce assecondando i vezzi e i lazzi del suo personaggio, ma è un incredibile animale da palcoscenico grazie al quale anche il pubblico poco attivo della serata ha riso di gusto. Il bulletto di quartiere è un ottimo Vittorio Prato, anch’egli parecchio sciolto e padrone della scena, forte di una voce ricca e squisitamente brunita. Elena Borin completa correttamente il cast di questa recita.
Potremmo definire piuttosto ‘sontuosa’ la direzione di Stefano Ranzani, che sostiene costantemente gli interpreti in scena, con piglio fermo e quasi austero, offrendo un suono ampio, profondo, perfino sofisticato.
Anche in questa prova il coro di Andrea Faidutti ci è parso completare con precisione e ottima partecipazione lo spettacolo.
Successo pieno per tutti gli interpreti ed il direttore, anche se a nostro avviso il pubblico di questa rappresentazione è stato piuttosto freddino, considerando quanto invece dinamico e senza tregua sia lo spettacolo offerto.
Maria Teresa Giovagnoli
LA PRODUZIONE
Direttore | Stefano Ranzani |
Regia | Rosetta Cucchi |
Scene | Tiziano Santi |
Costumi | Claudia Pernigotti |
Luci | Daniele Naldi |
Assistente alla regia | Stefania Panighini |
Maestro del Coro | Andrea Faidutti |
GLI INTERPRETI
Adina | Rocio Ignacio |
Nemorino | Fabrizio Paesano |
Belcore | Vittorio Prato |
Il dott. Dulcamara | M. Filippo Romano |
Giannetta | Elena Borin |
Orchestra, Coro e tecnici del TCBO
Foto Rocco Casaluci
