DIE FLEDERMAUS, JOHANN STRAUSS II - NEW NATIONAL THEATRE TOKYO, 08 febbraio 2015





Champagner hat's verschuldet,
La la la...
Was wir heut' erduldet,
La la la...


Il New National Theatre di Tokyo presenta una stagione d'opera e balletto da fare invidia ai più importanti teatri europei, con cast di primissimo piano e titoli interessantissimi per un pubblico, quale quello giapponese, entusiasta e famelico di cultura musicale che da noi è solo uno sbiadito ricordo di anni lontani.
L'attenzione che il popolo giapponese presta all'opera si manifesta in un teatro perennemente sold out, in una organizzazione tecnicomusicale ambiziosissima e nel saper chiamare cast che si ascoltano normalmente a Bayreuth come alla Scala o al Metropolitan.

Nel mese di Febbraio è stato messo in scena Die Fledermaus di Johann Strauss II già proposto nello stesso teatro nel 2006.

Die Fledermaus incarna lo spirito stesso del genere fondendo intimamente la musica - il valzer - alla brillante commedia che fornisce la trama. Ricca di smaglianti melodie che si annunciano fin dalla famosa ouverture, Die Fledermaus diverte e affascina per la situazione in cui la vicenda è collocata: una festa mascherata dove ognuno è un altro, dove tutto si confonde in un crescendo di situazioni comiche sino allo scioglimento finale, dove tutti brindano alla burla.

Chiamato a cimentarsi nella messinscena di un'opera, l'acclamato tenore Heinz Zednick, impareggiabile Mime nel Ring del centenario di Bayreuth diretto dalla coppia ChereauBoulez, sa guidare con mano navigata ed esperta, una compagnia di canto che lo segue alla lettera in una messinscena spumeggiante e tradizionale, dove tutti gli interpreti, dal primo all'ultimo, coro incluso, sanno tenere altissima la frenesia musicale unita ad una performance attoriale richiesta senza cedimenti da Strauss, inserendo nei dialoghi parlati elementi d'attualità giapponese in lingua locale che hanno saputo divertire il pubblico.

Molto belle e funzionali le scenografie e i costumi di Olaf Zomboeck che si rifanno al periodo della Sezessionstil viennese, con richiami alle opere di Klimt e all'utilizzo di materiali tipici di quell'epoca come il vetro smaltato e il bassorilievo bronzeo.

Adrian Eroed, si dimostra ancora una volta superbo cantante e splendido attore. Nella parte di Gabriel, sfodera le sue innate e fuori dal comune capacità attoriali unite ad una precisione vocale superlativa dimostrandosi degnissimo erede di quei gloriosi cantanti come Prey, Waechter, Berry che lo hanno preceduto in questo ruolo.

La Rosalinde di Alexandra Reinprecht pur dimostrando grande partecipazione e notevole disinvoltura in scena, è apparsa molto affaticata in un ruolo quale il suo che richiede un dispiego di energie vocali non indifferente. Voce spesso sfibrata ma di notevole volume, ha affrontato con difficoltà la sua parte, arrivando alla difficilissima “Klaenge der Heimat” nel secondo atto, con evidente affanno.

Bravissimo Horst Lamnek nella parte del direttore delle carceri Frank, con disinvoltura e consumate doti da attore, fa divertire il pubblico nella scena del travestimento da Chevalier Chagrin.

Sottotono Manuela Leonhartsberger nella parte di un Prinz Orlofsky manierato ed inutilmente macho, canta comunque con bella voce brunita la sua aria “Ich lade gern mir Gaeste ein” strappando l'applauso del pubblico.

Bella la voce squillante ed eroica di Murakami Kota nella parte dell'innamorato Alfred.

Klemens Sander sa essere un Dr.Falke convincente ed affascinante, complice una bellezza fisica non indifferente unita ad una voce suadente.

L'Adele di Jennifer O'Loughlin si distingue per freschezza di voce e agilità perfette oltre che per una spigliatezza scenica adorabile, la sua “Spiel ich die Unschuld vom Lande” scorre elegante e divertentissima.

Okubo Mitsuya è un Dr. Blind spassosissimo che perde in continuazione la sua buffa parrucca ocra, emergendo spavaldamente nel terzetto “Nein, mit solchen Advokaten” al primo atto.

Corretti e precisi Frosch (Boris Eder) e Ida (Washio Mai).

Alfred Eschewé dirige con mano sicura e competentissima grazie alla sua pluriennale esperienza quale direttore principale della Wien Volksoper, seguito da una Tokyo Symphony Orchestra in forma smagliante che non ha fatto rimpiangere le più blasonate orchestre austriache, specialiste in questo repertorio.

Funzionali e ipertradizionali le coreografie di Maria Luise Jaska eseguite dal Tokyo City Ballet con precisione e professionalità.

Successo travolgente da parte di un pubblico al solito entusiasta e felicissimo.

Pierluigi Guadagni


LA PRODUZIONE

Direttore d’orchestra           Alfred Eschwé
Regia　                                 Heinz Zednik
Scene &
Costumi         　                   Olaf Zombeck
Coreografie                           Maria Luise Jaska
Lighting Design　                Tatsuta Yuji



GLI INTERPRETI


Gabriel Von Eisenstein        Adrian Eröd
Rosalinde　                         Alexandra Reinprecht
Frank　                                Horst Lamnek
Prinz Orlofsky　                  Manuela Leonhartsberger
Alfred　                                Murakami Kota
Dr. Falke　                           Klemens Sander
Adele　                                 Jennifer O'loughlin
Dr. Blind　                           Okubo Mitsuya
Frosch　                               Boris Eder
Ida　                                     Washio Mai


Coro         　New National Theatre Chorus
Orchestra　Tokyo Symphony Orchestra







Photo:cortese concessione/courtesy of TERASHI Masahiko／New National Theatre,Tokyo

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DIE SOLDATEN, B.A.ZIMMERMANN - TEATRO ALLA SCALA DI MILANO, sabato 31 gennaio 2015



WESENER: Ihr luderliche Seele, Schaemt Ihr Euch nicht, einem honetten Mann das zuzumutten.
You slut. Aren't you ashamed to accost a decent man like that.


Bernd Alois Zimmermann, rappresenta il paradigma dell'opera contemporanea, la sua più brillante realizzazione.
Soldato nazista lui stesso, ha vissuto in prima linea gli orrori della guerra e la vita di quei soldati che poi ha messo in musica nel suo lavoro principale, questo Die Soldaten dove il tragico, che nasconde una dimensione sacrale, scaturisce dalla musica e rovescia il senso della commedia di Lenz di cui Zimmermann ha completamente modificato il finale.

Il capolavoro di Zimmermann si sviluppa sottoforma di un gigantesco contrappunto, una specie di infinita rete di costrizioni che si rinchiude senza fine sui personaggi come se fossero presi in una morsa. La pluralità stilistica che include elementi come il jazz o i suoni elettromagnetici è qui legata alla interazione delle tre dimensioni temporali-passato, presente e futuro- che interagiscono tra loro e in molte scene del lavoro si incrociano essendo alcuni avvenimenti successivi, presentati simultaneamente. La forza drammatica del lavoro si snoda quindi dalla capacità di articolare momenti completamente opposti, secondo la tecnica del montaggio cinematografico, conferendo al tutto una grande compattezza.

Proveniente da Salisburgo, dove ha debuttato nel 2012, l'allestimento di Hermanis , che ha curato la scenografia assieme a Uta Gruber-Ballehr e ai costumi di Eva Dessecker fu concepito per il palcoscenico, largo 40 metri, della Felsenreitschule, la rappresentazione sul decisamente più piccolo palco del Teatro alla Scala ne ha mortificato intenti e risultato.

La sterminata compagnia di canto, che interagisce spesso simultaneamente non solo musicalmente ma anche temporaneamente, si è trovata a dover fare i conti con una capacità di azione molto ridotta.

Le scene corali hanno così sofferto pesanti tagli in termini di azione e intensità drammatica così come l'aver dovuto sistemare parte della sterminata orchestra nel retropalco amplificandola, ha conferito allo spettacolo un' aura posticcia che non ha reso giustizia al meticoloso lavoro di Hermanis.

Lavoro che comunque è stato di primo livello, tutto giocato sulla rappresentazione della mortificazione umana nel suo più ampio concetto. La violenza umana e psichica dei soldati si proietta continuamente sui personaggi più deboli non solo fisicamente, ma anche e soprattutto verbalmente; emblematici i dialoghi serrati e mortificanti tra Pirzel e gli altri ufficiali nella scena quarta (toccata1) del primo atto, forse uno dei momenti più alti dell'intero lavoro.

La nutritissima compagnia di canto, prevista da Zimmermann a sostenere un lavoro a volte al limite dell'eseguibile, ha saputo ricreare forse meglio il successo delle rappresentazioni di Salisburgo.

Cresciuta vocalmente e introspettivamente nel suo personaggio rispetto al 2012, Laura Aikin è una Marie straordinaria nell'impianto scenico e vocale, particolarmente dotata nel controllo straordinario della parte sovracuta del rigo; la sua disinvoltura nell'affrontare una parte emblematica come quella di Marie, la mettono tra le interpreti di primo piano in questo repertorio ai giorni nostri.

Gabriela Benackovà, all'alba delle sue 67 splendide primavere, non mostra il minimo cedimento vocale nell'affrontare la spaventosa parte della Grafin de la Roche, tutta scritta in note ribattute e salti di ottava da far tremare i polsi anche alla più navigata delle cantanti.

Straordinario Daniel Brenna quale Desportes, ha saputo affrontare la scrittura della sua improponibile parte con una naturalezza e un cinismo vocale e scenico oltre ogni aspettativa.

Il Wesner di Alfred Muff si misura con una scrittura stranamente lirica abbastanza tradizionale, all'interno di un lavoro estremamente innovativo (all'epoca della scrittura) per le voci. Molto intensa e cantata con partecipazione misurata la sua scena finale.

Delude Thomas E.Bauer nel rolo principale di Stolzius. Probabilmente affaticato e provato dalle recite precedenti, ha cantato perennemente in affanno risultando sbiadito e difficoltoso nell'interpretare lo straziato amante ripudiato di Marie. Anche per lui la improponibile parte scritta da Zimmermann ha lasciato evidente il segno del logoramento, risultando comunque convincente scenicamente.

Impareggiabile nelle parti di tenore caratterista ed autentico fuoriclasse nel sapere porgere la parola musicata, Wolfgang Ablinger-Sperrhacke ha interpretato con una partecipazione più che perfetta la petulante parte del conformista Pirzel.

Okka Von der Damerau, nonostante qualche impaccio nei movimenti scenici, è risultata convincente nell'interpretare la sorella ingenua di Marie.

Perfetti e ben inseriti nell' arditissimo impianto musicale di Zimmermann i numerosi comprimari,  con una menzione speciale per i cantanti dell' ensemble il canto di Orfeo che hanno saputo interpretare i numerosi Ufficiali con una partecipazione impeccabile non solo vocale ma anche musicale, giacché in partitura è previsto che debbano contemporaneamente cantare e percuotere pentole e posate sulle tavole con precisione metronomica in sincrono con orchestra.

L'orchestra della Scala non sono certamente i Wiener Philarmoniker sentiti a Salisburgo, e la rara partecipazione in un repertorio quale quello contemporaneo si è fatta sentire non tanto nelle rare imperfezioni dei settori delle percussioni, quanto nella mancanza di un unicum musicale richiesto in un lavoro come questo. A noi è parso che nonostante gli sforzi sovrumani di Ingo Metzmecher nel condurre in porto una partitura spesso al limite della coesione strumentale, l'Orchestra abbia suonato con evidente spaesamento e arrendevolezza di fronte ad una partitura straordinaria ma inconsueta, preferendo arrendersi nel più sicuro mare della mera esecuzione delle note piuttosto che affrontare la tempesta di una scrittura entusiasmante.

Successo vivissimo per tutti in un teatro inizialmente pieno, ma che si è svuotato in parte all'inizio della seconda parte.


Pierluigi Guadagni

LA PRODUZIONE

Direttore
Ingo Metzmacher
Regia
Alvis Hermanis
Co-regista
Gudrun Hartmann
Scene
Alvis Hermanis e Uta Gruber-Ballehr
Costumi
Eva Dessecker
Luci 
Gleb Filshtinsky
Sergey Rylko
Video designer


Wesener
Alfred Muff
Marie
Laura Aikin
Charlotte
Okka von Der Damerau
La vecchia madre di Wesener
Cornelia Kallisch
Stolzius
Thomas E. Bauer
Madre di Stolzius
Renée Morloc
La Contessa De La Roche
Gabriela Benckova
Il giovane Conte, suo figlio
Matthias Klink
Desportes
Daniel Brenna
Pirzel
Wolfgang Ablinger-Sperrhacke
Eisenhardt
Boaz Daniel
Mary
Morgan Moody
Haudy
Matjaz Robavs
Il colonnello, Conte di Sapnnheim
Johannes Stermann
Tre giovani ufficiali
Paul Schweinester, Andreas Fruh, Clemens Kerschbaumer
L'Andalusa, una servente
Donatella Sgobba
Il servitore della Contssa De La Roche
Werner Friedl
Tre giovani alfieri/Tre capitani
Stephan Schafer, Volker Wahl, Michael Schefts
Madame Roux, proprietaria della bottega del caffè
Anna-Eva Kock
Il giovane alfiere/Un giovane fuciliere, al servizio di Desportes
Rupert Grossinger
L'ufficiale ubriaco
Aco Biscevic
Artistin
Katharina Droscher
Diciotto ufficiali ed alfieri
Ensemble Il Canto di Orfeo

Orchestra del Teatro alla Scala

Nuovo allestimento in coproduzione con Festival di Salisburgo (2012)



Foto Teatro Alla Scala

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IL VIAGGIO A REIMS, G.ROSSINI - DUTCH NATIONAL OPERA , AMSTERDAM, 27 gennaio 2015



«A giorni il Re ritorna
gran feste si daranno,
rapidi qui verranno
stranieri in quantità.
Da quello che preparasi
a corte ed in città,
ben si può giudicare
che festa si farà;
Spettacol più giocondo,
mai visto si sarà;
chi a Reims non poté andare
qui si consolerà.”


