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TRAVIATA, G. VERDI – TEATRO FILARMONICO DI VERONA, DOMENICA 25 GENNAIO 2015

Lunedì, 26 Gennaio 2015
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Il maestro Josef Svoboda ci ha lasciato ormai da tredici anni ma le sue brillanti intuizioni in termini di scenografia continuano ad affascinare e ad esser parte di allestimenti operistici vincenti. Tra questi la splendida Traviata ormai nota come ‘degli specchi’ che è praticamente rappresentata ogni anno in giro per l’Italia e nel mondo ottenendo sempre consensi entusiastici di pubblico. Ed approda finalmente anche al Teatro Filarmonico di Verona con la regia di Henning Brockhaus e con la collaborazione di Benito Leonori per la ricostruzione scenografica.

Il famoso allestimento ci ricorda che il mondo non ha una sola prospettiva e che ognuno di noi dovrebbe guardare aldilà del proprio punto di vista e cogliere le diverse angolazioni di ciò che avviene intorno. Così la storia di Violetta non va guardata soltanto col nostro occhio giudice e moralista, ma letteralmente a tutto tondo, ossia anche dal suo punto di vista e da quello di chi vive la sua storia con lei. Ecco così che lo specchio inclinato che sovrasta sullo sfondo assume un significato psicologico, oltre che squisito mezzo scenico per offrire una inquadratura inusuale dei personaggi e degli ambienti. Come è ben noto i pannelli che occupano il piano vengono fatti scivolare a scomparsa ed in successione si alternano i bellissimi tableau dai colori sfavillanti che affrescano man mano il salone delle feste di Violetta o della casa di Flora con squisita eleganza, riproducono la deliziosa casa di campagna per il nido d’amore di Violetta ed Alfredo, per poi lasciare il posto al pavimento nudo e scuro dell’ultimo atto, ove si poggiano un letto, pochi cuscini su cui si adagia Annina ed un tavolino, con la celeberrima conclusione a specchio raddrizzato per riflettere l’orchestra ed il pubblico stesso, lasciando ad ognuno la propria interpretazione di quanto avviene. Ricordiamo che gli sfavillanti costumi sono di Giancarlo Colis.

Dal punto di vista musicale diverse considerazioni da fare. Certo la direzione del Maestro Marco Boemiha condizionato non poco l’esecuzione degli interpreti che sono stati chiamati a dura prova per seguire adeguatamente il tempo in taluni passaggi. Probabilmente l’intento del direttore era di imprimere alla rappresentazione un carattere estremamente toccante e drammatico, ma ciò si è tradotto a nostro avviso in uno stacco di tempi fin troppo distesi con dinamiche non sempre chiare; in più punti si è percepito uno scollamento tra buca e palco anche per gli interventi del coro.

Ne fa le spese in un certo senso Francesca Dottoper cui confermiamo le impressioni avute nella recente Traviata di Venezia. Il colore della voce è molto bello ed uniforme, e sicuramente mostra un bell’affiatamento con i partner sul palco, ma ci riserviamo qualche tempo per vedere una Violetta a trecentosessanta gradi da parte del soprano dalle indubbie doti vocali che può ancora crescere e donare più carattere al ruolo.

Alfredo Germont è un Antonio Polidalla voce fresca e pastosa che pur non mostrando una potenza esponenziale si cala molto bene nel ruolo del giovane di cuore e passione.

Grande successo per Simone Piazzolache ormai ha raggiunto un bel numero di Giorgio Germont nella lista delle sue interpretazioni. Sempre più maturo il personaggio, il colore pulito della voce si esprime uniformemente in tutta la gamma del suo registro dando forza ad un ruolo gestito con padronanza ed autorità. Per lui una serata davvero positiva.

Non convince a pieno la Flora di Elena Serrala cui voce sembra talvolta soffrire l’orchestra, pur dando un certo carattere spigliato e gagliardo al suo personaggio.

Ci è sembrato un po’ troppo caricato il ruolo di Annina per essere una semplice domestica, alias Alice Marini, mentre hanno ben figurato nei ruoli di contorno: Gastone, Antonello Ceron, il Barone Douphol, Nicolo' Ceriani, il Marchese d'Obigny, Dario Giorgelè, l’ottimo Dottor Grenvil di Gianluca Breda, Giuseppe, Francesco Pittari, ed il Domestico e Commissionariodi Romano Dal Zovo.

Il coro diretto da Vito Lombardi si mostra ben affiatato ed ottimo in scena, fermo restando i suddetti problemini percepiti con l’orchestra.

Il pubblico che ha riempito il teatro ha tributato un buon successo per tutti gli interpreti con punte per Dotto, Poli ed il maestro Boemi, registrando un vero e proprio trionfo per Piazzola.

