di Rosy Simeone

Norma in scena al Festival Lirico di Macerata è occasione ghiottissima per chi ama il belcanto e gli spettacoli pensati con intelligenza.

Molto belle le scene di Federica Parolini che creano un groviglio di lacci, fili, rami, e ogni sorta di “imprigionamento” claustrofobico e psicologico per i protagonisti.

La regia Luigi di Giangi e Ugo Giacomazzi si muove su schemi forse troppo rigidi e che non si sono sposati benissimo con la ricchezza e la profondità delle scene realizzate e dei bellissimi costumi di Daniela Cermigliano e delle luci profonde ed efficaci curate da Luigi Biondi.

La parte musicale funzionava in modo discontinuo.

Ultimo titolo in cartellone per il Festival 2016 dell’Arena di Verona, il Trovatore verdiano è forse l’allestimento di Franco Zeffirelli che più mette d’accordo nostalgici delle grandi produzioni tradizionali con gli amanti di quelle più moderne ed innovative. La magniloquente scena pensata dal regista è quella del 2001 che si avvale di tre grandi torri metalliche in richiamo alle armature giganti poste ai lati che ammoniscono e ricordano costantemente l’idea del duello e della rivalità fra il Conte e Manrico, nonché della vendetta di Azucena. Stupisce tuttora l’apertura della torre centrale che svela la cappella in cui Leonora si prepara a prendere i voti; costante è l’idea del fuoco sempre presente in più forme, avvalorata dalle luci prevalentemente calde e forti che accentuano l’elemento passionale dei contenuti. In tema gitano i ricchissimi costumi di Raimonda Gaetani che diventano nobilmente ampollosi per Leonora ed  il Conte.

Anche quest’anno la stagione lirica di Padova offre al pubblico cittadino una piacevole serata all’aperto e nello specifico nel cortile del fu Castello Carrarese che in corso di restauro diventerà sede di iniziative e progetti culturali per tutta la città. Ecco che nell’ambito di questo ambizioso progetto si inserisce la stagione lirica patavina che con I Capuleti e i Montecchi di Bellini ha registrato un bel successo di pubblico nonostante il fine settimana di partenze e di tempo incerto.

Di Rosy Simeone

Aida in scena al Teatro San Carlo nell’edizione estiva dell’attività del Massimo Napoletano è lo spettacolo di un paio di Stagioni fa di Franco Dragone. Invero accattivante nelle scene più intime del terzo e del quarto atto, si pone in modo confuso e poco chiaro in quelle più di “assieme” del primo e del secondo.  Lasciano perplessi i movimenti statici dei protagonisti e le pochissime scelte di “azione” relative al coro ed alle masse artistiche.  Belle alcune scelte visive delle scene curate da Benito Leonori con le colonne oblique a far da cornice ai diversi “piani” in palcoscenico che venivano di volta in volta messi in rilievo da strati di tulle o da vessilli insanguinati.

I costumi di Giusi Giustino erano funzionali all’azione e leggermente “atemporali” in modo da non definire un Egitto in modo troppo conclamato e chiaro.

Di Rosy Simeone

Lo spettacolo di Madama Butterfly a cui abbiamo assistito è stato uno dei peggiori in assoluto per ciò che il San Carlo è riuscito a “creare” come nuova produzione.

Il regista Pippo Del Bono ha voluto descrivere la vicenda della giovane geisha come una scatola vuota, priva di contenuti, a tratti claustrofobica nonostante il bianco dominante ed in cui non accadeva nulla. Il nulla più totale. Il nulla storico. Fosse stata una recita in forma di Concerto non si sarebbero notate grandi differenze. Perfino la “danza” con cui Suzuki e Cio Cio San spargono petali rosa/rossi sul palcoscenico era immobile e statica.

Le scene di Nicola Rubertelli sono tra le sue realizzazioni peggiori avendo egli creato una “scatola” lineare, bianca, cava, vuota e priva di qualsiasi fascino.

I costumi di Giusi Giustino sono sempre molto belli, curati nei dettagli e di grande effetto.