Concepire un nuovo allestimento de Il Viaggio a Reims dopo lo straordinario spettacolo che lo ha riportato in luce nel 1984 a Pesaro per la regia di Ronconi, la direzione di Abbado e un parterre di cantanti di primissimo livello, è sempre cosa rischiosissima per una forma di teatro che spesso vive, ahimè, più di ricordi e sospiri piuttosto che di ricerca di novità e apertura al diverso.
La sfida della direzione artistica della Dutch National Opera, teatro che si pone all'avanguardia in Europa per qualità e scelta degli allestimenti sempre di primissimo ordine, pare ancora più ardua se per la scelta di reinventare una concezione registica di una cantata scenica praticamente senza soggetto specifico, si chiama un enfant terrible come Damiano Michieletto.
Scelta vincente, e non ne avevamo il minimo dubbio!
La cantata scenica pensata dal librettista Balocchi, si sviluppa su di un canovaccio molto semplice che non ingabbia l'azione in un intrigo drammatico particolarmente rigido, quale occasione migliore per reinventare completamente una storia divertentissima?
Michieletto, coadiuvato nelle scene da Paolo Fantin e nei costumi da Carla Teti, trasporta l'azione dall' Albergo del Giglio d'oro alla Golden Lily Galery alla vigilia dell'apertura di una grande mostra d'arte. Madama Cortese diventa la curatrice tutta isterismo e tensione stile Meryl Streep ne “Il diavolo veste Prada”, Don Profondo diventa un entusiasta banditore d'aste, Lord Sydney un tecnico restauratore follemente innamorato del soggetto femminile del quadro al quale sta lavorando.
Gli altri personaggi del libretto originario sono trasformati in opere d'arte viventi che letteralmente escono dalla tela per iniziare ad interagire con il mondo reale.
Ecco quindi che l'azione diventa un racconto surrealista, popolato da personaggi vivi dipinti da Botero, Goya o Magritte. L'interazione tra i due mondi, crea situazioni che sono a volte poetici, a volte comici ma sempre comunque avvincenti. Lo spettacolo visivo culmina con l'apertura della grande mostra in cui, uno ad uno, tutti i personaggi in scena prendono il loro posto nel sontuoso tableau vivant ricreato per ricostruire la scena del dipinto di Francois Gèrard “L' incoronazione di Carlo X” del 1825 sul quale poi verrà proiettato l'originale, concludendo l'opera con il party di Madama Cortese per l'acquisizione del nuovo dipinto alla galleria.
Se dal punto di vista visivo, lo spettacolo è stato entusiasmante, musicalmente ci ha regalato veri momenti di altissima professionalità, a cominciare dalla direzione di Stefano Montanari alla guida della Nederland Kamerorkester.  Seduto al fortepiano dal quale ha accompagnato anche i recitativi, Montanari ha saputo dare la sua impronta personale ad una partitura marchiata dal confronto con la direzione tesissima e brillante di Abbado. Montanari sceglie tempi e agogica personalissimi che se, smarcandosi dalla concezione di Abbado possono risultare spesso in difetto o addirittura sbagliati in certi punti, a noi sono risultati eccezionali. Il suono poi degli strumenti barocchi, soprattutto gli ottoni, ci ha regalato quell'aura originale di una partitura che solo chi era presente il 1961825 potrebbe dire giusta. Montanari ricerca e cesella ogni singola nota con la precisione del mirabile concertista quale egli è, scegliendo di riaprire i tagli del coro “L'allegria è un sommo bene” desunto dal Maometto II e delle “arie da ballo” nella scena finale.
Sul versante vocale sugli allori la Corinna di Eleonora Buratto, voce pulitissima, mai una sbavatura, accentuazione vocale impareggiabile, fraseggio (e la sua improvvisazione nel finale è quanto di più impegnativo si possa immaginare) esemplare, la Buratto si rivela una cantante formidabile che ci darà sicuramente molte soddisfazioni.
Molto brava anche Nino Machaidze nell'ingrata parte di Folleville, canta la sua aria con la desueta precisione pur rivelando un' appesantimento nella sua voce dovuto probabilmente alla virata  verso un repertorio più pesante nei suoi più recenti impegni.
La Madama Cortese di Carmen Giannatasio canta i suoi interventi con la precisione e la cura che le abbiamo sempre riconosciuto, ma anche per lei la scrittura rossiniana comincia a diventare un poco stretta.
Anna Goryachova è una bellissima e giovanissima Melibea dalla voce precisissima e incredibilmente dotata di un volume non indifferente che la fanno arrivare sicura alla fine dei suoi interventi.
Michael Spyres ha delineato il suo Libenskof in maniera eccellente, incorniciando la sua aria finale “Onore, gloria ed alto omaggio” con canto agile, fervido e slanciato.
Juan Francisco Gatell è un iperattivo Belfiore che canta i suoi due duetti amorosi con perfetta precisione nelle agilità e nel canto di grazia.
Nonostante un'annunciata indisposizione, Roberto Tagliavini ha cantato con la consueta preparazione e senza il minimo inficimento la sua difficilissima aria.
Bruno De Simone ha interpretato con la maestria e la preparazione da fuoriclasse quale è la breve parte del Barone Trombonok.
Un affaticato Nicola Ulivieri ha eseguito la sua aria “medaglie incomparabli” con difficoltà evidente, riuscendo comunque grazie all'esperienza acquisita a terminare la serata con dignità.
Ottima la preparazione di tutti gli interpreti cosidetti “minori” ma che di minore hanno solamente la durata della parte cantata: Teresa Iervolino(Maddalena), Mario Cassi (Don Alvaro), Biagio Pizzuti (Don Prudenzio), Carlos Cardoso (Don Luigino), Maria Fiselier (Delia), Florieke Beelen (Modestina), Jeroen De Vaal (Zefirino), Tomeo Bibiloni (Antonio).
Eccellentissimi gli interventi del coro della Dutch National Opera diretto da Ching Lien Wu.
Successo calorosissimo per tutti da parte di un caloroso e partecipe pubblico in gran parte composto da giovani sotto i 30 anni.
Pierluigi Guadagni


LA PRODUZIONE 

Direttore        Stefano Montanari
Regia             Damiano Michieletto
Scene             Paolo Fantin
Costumi         Carla Teti
Lighting
design           Alessandro Carletti

GLI INTERPRETI

Corinna           Eleonora Buratto
La Marchesa
Melibea           Anna Goryachova
La Contessa
di Folleville       Nino Machaidze
Madama
Cortese            Carmen Giannattasio
l Cavaliere 
Belfiore            Juan Francisco Gatell
Il Conte di 
Libenskof          Michael Spyres
Lord Sidney      Roberto Tagliavini
Don Profondo   Nicola Ulivieri
Il Barone di
Trombonok         Bruno De Simone
Don Alvaro        Mario Cassi
Don Prudenzio    Biaggio Pizzuti
Don Luigino        Carlos Cardoso 
Delia                   Maria Fiselier
Maddalena         Teresa Iervolino
Modestina          Florieke Beelen
Zefirino               Jeroen de Vaal
Antonio               Tomeu Bibiloni

Coro Dutch National Opera
Nederland Kamerorkester.  


Foto Dutch National Opera

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ANDREA CHENIER, U.GIORDANO - ROYAL OPERA HOUSE, LONDON, 26 gennaio 2015



“La mia scrittrice?
Voi la ognor celata amica mia,
ognor fuggente? “

Che la musica dell' Andrea Chenier di Umberto Giordano arrivi dritta dritta al cuore senza particolari concettualismi è un fatto assodato e vincente di questa partitura meravigliosa strapiena di melodie affascinanti e strabordante di una genuinità che affascina e incanta a dispetto di critiche più o meno velate da parte di detrattori musicofili con la puzza sotto il naso.

E bene lo ha capito Sir Antonio Pappano che, entusiasta dello spiegamento melodico ad alta temperatura di Giordano, ha voluto a tutti i costi riportare il capolavoro del compositore foggiano alla Royal Opera House dopo trent'anni di assenza.
Scelta vincente sotto tutti i punti di vista, aiutata da uno spiegamento artistico di  altissimo livello, ha visto il meritato trionfo con il sold out in tutte le recite previste.

L'idea registica di David McVicar si sviluppa nell' impianto di tradizione, nel senso più felice del termine, senza nessuna concessione a strampalati concettualismi tanto di moda oggi ma semplicemente trasportando scenicamente ciò che è scritto nel libretto.
Il che non vuol dire noia o routine, poiché ogni singolo movimento, ogni singola entrata o uscita di scena è studiata e precisa senza la minima concessione ad una forzatura di maniera. Le scene funzionali di Robert Jones e gli studiatissimi costumi di Jenny Tiramani completano un quadro felicissimo nel quale si inseriscono le coreografie di Andrew George per la scena della rappresentazione bucolica del primo atto. Funzionali e ben preparate le luci di Adam Silverman.

Il versante vocale vedeva il debutto di Jonas Kaufman nella parte del titolo.
Il suo Andrea Chenier è il risultato di uno spiegamento vocale senza risparmio, acuti luminosissimi, voce irrobustita di volume e armonici rispetto agli ascolti precedenti, intelligenza interpretativa, fraseggio impareggiabile e dizione perfetta. Ogni singola nota uscita dalla sua gola risplende di luminosità, supportata da una concezione vocale moderna che non si piega a facili portamenti o a fantasie interpretative datate ma si basa unicamente su di una tecnica vocale infallibile e studio preciso della parte.

Eva-Maria Westbroek è stata sua degna partner interpretando una Maddalena vocalmente e scenicamente appassionata. La voce è indubbiamente quella di un soprano lirico spinto tutta calore timbrico, intenso volume e buona tenuta nel registro grave. Se qualche incertezza o forzatura c'è stata, credo sia dovuta esclusivamente ad un affaticamento imposto dai tempi, spesso dilatati al limite della tenuta, imposti da Pappano soprattutto nel momento clou de “la mamma morta”.

Zelico Lucic ha interpretato un Carlo Gerard molto convincente pur notando un certo affaticamento nella voce. Il vibrato molto fisso delle sue note non aiuta certamente a donare calore e passione al suo canto ma viceversa delinea un vocalità aspra e violenta che nel suo personaggio non difetta affatto.

Purtroppo della vocalità calda e suadente alla quale Denyce Graves ci aveva abituato in passato non rimane che solo un vago accento, la sua Bersi comunque risulta convincente.

Il personaggio dell' Incredibile, per quanto possa risultare minore, ha un ruolo centrale nella vicenda dell'opera e pensare di interpretarlo senza la giusta dose di caratterismo o peggio di una giusta vocalità, rende grave danno all'impianto dell'opera. Carlo Bosi non difetta affatto di nessuna di queste qualità regalandoci una interpretazione da manuale.

La Contessa di Coigny di Rosalind Plowright è aristocratica, stucchevole e acida come deve essere, e non ne avevamo il minimo dubbio al proposito poiché da una grande interprete come Lei che nel passato ci ha regalato momenti impareggiabili, non ci si poteva aspettare di meglio.

La sempreverde Elena Zilio è stata una Madelon impagabile per convinzione scenica e vocale.

Molto bene anche il Roucher di Roland Wood dalla voce precisa e convincente.

Completavano il foltissimo cast con partcipazione scenica e capacità John Cunningham(maggiordomo), Peter Coleman-Wright (Fleville) Peter Hoare (l'Abate), Adrian Clarcke (Mathieu), Yuriy Yurchuk (Dumas), Eddie Wade (Fouquier-Tinville), Jeremy Withe (Schmidt).

Sir Antonio Pappano dirige con la consueta precisione e maestria l'orchestra della Royal Opera House in un crescendo di entusiasmanti momenti tutti tesi alla ricerca dell'esaltazione muscolare e dell'enfasi elegiaca di cui la musica di Giordano dell'Andrea Chenier è piena. L'orchestra risponde con partecipazione superlativa alle sollecitazioni del suo Direttore nonostante il suo gesto, ci è parso, sia divenuto sempre più criptico e sinceramente incomprensibile rispetto al passato, e la scelta di dirigere senza bacchetta non fa che accentuare la cosa.

Renato Balsadonna a capo del concentratissimo Royal Opera Chorusapporta alla serata quel contributo indispensabile di maestria e altissima professionalità.

Successo irrefrenabile da parte di un teatro gremito in ogni ordine di posti ed entusiasta.

Pierluigi Guadagni

LA PRODUZIONE

Direttore
d’orchestra                Antonio Pappano
Regista                       David McVicar
Scene                          Robert Jones
Costumi                     Jenny Tiramani
Luci                            Adam Silverman
Coreografia               Andrew George


GLI INTERPRETI

Andrea Chénier        Jonas Kaufmann
Maddalena
de Coigny                  Eva-Maria Westbroek
Carlo Gérard             Željko Lučić
Bersi                           Denyce Graves
Madelon                    Elena Zilio
Contessa
de Coigny                  Rosalind Plowright
Roucher                     Roland Wood
Pietro Fléville            Peter Coleman-Wright
Fouquier-Tinville      Eddie Wade
Mathieu                     Adrian Clarke
The Incredibile         Carlo Bosi
Abbé                          Peter Hoare
Schmidt                      Jeremy White
Major Domo              John Cunningham
Dumas                       Yuriy Yurchuk

Concert Master         Peter Manning

Orchestra of the Royal Opera House

Royal Opera Chorus




Foto Royal Opera House



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TRAVIATA, G. VERDI – TEATRO FILARMONICO DI VERONA, DOMENICA 25 GENNAIO 2015







Il maestro Josef Svoboda ci ha lasciato ormai da tredici anni ma le sue brillanti intuizioni in termini di scenografia continuano ad affascinare e ad esser parte di allestimenti operistici vincenti. Tra questi la splendida Traviata ormai nota come ‘degli specchi’ che è praticamente rappresentata ogni anno in giro per l’Italia e nel mondo ottenendo sempre consensi entusiastici di pubblico. Ed approda finalmente anche al Teatro Filarmonico di Verona con la regia di Henning  Brockhaus e con la collaborazione di Benito Leonori per la ricostruzione scenografica.
Il famoso allestimento ci ricorda che il mondo non ha una sola prospettiva e che ognuno di noi dovrebbe guardare aldilà del proprio punto di vista e cogliere le diverse angolazioni di ciò che avviene intorno. Così la storia di Violetta non va guardata soltanto col nostro occhio giudice e moralista, ma letteralmente a tutto tondo, ossia anche dal suo punto di vista e da quello di chi vive la sua storia con lei. Ecco così che lo specchio inclinato che sovrasta sullo sfondo assume un significato psicologico, oltre che squisito mezzo scenico per offrire una inquadratura inusuale dei personaggi e degli ambienti. Come è ben noto i pannelli che occupano il piano vengono fatti scivolare a scomparsa ed in successione si alternano i bellissimi tableau dai colori sfavillanti che affrescano man mano il salone delle feste di Violetta o della casa di Flora con squisita eleganza, riproducono la deliziosa casa di campagna per il nido d’amore di Violetta ed Alfredo, per poi lasciare il posto al pavimento nudo e scuro dell’ultimo atto, ove si poggiano un letto, pochi cuscini su cui si adagia Annina ed un tavolino, con la celeberrima conclusione a specchio raddrizzato per riflettere l’orchestra ed il pubblico stesso, lasciando ad ognuno la propria interpretazione di quanto avviene. Ricordiamo che gli sfavillanti  costumi  sono di Giancarlo Colis.

Dal punto di vista musicale diverse considerazioni da fare. Certo la direzione del Maestro Marco Boemiha condizionato non poco l’esecuzione degli interpreti che sono stati chiamati a dura prova per seguire adeguatamente il tempo in taluni passaggi. Probabilmente l’intento del direttore era di imprimere alla rappresentazione un carattere estremamente toccante e drammatico, ma ciò si è tradotto a nostro avviso in uno stacco di tempi fin troppo distesi con dinamiche non sempre chiare; in più punti si è percepito uno scollamento tra buca e palco anche per gli interventi del coro.

Ne fa le spese in un certo senso Francesca Dottoper cui confermiamo le impressioni avute nella recente Traviata di Venezia. Il colore della voce è molto bello ed uniforme, e sicuramente mostra un bell’affiatamento con i partner sul palco, ma ci riserviamo qualche tempo per vedere una Violetta a trecentosessanta gradi da parte del soprano dalle indubbie doti vocali che può ancora crescere e donare più carattere al ruolo.

Alfredo Germont è un Antonio Polidalla voce fresca e pastosa che pur non mostrando una potenza esponenziale si cala molto bene nel ruolo del giovane di cuore e passione.

Grande successo per Simone Piazzolache ormai ha raggiunto un bel numero di Giorgio Germont nella lista delle sue interpretazioni. Sempre più maturo il personaggio, il colore pulito della voce si esprime uniformemente in tutta la gamma del suo registro dando forza ad un ruolo gestito con padronanza ed autorità. Per lui una serata davvero positiva.

Non convince a pieno la Flora di Elena Serrala cui voce sembra talvolta soffrire l’orchestra, pur dando un certo carattere spigliato e gagliardo al suo personaggio.

Ci è sembrato un po’ troppo caricato il ruolo di Annina per essere una semplice domestica, alias Alice Marini, mentre hanno ben figurato nei ruoli di contorno: Gastone, Antonello Ceron, il Barone Douphol, Nicolo' Ceriani, il Marchese d'Obigny, Dario Giorgelè, l’ottimo Dottor Grenvil di Gianluca Breda, Giuseppe, Francesco Pittari, ed il Domestico e Commissionariodi Romano Dal Zovo.
Il coro diretto da Vito Lombardi si mostra ben affiatato ed ottimo in scena, fermo restando i suddetti problemini percepiti con l’orchestra.

Il pubblico che ha riempito il teatro ha tributato un buon successo  per tutti gli interpreti con punte per Dotto, Poli ed il maestro Boemi, registrando un vero e proprio trionfo per Piazzola.

Maria Teresa Giovagnoli

LA PRODUZIONE

Direttore
Marco Boemi
Regia e luci
Henning  Brockhaus
Direttore corpo di ballo
Renato Zanella
Bozzetti scenografici
Josef Svoboda
Ricostruzione scenografica
Benito Leonori
Costumi
Giancarlo Colis
Coreografa
Valentina Escobar
Direttore allestimenti scenici
Giuseppe De Filippi Venezia
Maestro del coro
Vito Lombardi



GLI INTERPRETI
Violetta Valery
Francesca Dotto
Alfredo Germont
Antonio Poli
Giorgio Germont
Simone Piazzola
Flora Bervoix
Elena Serra
Annina
Alice Marini
Gastone
Antonello Ceron
Barone Douphol
Nicolo' Ceriani
Marchese d'Obigny
Dario Giorgelè
Dottor Grenvil
Gianluca Breda
Giuseppe
Francesco Pittari
Domestico/Commissionario
Romano Dal Zovo



ORCHESTRA, CORO, CORPO DI BALLO E TECNICI DELL’ARENA DI VERONA

Allestimento di proprietà della fondazione Pergolesi Spontini di Jesi da bozzetti scenografici di Josef Svoboda

FOTO STUDIO ENNEVI per gentile concessione Fondazione Arena di Verona






                                                                                                                                           

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GOYESCAS, E. GRANADOS – SUOR ANGELICA, G. PUCCINI – TEATRO REGIO DI TORINO, VENERDI’ 23 GENNAIO 2015





Con una scelta coraggiosa il Teatro Regio di Torino porta in scena insieme il capolavoro di Enrique Granados Goyescas e Suor Angelica di Giacomo Puccini. Se anche le due opere apparentemente per ambientazione possono sembrare distanti, nella visione del regista Andrea De Rosa che cura anche le scene, vi sono diversi aspetti che le accomunano. Non certo per il noto debutto di entrambe a New York (nel 1916 la prima e nel 1918 la seconda),  ma soprattutto per la rappresentazione del dolore e del dramma al femminile e di un modo di viverlo intensamente, che sia passione manifesta di giovani e intemperanti madrileni con a capo due protagoniste conturbanti, oppure amore celato in segreto di una mamma costretta in convento. Il regista sceglie di attualizzare i due drammi pur restando squisitamente fedele ai contenuti poiché certe realtà sembrano destinate a non mutare. Di Paquiro e Fernando che si sfidano per gelosia ne è pieno il pianeta, di donne ferite e ormai sole dato il tragico destino dei compagni altrettanto, per non parlare di tutte le donne al mondo private della gioia di crescere un figlio, perché strappato alla nascita o perché mai arrivato. Così vige un senso di impotenza, di sconfitta e di vuoto in entrambe le opere, per un dittico non usuale ma a nostro avviso possibile.

Il senso di vuoto nell’ animo è il punto di partenza di Goyescas, giacché l’azione parte da un enorme fosso scavato nel terreno ove il buio che è intorno è spezzato da lampi di chiarore sui protagonisti, che evidenziano sì le loro azioni, ma anche la sensazione di assenza circostante. Sono effetti a cura di Pasquale Lucenti, che secondo noi funzionano molto bene allo scopo. Si sa che Goya ispirò il compositore di questo lavoro con le atmosfere particolari dei suoi dipinti di vita quotidiana e da questi De Rosa è partito anche per il suo allestimento. Anche  i vari costumi di Alessandro Ciammarughi sono pertinenti all’ambientazione, citando tra gli altri il celebre quadro de La maja desnuda per Rosario. Fedele alla tradizione è anche la presenza del fantoccio, che è certo strumento di sollazzo ma anche simbolo della labilità dell’essere umano che tanto spesso viene manipolato a sua insaputa. Così il capitano della guardia Reale Fernando cade sconfitto per un episodio mal interpretato, acceso da insensata gelosia. Ma addirittura per il regista nemmeno il torero scampa al destino di morte rimanendo ucciso egli stesso nello scontro col capitano. E quasi a sbeffeggiar tutti le musiche festose a ritmo di fandango di Granados coinvolgono, sorprendono, ammaliano, come i passi di danza coreografati da Michela Lucenti.

Nel cast della serata spiccano proprio le figure femminili, vittime e causa delle vicende in atto.

Giuseppina Piunti è una Rosario soprattutto passionale piuttosto che dama di gran casato. La sua sensualità è quasi sfacciata e nel suo canto di passione e vigore tutto sembra istigare alla gelosia che arde nel cuore di Fernando. La sua voce è volumetrica e si espande nella sala del Regio aggiungendo dramma al ricco colore.

Anna Maria Chiuri riesce a far emergere carattere e vitalità al suo ruolo di Pepa nonostante non sia stato concepito con la stessa forza di Rosario, grazie al bel timbro brunito e rotondo ed al marcato piglio da popolana.

Andeka Gorrotxategui e Fabián Veloz  sono l’altro piatto della bilancia emotiva: Fernando e Paquiro, il valoroso capitano ed il popolare torero, forse fantocci nelle mani delle loro donne, simbolo di tanti giovani portati alla reciproca distruzione, ma inevitabilmente causa di dolore e tormento per le compagne rimaste in vita sole e abbandonate. Il primo forte di una voce vellutata con dei bei centri pieni ed il secondo dal timbro scuro che dona corpo ad una voce interessante.

Chiude il cast Alejandro Escobar nel brevissimo ruolo di Una voce. Il coro preparato da  Claudio Fenoglio ha una valenza fondamentale, i magnifici majos e majas animano la scena da perfetti popolani, assestando entrate perfette e offrendo un’ottima amalgama vocale.
Infine l’ottima orchestra guidata da DonatoRenzettidona equilibrio ed uniformità ad una partitura per certi versi considerata discontinua, trovando soprattutto nei passaggi strumentali una ricchezza e profondità di suono straordinari.
Il pubblico ha omaggiato tutti gli interpreti mostrando un calore discreto alla rappresentazione.

LA PRODUZIONE

Direttore d'orchestra            Donato Renzetti
Regia e scene                        Andrea De Rosa
Costumi                                 Alessandro Ciammarughi
Coreografia                           Michela Lucenti
Luci                                       Pasquale Mari
Assistente alla regia             Paola Rota
Assistente ai costumi            Sonia Salvatori
Maestro del coro                  Claudio Fenoglio

GLI INTERPRETI

Rosario, dama di gran
casato,amata da Fernando        Giuseppina Piunti
Fernando, capitano della
guardia reale                             Andeka Gorrotxategui
Paquiro, torero                           Fabián Veloz
Pepa, ragazza del popolo,
amante di Paquiro                     Anna Maria Chiuri
Una voce                                    Alejandro Escobar
           

Orchestra e Coro del Teatro Regio

Balletto civile
Nuovo allestimento
in coproduzione con Maggio Musicale Fiorentino
e Teatro di San Carlo di Napoli


Foto Teatro Regio Torino

Con Suor Angelica il senso di impotenza e disfattismo si accentua ancor maggiormente se si considera che il tragico epilogo è causato da eventi estranei alla volontà della protagonista. Andrea de Rosa ambienta la storia addirittura in un manicomio verso gli anni cinquanta del secolo scorso, ove le suore dovrebbero prendersi cura delle sciagurate pazienti, ma solo Suor Angelica sembra curarsene, con le sue erbe ed intrugli di ogni genere. Una enorme grata separa il proscenio dal resto del palco e solo la protagonista può uscire, la ex principessa che non indossa neanche abiti monacali, per dedicarsi all’ unica distrazione al perenne pensiero di suo figlio. Sullo sfondo le sventurate folli gironzolano compiendo gesti inconsistenti, si respira un’aria carceraria se non da luogo di tortura. L’angoscia cresce man mano che si spengono le speranze di Angelica di rivedere la sua creatura e quasi un senso di oppressione guida gli atti delle monache. In tutto ciò non c’è spazio nemmeno per il miracolo e l’assoluzione: suor Angelica muore semplicemente abbracciata al bambolotto portole da una paziente impietosita. I costumi sono sempre di Alessandro Ciammarughi  con luci affidate ancora a Pasquale Mari.

Molto positiva l’esecuzione musicale di tutte le interpreti ben affiatate e chiamate una volta di più a dare il meglio in quanto ad interpretazione.

E non manca all’appello una straordinaria Amarilli Nizza, che come ci ha abituati vive in prima persona gli eventi con un coinvolgimento ogni volta più intenso. Quasi assente rispetto a ciò che la circonda, raccoglie e raggruppa le erbacce del suo giardino come un automa, ma sempre pronta a tornare alla realtà per un aiuto alle consorelle. Trova nuovo vigore nell’affrontare la Zia Principessa e piomba in autentica disperazione  all’annuncio della morte del figlio. Notiamo che anche respiri e spasimi sono mirati e mostra addirittura segni di follia nell’ansimante ricerca di un farmaco atto al proposito risolutivo. Alla base vi è una voce possente che si piega alle azioni: si fa dolce e morbida con le altre suore, si irrobustisce con la parente in visita, diventa ampia ed avvolgente nella toccante ‘Senza mamma’.