Con la Turandot di Puccini prosegue la stagione d’opera all’Arena di Verona con l’amatissimo allestimento di Franco Zeffirelli che con i suoi colori, la magnifica opulenza e le grandi masse artistiche in movimento raccoglie sempre grandi consensi da parte di un pubblico stupefatto e meravigliato. Arena gremitissima anche per questa prima che offre uno spettacolo collaudato dove tutto è al suo posto e lo sguardo si perde nel cercare di cogliere ogni dettaglio dell’azione scenica. Di pregio i costumi di Emi Wada e ovviamente sfavillanti per la principessa di gelo dagli artigli acuminati che invitano alla distanza ed al timore reverenziale. Le luci curate da Paolo Mazzon aggiungono atmosfera e calore alla città di Pechino che sembra uscita effettivamente dal ‘tempo delle favole’.

Nella calda e soleggiata estate sarda il Teatro Lirico di Cagliari propone una iniziativa molto interessante. Ben 15 recite di Traviata in uno spettacolo di gusto, collaudato, con la presenza di giovani interpreti e la possibilità di offrire ai numerosi turisti presenti sull’Isola, ma anche ai cagliaritani, di ascoltare più volte il capolavoro verdiano.

Lo spettacolo dei fratelli Hermann è magnifico. Elegante, moderno ma senza mai tradire il libretto. E’ una visione intelligente e sofisticata del dramma di Violetta.

E così abbiamo fatto anche noi potendo presenziare alle recite con tutti i cast coinvolti in questa lodevole iniziativa.

Il soprano Nino Machaidze ci accoglie con tanta simpatia nel suo camerino per le fasi salienti che precedono la recita di Traviata all'Arena di Verona. Buona visione!

Maria Teresa Giovagnoli

Prima rappresentazione di Traviata all’Arena di Verona nella ripresa dell’allestimento ideato da Hugo de Ana che inaugurò il Festival del 2011. Oltre alla contingenza della partita di quarti di finale dei mondiali di calcio, che ha notevolmente disturbato lo svolgimento della rappresentazione a causa di un pubblico parecchio indisciplinato e poco attento a ciò che accadeva sul palco, ci si è messa anche la pioggia ad interrompere in più riprese lo spettacolo, fino alla definitiva sospensione dopo il secondo atto.

Uno spettacolo che definire semplicemente frizzante sarebbe poco, è quello ideato da  Gianmaria Aliverta per la Mirandolina di Martinü alla Fenice di Venezia, che in atmosfera di partenze vacanziere, in questo inizio caldo di estate,  ci porta proprio in un moderno resort con Spa annessa in cui la padrona Mirandolina fa il bello ed il cattivo tempo, flirtando con gli ospiti bizzarri che vi si recano. Lontane fino a un certo punto sono le ambientazioni della Locandiera di Goldoni da cui l’autore trasse l’opera andata in scena postuma nel 1959 e che, partendo dalla commedia dell’arte italiana, sviluppa ulteriormente i personaggi tipici donando loro connotati più realistici, tanto che nella rivisitazione del regista potremmo incontrare tipi del genere addirittura ad una festa o ad una sagra di paese.

Nonostante una tromba d’aria ieri sera abbia privato la scenografia di alcuni elementi danneggiati, i tecnici della Fondazione Arena, coadiuvati dal regista Gianfranco de Bosio, sono riusciti in tempi brevi ad approntare le piccole modifiche che hanno consentito alla storica Aida del 1913 di esser rappresentata regolarmente senza ulteriori intoppi.   

Secondo appuntamento dunque per questo 2016 all’Arena di Verona con la ripresa dell’edizione ultracentenaria del capolavoro verdiano. Ancora una volta troneggia sul palcoscenico la monumentalità degli ambienti riccamente adornati che richiamano i fasti dell’Antico Egitto con  masse corali e  comparse i cui costumi sono impreziositi da mille particolari. Le coreografie dinamiche dei ballabili sono affidate a Susanna Egri con protagonisti Amaya Ugarteche, Alessia Gelmetti, Evghenij Kurstev, Antonio Russo ad arricchire uno spettacolo che, pur nella sua imponenza, non nasconde i segni del tempo risultando talvolta lento e ripetitivo.