Molto valida anche Anna Maria Chiuricome Zia Principessa. Qui una anziana parente lontana dal voler infliggere altri castighi alla nipote, una donna stanca e ricurva, affatto riccamente vestita che si eclissa discretamente dopo aver riportato suo malgrado le novità della famiglia. Così il mezzosoprano può esprimere al meglio le sue qualità vocali ed attoriali, esaltando la gamma centrale del suo registro che qui risulta particolarmente ambrato e colorito.

Nella folta schiera di sorelle citiamo le ottime suora Zelatrice Silvia Beltrami, dalla voce robusta e dal piglio autoritario, la Badessa Maria diMauro che aggiunge al bel colore della voce un volume non indifferente ed un buono squillo nella zona più acuta. Molto buone come detto tutte le altre che ricordiamo: la suora infermiera Valeria Tornatore, Suor Genovieffa Damiana Mizzi, la maestra delle novizie ClaudiaMarchi, Suor Osmina Nicoletta Baù, Suor Dolcina MariadeLourdesMartins, la prima sorella cercatrice Samantha Korbey, la seconda sorella cercatrice Daniela Valdenassi, la prima conversa Sabrina Amè, la seconda conversa Roberta Garelli, una novizia Eugenia Braynova, la prima suora Paola Isabella Lopopolo, la seconda suora CristianaCordero, infine la terza suora Raffaella Riello. 
           
Ottimo anche in questo caso il coro di Fenoglioed il coro voci bianche del Teatro Regio e del Conservatorio G. Verdi.
Ancora una volta l’orchestra si mostra con Renzettialla guida in grado di creare atmosfere e languori volti alla sottolineatura degli eventi, mai un mero accompagnamento ma una esaltazione della musica insieme alle voci delle interpreti, divenendo coinvolgente, ricca di colori e lirismi perfetti per il dramma.

Applausi entusiasti e commossi ben distribuiti tra le interpreti, con grandi ovazioni per Amarilli Nizza, Anna Maria Chiuri ed il Maestro Renzetti.

Maria Teresa Giovagnoli


LA PRODUZIONE

Direttore d'orchestra              Donato Renzetti
Regia e scene                         Andrea De Rosa
Costumi                                  Alessandro Ciammarughi
Movimenti scenici                 Michela Lucenti
Luci                                         Pasquale Mari
Assistente alla regia              Paola Rota
Assistente ai costumi             Sonia Salvatori
Maestro dei cori                    Claudio Fenoglio

GLI INTERPRETI


Suor Angelica                            Amarilli Nizza
La zia Principessa                     Anna Maria Chiuri
La suora infermiera                  Valeria Tornatore
La suora zelatrice                      Silvia Beltrami
Suor Genovieffa                        Damiana Mizzi
La maestra delle novizie          Claudia Marchi
La badessa                                Maria Di Mauro
Suor Osmina                             Nicoletta Baù
Suor Dolcina                             Maria de Lourdes Martins
Prima sorella cercatrice           Samantha Korbey
Seconda sorella                         Daniela Valdenassi
Prima conversa soprano          Sabrina Amè
Seconda conversa                     Roberta Garelli
Una novizia                               Eugenia Braynova
Prima suora                               Paola Isabella Lopopolo
Seconda suora                          Cristiana Cordero
Terza suora                               Raffaella Riello
           
  
Orchestra e coro del Teatro Regio
Coro di voci bianche del Teatro Regio e del Conservatorio "G. Verdi"
Balletto civile
Nuovo allestimento
in coproduzione con Maggio Musicale Fiorentino

e Teatro di San Carlo di Napoli



Foto Teatro Regio Torino

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leonora-armellini

DO RE MI…..PRESENTO – intervista a Leonora Armellini.

Quando si incontra un’artista così giovane non si può fare a meno di pensare di trovarsi di fronte ad un talento straordinario considerando gli obiettivi che a soli ventitre anni ha già raggiunto: citiamo per esempio il primo premio assoluto al Concorso "Muzio Clementi" e il Premio "J.S.Bach" della città di Sestri Levante, il "Premio Venezia" nel 2005, il primo premio al Concorso Pianistico Internazionale "Camillo Togni " di Brescia-Gussago nel 2009, il "Premio Janina Nawrocka" per la "straordinaria musicalità e la bellezza del suono" al Concorso Pianistico Internazionale “F. Chopin” di Varsavia nel 2010, il “XXXII Premio Abbiati” dedicato a "Piero Farulli" al Trio AMAR - Leonora Armellini, Laura Marzadori e Ludovico Armellini (Pianoforte, Violino e violoncello), per non parlare dell’onore di aver ricevuto dal Maestro Zubin Mehta nel 2013 a Firenze il Premio Internazionale Galileo 2000 per il "grande coraggio e talento musicale". Ci domandiamo allora come è la vita di questa giovanissima donna dai mille impegni e ne riceviamo risposte dettagliate, intelligenti e che denotano una persona molto più matura della sua età, solare, gentile ed anche molto disponibile.

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FAUST, C. GOUNOD - TEATRO COMUNALE DI BOLZANO, mercoledì 21 gennaio 2015





"Le Veau d'or est vainqueur des dieux!"


Il teatro comunale di Bolzano si dimostra ancora una volta istituzione di cultura di alto livello, programmando una stagione interessantissima per titoli di prosa, musica, danza ed opera.
Proposto come secondo titolo operistico della stagione, il Faust di C. Gounod è opera di difficilissima esecuzione per le difficoltà di una messa in scena che richiede grande dispendio di energie esecutive e sceniche.
L'allestimento prodotto con l'opera di Lipsia è il risultato di un giusto equilibrio tra grandi idee e pochi mezzi a disposizione.
L'idea registica di Michiel Dijkema (qui ripresa da Patrick Bialdyga) funziona a dovere, equilibrata tra un allestimento di tradizione e uno di theater regie.

I personaggi si muovono con movimenti studiatissimi, il coro è partecipe e protagonista anch'esso, l'idea di un Mephistopheles tutto fuoco e tiri mancini funziona a dovere, l'impianto scenico (un non luogo costruito con un alto muro a mattoni dal quale si aprono 5 porte scorrevoli che lasciano scoprire il mondo al di là) è interessante e permette di tagliare al minimo gli altrimenti numerosi e lunghi cambi di scena.
Dispiace solo che la drammaturgia di Christian Geltiger alteri in parte la numerazione delle scene presenti in partitura da Gounod trasportando l'aria "il etait un Roi de Thule" dal secondo al quinto atto, come pure l'aria di Siebel " le bonheur à sourire t'invite" che qui diventa un malinconico addio alla vita invece che una languida dichiarazione di affetto, per tacere dei pesanti tagli all'ingresso del coro dei soldati nella quarta scena del quarto atto, nelle danze pasticciate da ingrati copia e incolla del quinto atto per finire con la malsana idea di far cantare il coro celeste al termine dell'opera in scena invece che nel retropalco come previsto in partitura, cancellando quindi completamente l'idea di misticità prevista da Gounod.

Il versante musicale ha visto un pregevole Mark Schneible nei panni di Mephistopheles dipanarsi con agilità nella ingrata sua parte: timbro scavato, dizione perfetta e fraseggio curato hanno completato una serata per lui da ricordare.
Non altrettanto si può dire per il Faust di Mario Zeffiri al quale è venuta la malsana idea di affrontare un ruolo totalmente scollegato alla sua vocalità nonostante la voce bella e gli acuti (tutti in falsetto) facili, speriamo di risentirlo presto in un repertorio a lui più congeniale.
Arika Schoenberg è  apparsa in evidente difficoltà ed affanno ad affrontare la parte di Marguerite. La voce è sfibrata, gli acuti urlati e il fraseggio scolastico, per tacere della dizione approssimativa.
Convincente anche se spesso in difficoltà nelle note di passaggio, il Valentin di Jonathan Michie dalla voce vellutata e suadente e dagli acuti facili e precisi in una parte che ha ben poco di baritonale.
Brava Kathrin Goering nella parte di Siebel, canta la sua aria con la giusta caratterizzazione vocale e scenica.
Brava anche Karin Lovelius ad interpretare la petulante Marthe con la giusta dose di caratterismo senza scendere in ridicole sforzature.
Corretto Matteo Ferrara nella parte di Wagner.

Complimenti ad Alessandro Zuppardo per la direzione del partecipe e preciso coro dell'opera di Lipsia in un lavoro dove più di un quarto dell’intera partitura è a lui destinato.

L'Orchestra Haydn di Trento e Bolzano diretta da Anthony Bramall ha saputo mettere a frutto la sua provenienza dal repertorio sinfonico esaltando i momenti sinfonici di cui questa partitura è zeppa risultando di una precisione più che convincente.
Applausi cordiali per tutti da parte di un pubblico non particolarmente caloroso.

Pierluigi Guadagni

LA PRODUZIONE

Direzione musicale    Anthony Bramall
Regia                          Michiel Dijkema
Dammaturgia             Christian Geltiger

GLI INTERPRETI

Mephistopheles          Mark Schneible
Faust                            Mario Zeffiri
Valentin                       Jonathan Michie
Marguerite                  Arika Schoenberg                            
Marthe                         Karin Lovelius
Siebel                           Kathrin Goering
Wagner                        Matteo Ferrara

Coro Oper Leipzig, maestro Alessandro Zuppardo

Orchestra Haydn di Bolzano e Trento

Nuovo Allestimento





Foto Teatro Comunale di Bolzano

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CONCERTO DI VERONA LIRICA E L’ARPISTA DAVIDE BURANI AL TEATRO FILARMONICO DI VERONA – DOMENICA 18 GENNAIO 2015



Nuovo appuntamento con l’associazione Verona Lirica al Teatro Filarmonico veronese con un concerto arricchito dalla delicatezza e musicalità del giovane Davide Burani, arpista di talento e sensibilità artistica, che ha aggiunto un tocco di eleganza ad un evento musicale già di per sé raffinato e piacevole.
Il mezzosoprano di indiscussa fama mondiale Luciana d’Intino ha avuto come compagni di avventura il baritono Davit Babayants, il tenore Giorgio Berrugi ed il soprano Lilla Lee nell’esecuzione delle arie più amate e richieste di sempre dal nostro repertorio operistico nazionale, con una piccola escursione all’estero.

E così Puccini, Donizetti, Mascagni, Cilea, Saint Saens e soprattutto Verdi sono stati i protagonisti dell’evento, naturalmente con le loro opere più celebri.

 Luciana d’Intino ha esordito con la principessa Eboli del Don Carlo verdiano e la celeberrima ‘O don fatale’; quindi il passionale duetto tra Aida ed Amneris del secondo atto di Aida; inoltre ‘Voi lo sapete, o mamma’ dalla Cavalleria Rusticana di Mascagni,  e la dolcissima ‘Mon cœur s’ouvre à ta voix’ da Samson et Dalila di Saint Saens. Straordinaria è l’intensità espressiva che contraddistingue il mezzosoprano e la voce è sempre rotonda e robusta. Interpreta con energia e pathos le suddette arie, mostrando tanto dolcezza quanto grinta e passionalità nell’esecuzione. Con Saens riteniamo abbia raggiunto il climax della serata per quanto la riguarda, mostrando anche una particolare sfumatura carezzevole del suo timbro.

Bella sorpresa il soprano Lilla Lee con Manon Lascaut di Puccini e ‘In quelle trine morbide’, il duetto Abigaille/Nabucco col collega Babayants, ‘Pace, pace mio Dio’ da La forza del destino di Verdi, ed il suddetto duetto dall’Aida con la D'Intino. Scopriamo una voce piena e morbida che si esprime particolarmente bene nel registro medio/acuto. Sicuramente la giovane artista presto aggiungerà anche quel quid interpretativo che ancora sembra leggermente acerbo, e che andrà ad arricchire maggiormente le sue già ben apprezzabili esecuzioni.

Molto di cuore l’interpretazione di ‘Quando le sere al placido’ dalla Luisa Miller di Verdi, nonché di ‘Una furtiva lagrima’dall’Elisir donizettiano, quasi irrinunciabile in occasioni come queste, come il Lamento di Federico dall’Arlesiana di Cilea, ed il toccante duetto Rodolfo/Marcello dalla Bohème con Babayants ‘In un coupé?’ per Giorgio Berrugi, generoso tenore di carattere tanto nell’interpretazione quanto nel timbro vocale.

Infine con  Davit Babayants torniamo al Nabucco con ‘Dio di Giuda’e ‘Donna, chi sei’? in duo con Lilla Lee; restiamo con Verdi per Rigoletto e la possente ‘Cortigiani, vil razza..’, e come detto il duetto con Berrugi dalla Bohème pucciniana. Particolarmente applaudite le arie del Nabucco.

Per Davide Burani le fantasie e variazioni per arpa di Giovanni Caramiello sulla Traviata di Verdi e sulla Norma di Bellini, con l’aggiunta di una sua trascrizione del valzer di Musetta della Bohème. Come detto il tocco in più in un pomeriggio di gradevolissima musica in una atmosfera amichevole e gioviale. Naturalmente il maestro Patrizia Quarta ha accompagnato i solisti con l’immancabile suo tocco al piano spesso definito ‘orchestrale’, e non sono mancati i puntuali ed anche simpatici interventi esplicativi di Davide Da Como. Pubblico felicissimo ed entusiasta.

Maria Teresa Giovagnoli






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I CAPULETI E I MONTECCHI, V. BELLINI – GRAN TEATRO LA FENICE DI VENEZIA, MERCOLEDI’ 14 GENNAIO 2015.





L’allestimento de I Capuleti e i Montecchi che andò in scena due anni fa a Verona approda in questo inizio 2015 alla Fenice di Venezia, che lo ha coprodotto insieme alla Fondazione Arena ed all’Opera Nazionale Ellenica. Al suo debutto apprezzammo soprattutto l’eleganza delle scene di Alessandro Camera, che concretizzano la visione del regista Arnaud Bernard secondo cui la storia di Romeo e Giulietta è evidentemente così eterna da poter rimaner ‘blindata’ tra le cornici dei dipinti esposti in un museo in allestimento. Da questi dipinti uscirebbero i personaggi per poi agire ed animare la storia sulle note di Bellini. Quel che dispiace è che tale impianto non venga sfruttato a dovere e che gli intenti registici non siano del tutto chiari fino alla fine, ossia quando tali ‘attori’ ritornano nell’ enorme quadro che riempie tutto il palco.  In generale la regia è piuttosto statica, i protagonisti sono alquanto ingabbiati nei loro movimenti, che talvolta non appaiono aver gran significato. E la gran quantità di mimi che continuano ad allestire il suddetto museo è più un disturbo che un chiarimento agli intenti del regista. Conseguentemente anche l’interpretazione degli stessi cantanti ne ha risentito in più momenti. Apprezzabili restano gli abiti di Maria Carla Ricotti  che richiamano ad una ambientazione classica, mentre le luci piuttosto scure di Fabio Barettin incupiscono l'atmosfera ‘museale’che si fa più intima.

Anche dal punto di vista musicale, diverse sono state le perplessità.

Jessica Pratt è una artista di comprovata esperienza che emerge in tante piccole sfumature della sua voce, dai suoi pianissimo delicati, agli acuti ben assestati. Solo non è stata facilitata dalla regia piuttosto limitante e quindi la sua Giulietta è parsa talvolta un po’ trattenuta, senza quello slancio giovanile e passionale che il ruolo potrebbe suggerire.  

Dobbiamo presumere che Sonia Ganassi fosse leggermente indisposta, poiché la sua prova come Romeo è stata tutta in salita: la voce non è parsa completamente in forma, soprattutto nelle agilità, riscattandosi  comunque nei momenti maggiormente lirici e nei duetti con la partner.

Buono il Capellio di Rubén Amoretti: voce robusta e rotonda che arricchisce l’interpretazione sicura da genitore insensibile.

Il Tebaldo di Shalva Mukeria offre certo una voce chiara e ben definita, ma non colpisce per interpretazione o presenza scenica; si ha l’impressione che il personaggio vada scavato più a fondo e maggiormente interiorizzato, anche al punto di vista vocale.

Lorenzo è interpretato dall’inossidabile Luca dall’Amico. Il basso si muove a suo agio nel ruolo di accorato consigliere, ben superando i volumi dell’orchestra nel canto ed aggiungendo del suo alla poco efficace regia.

Infine l’orchestra è guidata dal Maestro Omer Meir Wellber. Il giovane direttore ci ha fatto sentire in tante occasioni la sua forte personalità nella conduzione, ma stavolta ciò non ha giovato alla resa musicale d’insieme. Quello che poteva essere l’ intento di voler rendere più ‘viva’ la partitura di Bellini, in diversi momenti è parso tradursi piuttosto nel mero accrescimento del volume, soprattutto per la sezione percussioni, tralasciando dettagli o sfumature che ci saremmo aspettati sin dall’apertura, davvero troppo fragorosa a nostro avviso.

La prova del coro diretto da Claudio Marino Moretti è sembrata buona nel complesso.

Applausi da parte del pubblico con un successo discreto per tutti i protagonisti coinvolti.


Maria Teresa Giovagnoli 


LA PRODUZIONE

direttore         Omer Meir Wellber 
regia                Arnaud Bernard 
scene               Alessandro Camera 
costumi            Maria Carla Ricotti 
light designer Fabio Barettin


GLI INTERPRETI

Capellio          Rubén Amoretti
Giulietta         Jessica Pratt
Romeo            Sonia Ganassi
Tebaldo          Shalva Mukeria
Lorenzo         Luca dall’Amico


Orchestra e Coro del Teatro La Fenice 
maestro del Coro Claudio Marino Moretti 

con sopratitoli in italiano e in inglese

nuovo allestimento Fondazione Teatro La Fenice 
in coproduzione con Fondazione Arena di Verona e Opera Nazionale Ellenica




Foto Michele Crosera

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UN BALLO IN MASCHERA, G. VERDI – INAUGURAZIONE STAGIONE LIRICA DEL TEATRO COMUNALE DI BOLOGNA, DOMENICA 11 GENNAIO 2015






Con Un ballo in maschera di Giuseppe Verdi si è aperta anche la stagione lirica al Teatro Comunale di Bologna, nell’allestimento che vi abbiamo raccontato nel 2013 dal Teatro alla Scala di Milano e che abbiamo rivisto volentieri, sia perché complessivamente lo si può considerare uno spettacolo godibile, sia perché dal punto di vista musicale abbiamo avuto il piacere di assistere a cosiddetti ‘bei numeri’.

L’idea registica di Damiano Michieletto, che con Paolo Fantin (scene)e Carla Teti (costumi) costituiscono ormai un’ inconfondibile macchina creativa, prevede una scena ‘inscatolata’ come è spesso d’uso attualmente, nella quale con elaborati cambi di scena si alternano man mano lo studio di Riccardo, una specie di sala conferenze, la sgargiante scritta al neon che sovrasta tutti nella festa finale, e così via. Come dicevamo due anni fa, la storia viene trasportata verso qualche decennio fa, ove si assiste alle tipiche e concitate fasi che animano le campagne elettorali dei presidenti americani, circondati da assistenti tuttofare, qui capeggiati da Oscar versione segretaria in carriera, col fidato Renato che è diventato il bodyguard del protagonista, ed il ballo in questione è la festa che si svolge al termine della campagna. Ma i personaggi sono coerenti alle intenzioni del libretto, l’amore tra Riccardo ed Amelia è lo stesso, come pari è l’ira di Renato e dei congiurati nei confronti del protagonista, visto a un certo punto come un uomo che arriva al potere senza troppi scrupoli e di cui vendicarsi. Il tutto è condito, come avevamo sottolineato allora, da immagini non nuovissime di prostitute che si aggirano per le vie notturne della città, sagome propagandistiche di Riccardo, dietro alle quali si nascondono gli invitati al party che quindi diventano anonimi burattini in balia del politico di turno; e non poteva mancare in tutto ciò anche la Ulrica versione imbonitrice, che oltre a predire il futuro è in grado anche di guarire gli invalidi. Come dicemmo allora, lo spettacolo si vede con piacere, pur non aggiungendo nulla di particolarmente innovativo a tante rappresentazioni viste in passato. 

Dal punto di vista musicale registriamo ancora una volta lo stato di grazia del tenore Gregory Kunde, che continua ad inanellare successi dopo successi con grandissimo consenso di pubblico. E’ una forza notevole in campo, si muove come un leone che riesce a contenere il suo ruggito dosandolo con proprietà ed intelligenza; il fraseggio è preciso, la voce dal timbro pieno, vigoroso, che trova nelle note acute la sua piena realizzazione, sempre perfettamente nel ruolo dell’uomo di potere, ma pur sempre umano, con le sue ingenuità ed imprudenze.

Debutta  Maria Josè Siri nel ruolo di Amelia. Il soprano mette molto della sua grazia e personalità nel personaggio, tratteggiando una donna lacerata tra la passione amorosa, il rispetto per se stessa e la fedeltà, mantenendo così un contegno non per questo mieloso, ma di rigore ed eleganza, sostenuto da un canto intenso, armonioso su tutta la gamma, che trova la sua somma espressione nella supplica ‘Morrò, ma prima in grazia’: un sussurro di amore e pietà.

Dissensi per la prova di Elena Manistina nei panni di Ulrica.  Nel grave sembra scomparire, mentre appare più a suo agio nel registro medio – acuto, dando la sensazione di una tessitura adatta a ruoli di altro genere; ne risente anche il personaggio che quindi deve essere caricato più del dovuto per risultare credibile. Speriamo di risentirla in altre occasioni.

Altro felino in scena Luca Salsi intesse un Renato molto dinamico, di carattere, che si avvale dello strumento che possiede per sottolineare ogni sfumatura del personaggio, offrendo così corrispondenza appropriata tra canto ed azione,  forte del suo timbro scuro e rotondo.

Per l’Oscar donna che alterna abitini femminili all’austero completo da lavoro registriamo soprattutto la buona prova attoriale di Beatriz Diaz, che forse ha una voce leggermente robusta per il ruolo interpretato, ma è certo gradevole all’ascolto.

Completano il cast nei ruoli dei congiurati Samuel e Tom, i discreti Fabrizio Beggi e Simon Lim, Paolo Orecchia e Bruno Lazzaretti come Silvano e Giudice, e .Luca Visani come servo di Amelia.

Ottima la prova del coro guidato da Andrea Faidutti e delle voci bianche di Alhambra Superchi.

Il direttore musicale  Michele Mariotti sceglie per questo ‘Ballo’ una conduzione molto dinamica, che scava nella partitura per trovarne giusti slanci e pulsioni. Sembra gustare ogni momento nella direzione, accompagnando spesso col labiale anche gli interpreti, avvolgendo e sostenendo le note, alternando ritmi serrati con altrettanti momenti di puro lirismo, sempre nel rispetto dell’azione narrata. L’orchestra lo segue come un faro ed il suono diventa caleidoscopico.

Applausi interminabili hanno accolto la chiusura dello spettacolo, con ovazioni, batti mani e piedi per Kunde, Siri e Salsi, nonché per il Maestro Mariotti; qualche contestazione alla rappresentanza della messa in scena, con Michieletto assente per improcrastinabili impegni all’estero. La serata è stata dedicata alle vittime degli atti terroristici avvenuti nei giorni scorsi a Parigi, inoltre una pioggia di volantini gialli auspicanti una maggiore oculatezza nella gestione amministrativa del teatro è piovuta dalle gallerie. Una serata ricca di emozioni dunque, in tutti i sensi.

Maria Teresa Giovagnoli  


LAPRODUZIONE

Direttore
Michele Mariotti
Regia
Damiano Michieletto
Assistente alla regia
Roberto Pizzuto
Scene
Paolo Fantin
Costumi
Carla Teti
Luci
Alessandro Carletti
Assistente alle scene
Daniele Pietrobon
Assistente ai costumi
Agnese Bertani
Maestro del Coro
Andrea Faidutti
Maestro del Coro Voci Bianche
Alhambra Superchi

GLI INTERPRETI

Riccardo
Gregory Kunde 
Renato
Luca Salsi 
Amelia
Maria Josè Siri 
Ulrica

Elena Manistina 
Oscar
Beatriz Diaz
Silvano
Paolo Orecchia
Samuel
Fabrizio Beggi
Tom
Simon Lim
Un giudice
Un servo di Amelia
Bruno Lazzaretti
Luca Visani


Allestimento in collaborazione con Teatro alla Scala Milano 
Orchestra, Coro e Tecnici del Teatro Comunale di Bologna






 Foto Rocco Casaluci

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CONCERTO DI CAPODANNO AL TEATRO LA FENICE DI VENEZIA – 30/31 dicembre 2014, 1 gennaio 2015




Con un Concerto di Capodanno dal ricco programma si chiude e si apre l’anno solare alla Fenice di Venezia, caratterizzato come di consueto da una prima parte riservata al pubblico in sala ed una seconda parte estesa al pubblico televisivo, che si conclude con il coro del Nabucco ed il brindisi della Traviata di Giuseppe Verdi. Protagonisti di questa edizione il giovane Maestro inglese Daniel Harding alla testa dell’Orchestra della Fenice, gradito ritorno dopo il concerto del 2010/11, il soprano Maria Agresta, di recente applaudita in Simon Boccanegra proprio su questo palcoscenico, e l’atteso tenore Matthew Polenzani.

La prima sezione è dedicata a Beethoven con una ouverture che celebra guarda caso proprio il teatro, Die Weihe des Hauses  (la consacrazione della casa, qui intesa come teatro), ove viene sottolineata proprio la quasi sacralità dell’avvenimento per cui fu eseguita in primis nel 1822, ossia la riapertura dello Joseph-stadt Theater di Vienna. Ed è soprattutto questo carattere di ‘solennità’ profana che affiora dall’esecuzione dell’orchestra per questo lavoro, già nelle prime battute e persistente per tutto il pezzo. La Sinfonia n.8 in fa maggiore, precedente di circa dieci anni, è considerata da molti come un ritorno al settecento di cui piuttosto ne è un elaborato sviluppo se non addirittura una parodia, per la giocosità dei temi, la leggerezza che se ne esala e la sua irresistibile ballabilità. Il Maestro Harding guida le varie sezioni con morbidezza e gesto delicato, da cui deriva un suono raffinato e ricco. In questo caso è parso però che la partitura potesse essere ulteriormente ‘masticata’ per coglierne a pieno carattere e dinamicità.

Con Rossini e la sinfonia deLa gazza ladra si cambia decisamente registro: dopo l’introduzione aperta dai tamburi dal tono piuttosto imperioso, quasi una sottolineatura delle singole note ad  esaltarne la componente maestosa, si passa ad un tocco di leggerezza ed un impeto  brioso  che arricchiscono l’impasto di insieme fino allo sfociare nel crescendo finale. L’orchestra trova nuova linfa e sembra decollare nelle mani del direttore.

Breve intermezzo potremmo definire ‘D’immenso giubilo’ eseguito dal coro feniciano,  tratto da un momento di apparente felicità in un’opera marcatamente fosca e drammatica quale Lucia di Lammermoor, che sancisce il passaggio verso la parte cantata dagli interpreti solisti.