Riparte dopo mesi di incertezze ed in una serata caldissima il Festival dell’Arena di Verona che quest’anno raggiunge le novantaquattro primavere e, causa i notissimi problemi economici di cui si discute ormai da tempo, come l’anno scorso si è deciso di recuperare tutte produzioni collaudate che negli ultimi anni hanno incontrato il gusto del pubblico. Così inaugura la stagione 2016 la Carmen con regia di Franco Zeffirelli che come sappiamo porta sull’immenso palcoscenico veronese luoghi, colori ed atmosfere di una Siviglia in miniatura che riempie tutti gli spazi a disposizione con numerose comparse ed animali in scena. I coloratissimi costumi sono sempre quelli di Anna Anni e le coreografie dei balletti sono ancora una volta della compagnia El Camborio sempre ripresa da Lucia Real. Piccola novità di quest’anno che riguarda tutti gli spettacoli, ai lati del palcoscenico in cima alle gradinate si possono seguire i sovratitoli del libretto su schermi posti all’uopo, che tutto sommato non rientrando nel campo visivo della scena non recano particolare disturbo.

Quanto possono essere traditori gli occhi che osservano, registrano e svelano segreti e misfatti? Come è possibile che la luce dei nostri occhi si trasformi in ombra di un sentimento morente ed impossibile da recuperare? Proprio come recita la voce fuori campo in apertura, ci si domanda.. ‘Qu’est devenu ce bel œil qui mon âme éclairait ja de ses rais’… ma non se ne trova risposta. Una nobile famiglia colta nel disfacimento delle sue fondamenta è proprio il fulcro della vicenda di Luci mie traditrici, in scena al Comunale di Bologna con un intelligente spettacolo studiato da Jürgen Flimm, con scene e costumi rispettivamente di Annette Murschetz e Birgit Wentsch. Alla base di questa storia di tradimento coniugale e vendetta omicida ci sono diverse fonti letterarie che trovano in un primo momento origine nella vita del principe, nonché musicista, Carlo Gesualdo di Venosa, che visse a cavallo tra il Sedicesimo ed il Diciassettesimo secolo in Campania e la cui moglie fu fatta uccidere proprio per vendicarsi del tradimento subito.  Ma pare che in realtà Sciarrino si sia ispirato più specificamente ad un dramma dai contenuti simili alla storia del principe e dal titolo Tradimento per l’onore, in cui la padrona di casa tradisce il marito proprio con un suo ospite venendo puntualmente smascherata dal servo e quindi punita dal consorte insieme al suo amante.

Esistono luoghi in grado di trasmettere emozioni già soltanto entrandovi, ma quando al fascino architettonico si aggiunge la bellezza musicale il connubio crea delle emozioni che è difficile dimenticare. Più volte abbiamo sottolineato quanto il Teatro Olimpico di Vicenza sia cornice esaltante per ospitare eventi quali appunto le Settimane Musicali, e siamo tornati molto volentieri dopo ‘Le nozze di Figaro’ ad ascoltare l’esecuzione della ‘Petite messe solennelle’ nella rara versione originale che Rossini compose nel 1863 per l’intima esecuzione nella dimora della contessa Pillet-Will che la commissionò. Tale versione si compone di dodici coristi/solisti, due pianoforti ed un armonium, mentre oggi solitamente si esegue con l’accompagnamento dell’orchestra e con un coro molto più ricco. Oggi come allora, siamo stati spettatori privilegiati di una esecuzione dal carattere intimistico e solenne, di ciò che è considerato una sorta di testamento musicale del Maestro pesarese che difatti morì pochissimi anni dopo la prima esecuzione nel 1864.

Nel folto programma delle Settimane Musicali al Teatro Olimpico di Vicenza arriva anche l’ultimo tassello della trilogia mozartiana/Da Ponte che, iniziata con Don Giovanni e poi Così fan tutte, si chiude con Le nozze di Figaro per la regia di Lorenzo Regazzo. Lo spettacolo ha in sé una grande carica energetica ed è pieno di tantissime situazioni frizzanti e un po’ assurde che hanno spesso suscitato ilarità e perfino stupore. Tutti sembrano ossessionati da qualcosa e l’erotismo sembra essere la chiave per colmare carenze e frustrazioni o semplicemente la noia del quotidiano. Siamo stati catapultati al cento per cento nella società di oggi dove Facebook regna sovrano con i suoi selfie (addirittura con le attualissime prolunghe), i like, la moda dei toy-boy sedotti da distinte signore attempate, uomini fissi sui cellulari, ecc. Insomma c’è davvero di tutto per condire questa ‘folle giornata’.