Con Puccini e la conclusione del primo atto de ‘La bohème’ si entra nel vivo del concerto. Matthew Polenzani esordisce con ‘Che gelida manina’: la sua è una voce salda e sa imprimere degna espressività al canto.  Maria Agresta dà il meglio di sé con il classico ‘Mi chiamano Mimì’: il suo strumento si fa morbido, il fraseggio impeccabile e l’interpretazione sentita fin quasi alle lacrime. Il duetto ‘O soave fanciulla’ chiude il momento idilliaco con il consueto sparire della coppia tra le quinte. Ed è qui in particolare che l’orchestra si è resa protagonista ed al tempo stesso perfetta cornice per i solisti, creando sonorità vellutate e offrendo colori molteplici, sottolineando pause, dosando con intelligenza i crescendo, come se il respiro dei cantanti fosse all’unisono con il direttore.

Per la sezione dedicata a Verdi, quasi un divertissement per il soprano Agresta la sua ‘Sempre libera’ da La Traviata, per l’occasione dal ritmo particolarmente serrato, come a sottolineare il vortice di pensieri che affollano la mente della giovane festaiola.
Polenzani imprime invece gravità e sentimento alla sua ‘Quando le sere, al placido’ dalla Luisa Miller.

Momenti di deliziosa esaltazione orchestrale con il  Boogie-woogie di Nino Rota da Napoli Milionaria, un omaggio ad Eduardo De Filippo, ed il Can-can della Danza delle ore dalla Gioconda di Ponchielli. Il suono si fa scintillante e carico di vitalità, l’orchestra è coinvolgente.

E balzando da un’epoca e l’altra non potevano mancare i due ‘mast’ del concerto, come detto ‘Va pensiero’, cui va reso merito a coro ed orchestra per la particolare leggerezza con cui è stato eseguito, ed il brindisi della Traviata con i solisti, bissato a furor di una platea parecchio festosa e soddisfatta.

Maria Teresa Giovagnoli



PROGRAMMA

Ludwig van Beethoven
Die Weihe des Hauses 
Ouverture, op. 124

Sinfonia n.8 in fa maggiore op. 93

****************************

Gioachino Rossini
La gazza ladra: Sinfonia

Gaetano Donizetti
Lucia di Lammermoor: «D’immenso giubilo»

Giacomo Puccini
La Bohème: «Che gelida manina» - «Mi chiamano Mimì» - «O soave fanciulla»

Nino Rota
Napoli Milionaria: Boogie-woogie

Amilcare Ponchielli 
La Gioconda: Can-can dalla Danza delle ore

Giuseppe Verdi
Luisa Miller: «Quando le sere, al placido»
La traviata: «Sempre libera degg’io»
Nabucco: «Va’ pensiero sull’ali dorate»
La traviata: «Libiam ne’ lieti calici»  


direttore          Daniel Harding

soprano           Maria Agresta
tenore              Matthew Polenzani

Orchestra e Coro del Teatro La Fenice



Maestro del Coro Claudio Marino Moretti









FOTO MICHELE CROSERA

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METROPOLITAN OPERA THEATRE HANSEL AND GRETEL E. Humperdinck traduzione inglese del libretto originario di A. Wette a cura di David Poutney, martedì 30 dicembre 2014




" When past bearing is our grief,
Then 'tis Heaven will send relief ! "

Appuntamento tradizionale delle festività natalizie assieme al balletto The Nutcracker, Hansel And Gretel è approdato al Metropolitan nel nuovo allestimento di Richard Jones proveniente dalla Welsh National Opera e Lyric Opera of Chicago, andando a sostituire la vetusta messinscena del 1967 data per piu di 200 rappresentazioni nel corso degli anni con protagonisti del calibro di Teresa Stratas,   Judith Blegen, Tatyana Troyanos,  Federica Von Stade solo per citarne alcuni tra i più gloriosi.
Il capolavoro musicale di Humperdinck è un lavoro di un compositore vissuto sempre all'ombra creativa di Richard Wagner.


Ma si direbbe che il wagnerismo qui rappresenti un limite negativo, per quel tanto di carico e di pesante che turba non poco la fiabesca ingenuità della storia, si pensi ad esempio al massiccio accompagnamento musicale nella scena della rottura della brocca di latte al primo atto o ancora di più alla cavalcata delle streghe che apre il secondo atto, imitazione spettacolare della più famosa Cavalcata delle Walkirie.
La personalità di Humperdinck si rivela infatti più genuina, proprio la dove il debito verso Wagner è sconnesso dalla diversità del suo atteggiamento spirituale verso il problema dell'opera, rivelando un insieme di piccoli Lieder di origine popolare che entrano in funzione di caratterizzazione delle singole scene, ma lontani anni luce dalla complessa tecnica del ricorso tematico utilizzata da Wagner.
La regia pensata da Richard Jones, coadiuvato per le scene e i costumi da John Macfarlane e per le luci da Jennifer Tripton, si inserisce nel solco di quelle messinscene innovative ma non disturbative.
Trasportando la messinscena in un passato molto recente dalla nostra epoca, presumibilmente gli anni del secondo dopoguerra, la casa del creatore di scope originaria del primo atto si trasforma in una claustrofobica stanzetta di una casa del Midwest americano realizzata riducendo l'enorme boccascena del teatro neworkese di due terzi. Il bosco del secondo atto è ambientato in una casa diroccata abitata da creature fantastiche, uomini albero, cuochi obesi che soddisfano la cronica mancanza di cibo dei due fratelli coadiuvati da un camerieresalmone e dove il buono Sandman è un mostro vecchio e rugoso e la Fata della rugiada una lavapiatti che pulisce tutto. La casa della strega del terzo atto assomiglia più ad un laboratorio mostruoso di un serial killer piuttosto che alla candida casetta di marzapane.
I due fratelli si comportano come due discoli della loro epoca, accennano  passi di Boogie Woogie nella scena della danza del primo atto, si tirano i capelli e si azzuffano clamorosamente, rompendo la brocca del latte, unico sostentamento della povera famiglia, mandando su tutte le furie una madre psicologicamente fragilissima che non vede altra via di fuga alla loro misera condizione se non quella di suicidarsi ingerendo un flacone intero di pillole.
Proposito fallito miracolosamente dall'arrivo del padre, vestito con una salopette da meccanico, che portando una sacca piena di viveri, trasforma la madre in una bulimica macchina ingerente, la quale puntualmente vomiterà il tutto nel momento in cui il padre accenna ai pericoli che corrono i due figli lasciati soli nel bosco.
Insomma una messinscena originale ma non clamorosamente innovativa, tutta giocata sulla ricerca della perfezione del particolare e su una maniacale cura nei movimenti scenici piuttosto che su una gratuita e scontata dissacralità tanto di moda ultimamente.
Il cast scelto dal Met si piega alla perfezione metronomica indicata dal regista, non risparmiandosi un momento.
I due fratelli Hansel ( una vocalmente perfetta Christine Rice dalla maschia voce contraltile e dai fiati lunghissimi) e Gretel (la chiarissima voce di  Aleksandra Kurzak è dotata di un carico vocale di tutto rispetto ma perennemente imprecisa nel settore acuto della sua parte) sudano parecchio nel danzare, azzuffarsi, lottare, preparare dolci nella casa della strega.
Il padre Peter ( un vocalmente debole Dwayne Croft) e la madre Gertrude ( una scenicamente bravissima e vocalmente perfetta Michaela Martens) creano la perfetta coppia scoppiata americana tutta sorrisi di fronte e pugnalate alle spalle.
La ricorrente scelta infelice di far interpretare la strega Marzapane ad una voce maschile, dimostra tutti i limiti del caso non solo antropologici (una strega uomo crea confusione...) ma soprattutto vocali, essendo la parte scritta da Humperdinck per voce femminile.
Robert Brubaker cavalca i salti di ottava, i trilli e tutte le girandole vocali scritte da Humperdinck per un mezzosoprano con baldanzosa precisione ma evidente affanno, risultando più convincente scenicamente che vocalmente.
Molto bene nelle loro brevi ma bellissime parti Carolyn Sproule nel ruolo del Nano Sabbiolino e Ying Fang in quella della Fata Rugiada.

Sul podio Sir Andrew Nelson, trova i momenti più felici nella prima parte dello spettacolo e in generale nei momenti in cui dominano la componente patetica e la invenzione melodica, mentre le scene del terzo atto che vedono coinvolta la strega avrebbero richiesto una più precisa incisività, verve e precisione da parte di quell'ottimo concertatore quale Nelson è.
Bravissimo il coro di voci bianche del Metropolitan diretto da Anthony Piccolo.
Successo calorosissimo per tutti da parte di un teatro strapieno di bambini di tutte le età, letteralmente stregati dalla musica di Humperdinck e dalla messinscena di Macfarlane.

Pierluigi Guadagni

LA PRODUZIONE
Direttore d’orchestra             Sir Andrew Davis
Regia                                       Richard Jones
Set & Costume Designer        John Macfarlane
Luci                                          Jennifer Tipton
Coreografia                             Linda Dobell
Traduzione                               David Pountney

GLI INTERPRETI

Gretel                                      Aleksandra Kurzak
Hansel                                    Christine Rice
Gertrude                                Michaela Martens
Strega                                     Robert Brubaker
Peter                                       Dwayne Croft

ORCHESTRA  E CORO METROPOLITAN HOUSE DI NEW YORK







FOTO  METROPOLITAN OPERA HOUSE

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RIVALS. I RIVALI DI FARINELLI, CONCERTO DI DAVID HANSEN CON ACADEMIA MONTIS REGALIS – TEATRO VERDI DI PORDENONE, giovedì 18 dicembre 2014


Capita a volte di trascorrere serate particolarmente suggestive grazie all’intelligenza ed all’acume artistico di chi le organizza. Questa volta dobbiamo ringraziare il Teatro Giuseppe Verdi di Pordenone, che a pochi giorni dall’inizio delle festività natalizie ha offerto una serata diversa da ciò che ci si aspetterebbe comunemente in questo periodo. Con un ospite di fama internazionale, il grande controtenore David Hansen, in un concerto dedicato all’epoca del famoso Carlo Maria Michelangelo Nicola Broschi, alias Farinelli, ed i suoi contemporanei, e grazie all’accompagnamento del meraviglioso ensemble Academia Montis Regalis, abbiamo potuto ascoltare una selezione delle arie più celebri del repertorio operistico barocco, alternate all’esecuzione di quattro concerti di Antonio Vivaldi, per un susseguirsi di emozioni sempre crescenti. 

Lo splendido suono degli strumenti d’epoca e soprattutto la perizia tecnica degli esecutori hanno reso possibile riascoltare un repertorio fin troppo spesso trascurato dai grandi enti musicali e che invece a nostro avviso sarebbe capace di infiammare le platee esattamente come faceva tra seicento e settecento.

Se il Concerto in sol maggiore RV 151 "Alla rustica" per archi e continuodi Vivaldi, con i suoi nemmeno cinque minuti di durata complessiva, ha costituito una specie di intro perfettamente studiato per trasportarci alle suggestioni della serata, è stato subito una sferzata di energia il Concerto in do maggiore RV 443 per flautino archi e continuo, ove il suono del piccolo strumento ipnotizza quasi l’ascoltatore, tale è la difficoltà esecutiva del pezzo, capace di evocare immagini fiabesche di tempi arcaici, passando dall’Allegro al Largo, per poi sfociare in uno sfavillante e mozzafiato Allegro molto.  Così si sono susseguiti anche il Concerto in sol maggiore RV 149 per archi e continuo ed il Concerto in do minore RV 401 per violoncello, archi e continuo, sempre eseguiti con la stessa perfezione e gran classe, grazie alla direzione sicura e fortemente ispirata del direttore principale, il Maestro  Alessandro De Marchi. Il suono è limpido, precisi sono gli attacchi, pulite risultano le sonorità che danno così vita a ricchezza espressiva ed armonia generale.

Quasi un biglietto da visita coi fiocchi l’aria con cui entra in scena Hansen, ‘Se in fiorito…’ dal Giulio Cesare di Georg Friedrich Händel, ove l’interprete mostra immediatamente quanto sa e soprattutto può giocare con la sua voce straordinariamente duttile, capace di scavare nel registro profondamente grave per poi saltare alle note sopra il rigo, emesse come punte di diamante sfiorate dalle sue corde, che scagliano saette ora di morbido velluto, ora di pura seta. L’interprete fa suo il palcoscenico, dialoga con il violino, intona un fischiettio, è dunque altresì un consumato attore.  
Languida ed intensa è invece ‘In te, sposa Griselda... Cara sposa’ dalla Griselda di Antonio Maria Bononcini, ove maggiore è il lirismo e l’interpretazione diventa più sentita ed accorata, soprattutto se proveniente dal registro più grave, cosa evidente anche nella bellissima e lunghissima ‘Taci, o di morte’da Il Medo di Leonardo Vinci, mentre in ‘Sento due fiamme in petto’ dalla stessa opera  i suoni più acuti si fanno morbidi ed elegiaci. Con ‘Risveglia lo sdegno’ dall’Alessandro, Hansen ritorna a cavalcare tra i due registri con scale ascendenti e discendenti superate in scioltezza e con il solito brio, così come nel finale dall’Ariodante di  Händel , ‘Dopo notte’.

Ripetute ed acclamate chiamate alla ribalta, premiate dal bis dell’aria dal Giulio Cesare, con tanto di aggiunta natalizia sulle variazioni intonando ‘We wish you a merry Christmas’ e ‘Stille Nacht’, con secondo bis di ‘Sento due fiamme..’.
Splendida serata, successo meritatissimo per tutti.

Maria Teresa Giovagnoli


ACADEMIA MONTIS REGALIS

Direttore Alessandro De Marchi                            
Controtenore David Hansen



                                Foto Tonje Thilesen

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CONCERTO DEGLI AUGURI DI NATALE DI VERONA LIRICA – TEATRO FILARMONICO DI VERONA, domenica 14 dicembre 2014



Come ogni anno nel periodo natalizio l’Associazione Verona Lirica affianca al piacere della buona musica l’attenzione per il sociale, dedicando il concerto degli auguri ad un ente benefico. Questa volta la somma raccolta tra il pubblico sarà devoluta alla AOI Onlus, Associazione Oncologica Italiana Mutilati della Voce.

Proprio come nel dicembre dell’anno scorso, ad accompagnare le performance dei quattro artisti presenti, non solo la straordinaria Patrizia Quarta al piano, ormai una indiscussa certezza per l’Associazione lirica, ma anche il Quartetto d’archi dell’Arena di Veronacomposto da Gunther Sanin e Vincenzo Quaranta al violino, Luca Pozza alla viola e Sara Airoldi al violoncello. Sono tornati ad esibirsi ieri per Verona Lirica anche tre dei protagonisti del concerto: il soprano Hui He, protagonista di un evento che l’ha vista ricevere un importante riconoscimento alla carriera ad inizio anno 2013, cui era presente pure il secondo ritorno, il basso Seung Pil Choi, ed il mezzosoprano Elena Gabouri, anch’essa tra i protagonisti del concerto natalizio dello stesso anno. New entry il tenore George Oniani.

Tra i momenti più emozionanti del pomeriggio musicale citiamo l’esecuzione dello splendido duetto da La Gioconda di Ponchielli ‘E’ un anatema’, con  Hui He ed Elena Gabouri che hanno infiammato il palcoscenico con l’energia ed il calore delle loro voci; inoltre la terzina di arie dal Don Carlo di Verdi: l’appassionata e triste aria di Filippo II ‘Ella giammai m’amò’con un Seung Pil Choi molto coinvolto, la struggente ‘Tu che le vanità’eseguita da Hui He che, coadiuvata anche dal Quartetto d’archi, in questa particolare aria è stata capace di offrire sfumature e colori carichi di gran pathos, ed infine la divertente canzone della Principessa Eboli ‘Nel giardino del bello Saracin’, cantata con spensieratezza e giocando sulle agilità.
Inoltre ha ottenuto grande consenso il tenore George Oniani sia con l'altra amatissima aria da La Gioconda: ‘Cielo e mar!’, che con la meravigliosa ‘Un di’ all’azzurro spazio’ dall’ Andrea Chénier di Giordano.

Altri momenti da ricordare sono stati la Fantasia di Antonio Melchiori tratta dal Trovatore di Verdi ad opera del Quartetto, che con l’inserimento del piano di Patrizia Quarta ed Elena Gabouri hanno offerto una energica‘Stride la vampa’; inoltre il mezzosoprano ha interpretato la Principessa di Bouillon con ‘Acerba voluttà’ da Adriana Lecouvreur di Cilea e la difficile aria da La Pulzella d'Orléans (Orleanskaja Deva) di Čajkovskij ‘Addio mia foresta’.

Doppio duetto del soprano Hui He con il tenore George Oniani: il lungo finale del primo atto di Madama Butterfly e lo struggente ‘Tu, tu, amore?’ tratto da Manon Lescaut di Puccini. Il soprano ha emozionato inoltre con la dolce ‘Ebben ne andrò lontana’ da La Wally di Catalani. Infine ricordiamo che il basso Seung Pil Choi ha cantato anche dal Simon Boccanegra di Verdi ‘ Il Lacerato spirito’.

A condurre come di consueto Davide Da Como. 
Grandi applausi calorosi per gli interpreti e gli strumentisti. Con le targhe ricordo per tutti i protagonisti e gli auguri del team direttivo, l’appuntamento è fissato per il mese prossimo con la musica di Verona Lirica.

Maria Teresa Giovagnoli




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LUCIA DI LAMMERMOOR, G. DONIZETTI - TEATRO FILARMONICO DI VERONA, sabato 13 dicembre 2014.






Con un bel successo di pubblico si alza il sipario anche sulla stagione lirica del Filarmonico di Verona per una produzione di Lucia di Lammermoor che arriva dal Teatro Bellini di Catania. 

Il regista Guglielmo Ferroricopre lo spettacolo di una estrema vena lugubre, ove lo spettro della morte aleggia sui protagonisti sin dalle prime scene: il buio regna sovrano, i costumi di Françoise Raybaudsono principalmente neri, come nero è l’abito che indossa Lucia per le nozze; neri sono i fondali, ove si proiettano le immagini di Massimiliano Pace, che alternano scorci naturalistici ad elementi architettonici; scure sono le luci curate da Bruno Ciullie ridotti al minimo sono gli elementi scenici ideati da Stefano Pace. Seguendo dunque questa atmosfera generale quasi dimessa ed estremamente intimistica, i personaggi in scena sono lasciati molto liberi di interpretare e conseguentemente di agire.

La compagnia di canto ha registrato un vero e proprio trionfo per la coppia Lungu/Pretti impegnati nei ruoli principali.
Nel ruolo del titolo debutta Irina Lunguche conferma di avere una voce dalla pasta morbida, ben sostenuta dal fiato e dall’ottimo volume. La sua vocalità risulta vincente nei passaggi prettamente lirici, meno spontanee le impervie agilità, così come dal punto di vista interpretativo potrebbe sfruttare maggiormente la libertà lasciata dal regista. Ha comunque dato tanto di se stessa al personaggio, sì da raccogliere applausi prolungati ed entusiastici per la attesissima scena della pazzia.

Edgardo è un ispiratissimo Piero Pretti. Il suo canto di cuore ed energia è sostenuto da una bella voce molto aperta che si lancia sicura in acuto e proiettata in avanti. Si cala nel personaggio con consapevolezza e sentimento, raggiungendo il culmine in ‘Tombe degli avi miei’ con una scena finale che suggella una performance di successo.

Molto interessante il timbro di  Marco Di Felice; il baritono è un Enrico assai espressivo che utilizza al meglio la libertà lasciata dalla regia risolvendo anche vocalmente il ruolo con sicurezza ed offrendo un buon fraseggio.   
Sufficiente ci è parso il Raimondo di Sim Insung, mentre a completare il cast sono l’Arturo di Alessandro Scotto di Luzio, la buona Alisa di Elisa Balbo ed il Normanno di Francesco Pittari.
Ottima la prova del coro, posto quasi sempre in formazione a schiera, preparato dal Maestro  Salvo Sgrò.  

Infine l’orchestra ha visto impegnato alla guida il Maestro Fabrizio Maria Carminati, che ha offerto una conduzione attenta e dinamica della partitura. Il suono è bilanciato tra le sezioni, si arricchisce di sfumature morbide nell’accompagnare i momenti lirici, così come coglie il pathos nel dramma, ponendosi al servizio degli interpreti e soprattutto della partitura. Piccola pausa per lo spezzarsi della corda dell’arpa in procinto di suonare l' assolo che introduce Lucia, prontamente sostituita tra gli applausi del pubblico.

Come detto grande successo per tutti gli interpreti, in special modo per i protagonisti principali ed anche il direttore Carminati.

Maria Teresa Giovagnoli


LA PRODUZIONE

Direttore
Fabrizio Maria Carminati
Regia
Guglielmo Ferro
Scene
Stefano Pace
Costumi
Françoise Raybaud
Video maker
Massimiliano Pace
Luci
Bruno Ciulli
Direttore del coro                     Salvo Sgrò

GLI INTERPRETI

Enrico
Marco Di Felice
Lucia
Irina Lungu
Edgardo
Piero Pretti
Arturo
Alessandro Scotto di Luzio
Raimondo
Sim Insung
Alisa
Elisa Balbo
Normanno
Francesco Pittari

                          
ORCHESTRA, CORO E TECNICI DELL’ARENA DI VERONA


Allestimento del Teatro Massimo Bellini di Catania 










Foto Ennevi per gentile concessione della Fondazione Arena di Verona

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LA TRAVIATA, G. VERDI – GRAN TEATRO LA FENICE DI VENEZIA, domenica 7 dicembre 2014




Cento recite e dieci anni dalla prima rappresentazione della Traviata targata  Robert Carsen sono un traguardo che la Fenice di Venezia ha voluto festeggiare con la doppia inaugurazione di stagione d’opera, dopo il fortunatissimo Simon Boccanegra, con relativo taglio di torta  il giorno della prima.
Siamo stati all’ultima replica e nonostante gli anni passino questo allestimento appare sempre  fresco ed attuale, sì da ottenere ogni volta un intramontabile successo di pubblico.

Il regista non nasconde, anzi sottolinea più volte il ‘mestiere’ della protagonista, ora con uomini che le ronzano intorno porgendole denaro, ora rendendo il denaro stesso protagonista in scena con banconote che volteggiano nell’aria. Vita effimera quella di Violetta, caduca come le foglie degli alberi che invadono il suolo nel secondo atto, e come le stesse banconote, che rendono felici solo per un momento, ma non sono in grado di curare il male profondo che inesorabile tronca la vita della bella parigina. Naturalmente la scenografia di Patrick Kinmonth , che firma anche i bellissimi e sgargianti costumi, si rende al servizio del regista, alternando ambienti ricchi e colorati con altri essenziali che sottolineano l’alternanza delle fortune dei protagonisti ed anche dei loro stati d’animo. La stanza cadente e spoglia dell’ultimo atto testimonia quanto ormai il vuoto circondi la sventurata sia materialmente che interiormente, senza più la speranza di ‘un avvenire migliore’.
Tra i must di questo allestimento vi sono i balletti in stile cowboy sexy per la festa di Flora, che possono non piacere a tutti, ma noi troviamo sempre divertenti e soprattutto in linea con quanto Carsen vuole rappresentare: l’alternanza appunto di gioia e follie, col dolore che immediatamente segue.
Un allestimento così denso necessita di un cast di grandi capacità attoriali che completino la preparazione musicale. Luci ed ombre sull’edizione di quest’anno.

Francesca Dotto è stata una Violetta di sensibilità particolare. Il giovanissimo soprano ha una linea di canto uniforme e una voce dal colore gradevolissimo che  siamo sicuri le porteranno questo ruolo sempre più in gola ed anche nel cuore, sì da offrirne ancor più le complesse sfaccettature. Già nella scena della lettera di Germont la sua voce è parsa ‘sentire’ e soffrire come Violetta. Per lei un vero trionfo a fine rappresentazione.

Non colpisce particolarmente l’Alfredo di Leonardo Cortellazzi che precedentemente si è fatto apprezzare in altro repertorio. In questo ruolo sembra soffrire i volumi dell’orchestra e non ci è parso entrare completamente nel personaggio.
Discreta la prova di papà Germont, alias Marco Caria, baritono dalla voce piuttosto ampia e dal ricco colore.

Tra i ruoli di contorno Elisabetta Martorana è stata una Flora di spirito, Annina era Sabrina Vianello, Francesco Milanese il premuroso e compassato Dr Grenvil, Matteo Ferrara, Armando Gabba e Massimiliano Chiarolla erano rispettivamente il Marchese d’Obigny, il Barone Douphol e Gastone.

Come sempre ottima la prova del coro affidato a Claudio Marino Moretti e fantastico il corpo di ballo.

Alla testa dell’orchestra veneziana c’era il direttore principale Diego Matheuz. Conoscendo il talento del Maestro sudamericano ed avendolo già sentito in altre occasioni, ci aspettavamo, dopo diverse edizioni, una maturazione ed un approfondimento nella gestione di una tale colosso musicale. Purtroppo la sensazione di insieme è quella di un appiattimento dei colori e soprattutto delle dinamiche, che non collimavano con gli eventi in scena e talvolta apparivano generare un difficile dialogo con gli interpreti.

Sala gremita anche per questa serata e pubblico plaudente per tutti, soprattutto per i tre protagonisti principali. 

Maria Teresa Giovagnoli

LA PRODUZIONE

Direttore        Diego Matheuz 
Regia              Robert Carsen 
Scene e
Costumi         Patrick Kinmonth 
Maestro
del Coro         Claudio Marino Moretti
                                              


GLI INTERPRETI

Violetta          Francesca Dotto 
Alfredo          Leonardo Cortellazzi 
Germont        Marco Caria
Flora              Elisabetta Martorana
Annina           Sabrina Vianello
Gastone         Massimiliano Chiarolla
Barone           Armando Gabba
Douphol        
Marchese      Matteo Ferrara
d’Obigny       
Dottor            Francesco Milanese
Grenvil          


Orchestra e Coro del Teatro La Fenice

Allestimento Fondazione Teatro La Fenice



Foto Michele Crosera 

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LADY MACBETH DEL DISTRETTO DI MCENSK, DMITRIJ DMITRIEVIČ ŠOSTAKOVIČ - TEATRO COMUNALE DI BOLOGNA, giovedì 4 dicembre 2014






Chiusura della stagione operistica 2014 al Teatro Comunale di Bologna con un titolo tanto raro quanto a nostro avviso straordinario e da apprezzare in tutte le sue sfaccettature.  L'opera ‘Lady Macbeth’ di Šostakovič viene proposta nel brillante allestimento del teatro moscovita Helikon, con uno spettacolo veramente ricco, avvincente, dal ritmo serrato, che va goduto tutto d’un fiato e pieno di colpi di scena e trovate interessanti, tali da esemplificare il libretto ed incorniciare la trama senza prevaricarla. Qui tutto è visibile, palpabile, non simbolico, ma portato davanti ai nostri occhi come uno schiaffo che ci rende consapevoli.
Così Dmitry Bertman concepisce una ambientazione, concretizzata dalle scene di Igor' Neznyj,  in cui  l’annoiata Katerina è letteralmente imprigionata nella sua gabbia/camera da letto, di cui solo il ruspante Sergej riesce a forzare i lucchetti e la casa stessa non è altro che il buio e soffocante sotterraneo di una fabbrica con i suoi tubi, le inferriate e gli aeratori che vanno a tutta forza. Il regista ci mostra i protagonisti sovrastati dagli eventi che non lasciano tregua: il doppio omicidio, la festa di nozze, l’arresto e la deportazione verso la Siberia ed ancora il doppio omicidio/suicidio nel finale. 