Mentre viene presentata la nuova ricchissima stagione lirica del Teatro la Fenice di Venezia, sono in corso le recite de L’amico Fritz di Mascagni che vede impegnata Simona Marchini, notissima donna di teatro, nei panni di regista, che con molta gioia ha colto la sfida offertale dalla Fondazione veneziana nel tornare sull’opera di Mascagni che già la vide impegnata nel 1991 a Livorno. La semplicità dei personaggi ha suggerito alla regista una messa in scena piuttosto dimessa e minimalista, non solo visivamente ma anche dal punto di vista contenutistico. Certo non siamo di fronte ad un drammone ricco di colpi di scena, ma ad una storia d’amore e amicizia vissuta in campagna, dove evidentemente si è ritenuto che bastasse la trama a parlare nella sua essenzialità. Gli interpreti si muovono in una specie di palco nel palco, di scatola delle storie, opera di Massimo Checchetto, dove si accenna al paesaggio alsaziano e dentro i cui confini sembrano trovare riparo sicuro i sentimenti vissuti.  Forse tanta semplicità avrebbe avuto bisogno di qualcosa in più perché la narrazione risultasse meno lenta, e suggerire agli interpreti maggiore scioltezza nell’esprimersi avrebbe sicuramente aggiunto una certa dinamicità che invece è mancata. I costumi di Carlos Tieppo sono aderenti all’ambientazione.  

Titolo tra i più popolari ed amati nel mondo, Tosca al Petruzzelli di Bari si inserisce nell’ambito delle belle iniziative culturali previste per l’Estate in città.

Molto interessante lo spettacolo interamente “firmato” nella Regia, Scene e Costumi da Giovanni Agostinucci. Con un sapiente gioco di veli, una eleganza sobria dei costumi ed una recitazione sempre misurate, efficace e “legata” al libretto, ci presenta una Tosca dove il potere della Chiesa e quello politico si abbracciano, si fanno occhiolino e “convivono” accanto ai protagonisti lungo l’arco di tutta l’opera. Il marcare le vicende storiche che fanno da cornice al “triangolo” fatale dei personaggi è scelta colta e in qualche modo originale.

Il Direttore d'orchestra impegnato nelle recite di Zenobia in Palmira a Napoli ci racconta l'opera riscoperta di Giovanni Paisiello con simpatia e tanta disponibilità.

Maria Teresa Giovagnoli

E’ Traviata il debutto operistico di Sofia Coppola alla regia e di Valentino per i costumi.

Bisogna subito dire che il binomio ha funzionato alla grande!

Lo spettacolo è sontuoso, una Parigi con tutti i vizi ed i vezzi della “belle epoque”: lustrini, lazzi e stucchi in quantità.

Lo scalone, le specchiere , gli interni, le sale, tute le scene di Nathan Crowley sono curate e bellissime.

I costumi di Valentino sono meravigliosi ḉa va sans dire…quelli di Violetta del primo atto, un nero con coda verde turchese, quello della casa di Flora… il famoso rosso Valentino è davvero spettacolare.

Ma tutti sono invero curatissimi e di splendido impatto scenografico.

La recitazione pensata dalla Coppola è tradizionale, volutamente e vagamente rieccheggiante una Sissi o una Rossella O’hara Violetta si muove con delicatezza, senza eccessi, quasi “legata” in questo suo gioco di sguardi e di passioni.

Sulle note in pianissimo che spengono il Requiem di Fauré, si è chiuso lo straordinario ultimo concerto della stagione sinfonica 2015\16 dell'Orchestra della Fondazione Arena di Verona.

Mai composizione fu più appropriata, vista la situazione attuale in cui versa la disastrata Fondazione Arena di Verona, che fra tagli al personale e alla programmazione artistica, ci ha così voluto ricordare essere questo probabilmente l'ultimo concerto sinfonico a cui il pubblico veronese avrà l'onore di assistere al Teatro Filarmonico.

Ci auguriamo ovviamente di essere smentiti quanto prima e di poter continuare ad applaudire le maestranze artistiche della Fondazione Arena anche in inverno, nella programmazione sinfonica e ancora una volta in una sede prestigiosa come il Teatro Filarmonico.

La locandina di questo concerto, oltre al già citato Requiem di Fauré, ha avuto in programma di Maurice Ravel “Ma Mère l'oye cinque pezzi infantili per orchestra” e di César Franck le “Variazioni sinfoniche per pianoforte e orchestra”.