Katerina è esageratamente annoiata e desiderosa fino all’inverosimile di riempire il vuoto che ha nel cuore, tanto da risultare quasi insaziabile: vuole vivere liberamente, vorrebbe non aver sposato il mercante, vuole l’amore fisico e sentimentale e vorrebbe anche un figlio, tanto che a questi penserà, evocandolo (tenendo in braccio un bambolotto),  sulla via per la Siberia, sola e senza più l’amore di Sergej.  Il mercante Zinovij sembra un povero sciocco succube del padre, uomo a sua volta estremamente burbero e fiero carceriere, nonché egli stesso aspirante seduttore, della protagonista. Incredibilmente sicuro di sé  è il servo Sergej, a cui pare nessuna possa resistere. Ed anche la folta schiera di personaggi minori sfila in scena esaltando e quasi ridicolizzando il suo ruolo: su tutti citiamo il pope dall’aria più ubriaca che mistica, la cuoca vessata dai servitori più compiaciuta che ferita, il contadino così ubriaco da ‘inforcare’ un microfono per allietare la festa di nozze dei due amanti con la sua filastrocca. Tra gli spunti vincenti dello spettacolo su tutti vi è l’ingresso della deportata Sonetka, che appare in scena come immagine della Katerina ancora ricca ed oziosa nei suoi lussuosi abiti, mentre essa è ormai delirante ed in preda ai ricordi, che però non muore suicida in fondo al lago nel trascinar la rivale, bensì scompare ai nostri occhi intenta a lottare con lei al calare del sipario.

Insomma questa Lady Makbeth fa riflettere, emozionare e stupire.
Il cast è stato vestito con gusto dagli abiti contemporanei di Tat'jana Tulub'eva, ove spicca naturalmente il rosso della protagonista all'inizio e del suo alter-ego/rivale per sottolinearne la nota sensualità.
Dal punto di vista musicale, un cast tutto sovietico ha nobilitato ogni singolo ruolo cantando in modo eccellente.

La Katerina di Elena Mikhailenkoè brillante e si fregia di una voce piena e squillante al punto giusto. Il suo registro è coperto con uniformità in tutta la gamma, sì da consentirle di donare forza e  carattere anche al personaggio rendendolo esattamente come il regista lo ha concepito. Ovazioni più che meritate al suo indirizzo al termine della rappresentazione.

Straordinario il vecchio e turpe Boris di Alexey Tikhomirov: bello e tenebroso il suo timbro vocale come lo è il suo personaggio. Tra il nostalgico dei tempi che furono e la voglia di aggrapparvisi usando la forza ed il potere, centra un performance di alto livello, comparendo anche nel piccolo ruolo di sentinella.

Giustamente imbelle e succube del genitore Dmitry Ponomarev sicuro nell’emissione e nel recitato.
Il bel Sergej è Ilya Govzich: spocchioso, furbo ed incantatore, molto abile come interprete che sa farsi valere anche vocalmente, pur se non dotato di uno strumento particolarmente possente.

Davvero affascinante la voce di Larisa Kostyuk, interprete di Sonetka: dotata di un corpo centrale pieno e rotondo; rende al meglio il suo personaggio con sicurezza di emissione in una gran ricchezza di sfumature. Ci piacerebbe sentirla in altri ruoli ben più noti ove sicuramente farebbe un’ ottima figura.

Segnaliamo tra i tantissimi comprimari la spigliata cuoca Maya Barkovskaya, il bravo pope di Stanislav Shvets, anche come vecchio forzato; il simpatico Nikhail Seryshevcome contadino cencioso con la sua filastrocca.

Infine completano il ricchissimo cast, ribadiamo in modo corretto e davvero brillante: Alexandr Miminoshvili, poliziotto e sergente,  Artem Davjdov come ubriacone, cocchiere e bracciante, Valery Kirianov come operaio del mulino; il guardiano e venditore di Andrey Orekhov; Andrey Palamarchuk, insegnante e commesso, ed il terzo commesso, Alexey Vertogradov.

Ottima la preparazione del coro diretto da Andrea Faidutti, che oltre ad offrire un buon canto, ha mostrato notevole impegno nel prendere parte ad una regia così dinamica.

L’orchestra conferma di essere in grandissima forma, stavolta guidata dal Maestro Vladimir Ponkin, per niente intimorita dalle difficoltà della partitura, ma anzi in grado di sottolinearne ogni singola sfumatura. La musica è vibrante, viva, irrefrenabile. Giustizia è resa allo spartito, che vede colori diversi a sottolineare talvolta l’ironia degli eventi, talvolta la dinamicità insita nel dramma. Il Maestro non perde di vista il palco, accompagna gli interpreti e sottolinea i diversi cambi di ritmo con naturalezza e fluidità.

L’unica nota negativa della serata è rappresentata dalla scarsa affluenza di pubblico, soprattutto di abbonati, che ha lasciato diverse sezioni della platea e dei palchi vuoti, a dimostrazione che nel nostro paese proporre opere diverse, se pur capolavori, non è cosa apprezzata e compresa. A queste persone va tutto il nostro dispiacere per aver perso davvero uno spettacolo notevole. Diversamente, i presenti in sala hanno tributato applausi calorosi e prolungati,  anche a ritmo, a tutti i protagonisti ed al direttore d’orchestra.

Maria Teresa Giovagnoli

  
LA PRODUZIONE

Direttore





Vladimir Ponkin
Regia
Dmitry Bertman
Maestro del Coro
Andrea Faidutti
Scene
Igor' Neznyj
Costumi
Tat'jana Tulub'eva


GLI INTERPRETI

Katerina L'vovna Izmailova 
Elena Mikhailenko
Boris Timofeevich Izmailov /sentinella
Alexey Tikhomirov
Zinovij Borisovich Izmailov
Dmitry Ponomarev
Sergej
Ilya Govzich
Un poliziotto, Un sergente
Alexandr Miminoshvili
Aksin'ja, cuoca
Maya Barkovskaya
Un contadino cencioso
Nikhail Seryshev
Sonetka
Larisa Kostyuk
Un prete, Un vecchio forzato
Stanislav Shvets
Un operario del mulino
Valery Kirianov
Un guardiano/Un venditore
Andrey Orekhov
Un insegnante/Il secondo commesso
Andrey Palamarchuk
Un ospite ubriaco/Un cocchiere/Il primo commesso
Artem Davjdov
Il terzo commesso
Alexey Vertogradov


Orchestra, Coro e Tecnici del Teatro Comunale di Bologna
Allestimento Teatro Helikon Mosca







 Foto: Rocco Casaluci;  Teatro Comunale di Bologna

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anna_pirozzi

DO RE MI…..PRESENTO – intervista a ANNA PIROZZI

Con vero piacere incontriamo oggi per i nostri lettori il soprano Anna Pirozzi, artista napoletana che grazie alla sua voce calda e drammatica sta ottenendo un grande successo di pubblico e critica sia in ambito nazionale che internazionale. Molto forte nel repertorio drammatico, proprio grazie al suo timbro corposo ed ampio ed alle sue doti interpretative, ha debuttato ruoli impervi come Abigaille, Lady Macbeth, Amelia, e recentissimo è il suo debutto nel ruolo di Luisa Milleral Teatro Carlo Felice di Genova al fianco di Leo Nucci impegnato come cantante e regista, per il quale ha ottenuto ancora una volta larghi consensi e che le permette di aggiungere un'altra pietra miliare alla sua bella carriera. Proprio in questa occasione la incontriamo per parlare di questa esperienza, di se stessa e naturalmente del futuro artistico.

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SIMON BOCCANEGRA, G. VERDI – GRAN TEATRO LA FENICE DI VENEZIA, inaugurazione stagione lirica, sabato 22 novembre 2014






Con una doppia inaugurazione il Teatro La Fenice di Venezia apre la stagione d’opera 2014-15 presentando una nuova produzione di Simon Boccanegra affiancata dal fortunato e noto allestimento di Traviata; due opere di Verdi che hanno visto la luce proprio in questo teatro, scelte apposta per una festa in grande stile. Il ‘Simone’ andato in scena ieri sera reca la firma del regista Andrea De Rosa, il cui scopo è quello di rendere fruibile il più possibile non solo la trama del dramma, ma anche gli stati d’animo del grande protagonista. 

Così la scena diviene in funzione del narrato e si trasforma man mano che gli eventi hanno corso, dal nero e vuoto più totale del prologo, ad una apertura visiva verso il futuro e la luce, pur nel tragico finale. Boccanegra difatti è inizialmente solo con il suo dolore per la perdita della donna amata, qui addirittura stretta esanime tra le braccia e non soltanto evocata. Crede di aver perso anche il frutto del suo amore ed inoltre ha lasciato il proprio compagno di sempre: il mare. Ora la vita da corsaro è lontana ed è come imprigionato nei palazzi del potere come Doge di Genova, con il mare sì vicino e sempre presente in scena, ma allo stesso tempo oscurato dalle architetture costruite ad arte per far solo intravvedere il paesaggio circostante. Volutamente claustrofobica è dunque la sensazione di insieme, studiata ad arte anche dalle luci piuttosto cupe di Pasquale Mari, altresì autore dei magnifici filmati girati in Liguria, che sono via via resi più visibili col trasformarsi delle strutture sul palco.

Così man mano che le agnizioni si susseguono, anche la scenografia pare aprirsi all’orizzonte, ben visibile nell'ultimo atto per l’estremo saluto al Doge. Qui il regista ha voluto che il fantasma di Maria ricomparisse sul palco per accogliere l’amato tra le braccia, ora in pace sapendo la figlia viva e felicemente innamorata, con il suo paese guidato dal nuovo Doge Gabriele. 
Molto belli e curati i costumi di Alessandro Lai che richiamano lo stile trecentesco del libretto.

La versione rappresentata è quella rivista del 1881 per la Scala di Milano, con le modifiche di Boito al libretto di Piave. Molto felice l’esecuzione musicale da parte di una superlativa orchestra ed interpreti in forma.
Lasciateci iniziare proprio dalla magistrale conduzione di Myung-Whun Chung che ha offerto una prestazione orchestrale davvero impressionante. Il suono è corposo e  limpido, straordinariamente in linea con il palco; la grande affinità con i musicisti è sottolineata da una immediata rispondenza tra gesto minimo ma significativo e risposta con accenti e colori stupefacenti. Sembra di ascoltare davvero le onde del mare in più punti che si rifraggono dolcemente o con forza a seconda del caso e i volumi sono perfettamente bilanciati tra le sezioni ed in accordo pieno con l’esecuzione canora. Ad ogni suo ingresso il teatro è letteralmente esploso in sua ovazione meritatissima.

Simon Boccanegra è un concentratissimo Simone Piazzola che ha offerto una esecuzione davvero sentita. Emerge uno studio approfondito del personaggio che afflitto dal suo dolore deve fare i conti con i doveri imposti dalla carica politica e con la sua moralità. A dar corpo all’interpretazione un’esecuzione sicura e sempre più convincente nell’arco di tutta la rappresentazione.

Maria Agresta è una Amelia di carattere, che vede cambiare la sua vita a causa delle sconvolgenti rivelazioni sulle sue origini ed è travolta dal grande amore che prova sia per il padre ritrovato che per il giovane Gabriele. Il soprano ha uno strumento vocale  imponente e di sostanza che riempie la sala donando forza e sicurezza al suo ruolo.

Ancora una performance positiva per Francesco Meli come Gabriele, che conferma la sua capacità di calarsi con grinta e passione nei ruoli che interpreta, forte anche di una voce limpida ed incredibilmente musicale, dall’ottimo fraseggio e svettante in acuto.

Forte ed austero il Fiesco di Giacomo Prestia, sempre perfettamente nel ruolo con la sua voce di una profondità sconcertante che dona carattere e credibilità al personaggio nota dopo nota.

Il giovane Julian Kim comincia ad essere una bella conferma tra i baritoni della sua generazione: bello il colore della voce e molto intensa è la caratterizzazione del personaggio di Paolo: meschino, opportunista e senza scrupoli. Altra certezza del cast il bravissimo Luca Dall’Amicocome Pietro: anch’egli dotato di una voce straordinariamente profonda e ricca, corposa, capace di rendere giustizia anche ai ruoli più piccoli, sempre impersonati con tanta personalità.

Citiamo nel cast il capitano dei balestrieri di Roberto Menegazzo e l’ancella di Amelia, Francesca Poropat.
Ottima la prestazione del coro diretto come sempre da Claudio Marino Moretti.

Successo straripante per tutti gli interpreti con ovazioni per i protagonisti e grida di giubilo per Chung. Veramente un grande inizio di stagione!

Maria Teresa Giovagnoli



LA PRODUZIONE

Direttore                    Myung-Whun Chung 

Regia e Scene            Andrea De Rosa

Costumi                     Alessandro Lai

Luci e Video              Pasquale Mari




GLI INTERPRETI

Simon Boccanegra    Simone Piazzola

Jacopo Fiesco            Giacomo Prestia

Paolo Albiani            Julian Kim

Pietro                         Luca Dall’Amico

Amelia Grimaldi        Maria Agresta

Gabriele Adorno       Francesco Meli


Orchestra e Coro del Teatro la Fenice
Maestro del Coro Claudio Marino Moretti

In coproduzione con Fondazione Teatro Carlo Felice di Genova







Foto Michele Crosera

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