Maria Teresa Giovagnoli

LA PRODUZIONE

Direttore	*Marco Boemi*
Regia e luci	*Henning Brockhaus*
Direttore corpo di ballo	*Renato Zanella*
Bozzetti scenografici	*Josef Svoboda*
Ricostruzione scenografica	*Benito Leonori*
Costumi	*Giancarlo Colis*
Coreografa	*Valentina Escobar*
Direttore allestimenti scenici	*Giuseppe De Filippi Venezia*
Maestro del coro	*Vito Lombardi*

GLI INTERPRETI
Violetta Valery	*Francesca Dotto*
Alfredo Germont	*Antonio Poli*
Giorgio Germont	*Simone Piazzola*
Flora Bervoix	*Elena Serra*
Annina	*Alice Marini*
Gastone	*Antonello Ceron*
Barone Douphol	*Nicolo' Ceriani*
Marchese d'Obigny	*Dario Giorgelè*
Dottor Grenvil	*Gianluca Breda*
Giuseppe	*Francesco Pittari*
Domestico/Commissionario	*Romano Dal Zovo*

ORCHESTRA, CORO, CORPO DI BALLO E TECNICI DELL’ARENA DI VERONA

Allestimento di proprietà della fondazione Pergolesi Spontini di Jesi da bozzetti scenografici di Josef Svoboda

FOTO STUDIO ENNEVI per gentile concessione Fondazione Arena di Verona

GOYESCAS, E. GRANADOS – SUOR ANGELICA, G. PUCCINI – TEATRO REGIO DI TORINO, VENERDI’ 23 GENNAIO 2015

Domenica, 25 Gennaio 2015
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Con una scelta coraggiosa il Teatro Regio di Torino porta in scena insieme il capolavoro di Enrique Granados Goyescas e Suor Angelica di Giacomo Puccini. Se anche le due opere apparentemente per ambientazione possono sembrare distanti, nella visione del regista Andrea De Rosa che cura anche le scene, vi sono diversi aspetti che le accomunano. Non certo per il noto debutto di entrambe a New York (nel 1916 la prima e nel 1918 la seconda), ma soprattutto per la rappresentazione del dolore e del dramma al femminile e di un modo di viverlo intensamente, che sia passione manifesta di giovani e intemperanti madrileni con a capo due protagoniste conturbanti, oppure amore celato in segreto di una mamma costretta in convento. Il regista sceglie di attualizzare i due drammi pur restando squisitamente fedele ai contenuti poiché certe realtà sembrano destinate a non mutare. Di Paquiro e Fernando che si sfidano per gelosia ne è pieno il pianeta, di donne ferite e ormai sole dato il tragico destino dei compagni altrettanto, per non parlare di tutte le donne al mondo private della gioia di crescere un figlio, perché strappato alla nascita o perché mai arrivato. Così vige un senso di impotenza, di sconfitta e di vuoto in entrambe le opere, per un dittico non usuale ma a nostro avviso possibile.

Il senso di vuoto nell’ animo è il punto di partenza di Goyescas, giacché l’azione parte da un enorme fosso scavato nel terreno ove il buio che è intorno è spezzato da lampi di chiarore sui protagonisti, che evidenziano sì le loro azioni, ma anche la sensazione di assenza circostante. Sono effetti a cura di Pasquale Lucenti, che secondo noi funzionano molto bene allo scopo. Si sa che Goya ispirò il compositore di questo lavoro con le atmosfere particolari dei suoi dipinti di vita quotidiana e da questi De Rosa è partito anche per il suo allestimento. Anche i vari costumi di Alessandro Ciammarughi sono pertinenti all’ambientazione, citando tra gli altri il celebre quadro de La maja desnuda per Rosario. Fedele alla tradizione è anche la presenza del fantoccio, che è certo strumento di sollazzo ma anche simbolo della labilità dell’essere umano che tanto spesso viene manipolato a sua insaputa. Così il capitano della guardia Reale Fernando cade sconfitto per un episodio mal interpretato, acceso da insensata gelosia. Ma addirittura per il regista nemmeno il torero scampa al destino di morte rimanendo ucciso egli stesso nello scontro col capitano. E quasi a sbeffeggiar tutti le musiche festose a ritmo di fandango di Granados coinvolgono, sorprendono, ammaliano, come i passi di danza coreografati da Michela Lucenti.

Nel cast della serata spiccano proprio le figure femminili, vittime e causa delle vicende in atto.

Giuseppina Piunti è una Rosario soprattutto passionale piuttosto che dama di gran casato. La sua sensualità è quasi sfacciata e nel suo canto di passione e vigore tutto sembra istigare alla gelosia che arde nel cuore di Fernando. La sua voce è volumetrica e si espande nella sala del Regio aggiungendo dramma al ricco colore.

Anna Maria Chiuri riesce a far emergere carattere e vitalità al suo ruolo di Pepa nonostante non sia stato concepito con la stessa forza di Rosario, grazie al bel timbro brunito e rotondo ed al marcato piglio da popolana.

Andeka Gorrotxategui e Fabián Veloz sono l’altro piatto della bilancia emotiva: Fernando e Paquiro, il valoroso capitano ed il popolare torero, forse fantocci nelle mani delle loro donne, simbolo di tanti giovani portati alla reciproca distruzione, ma inevitabilmente causa di dolore e tormento per le compagne rimaste in vita sole e abbandonate. Il primo forte di una voce vellutata con dei bei centri pieni ed il secondo dal timbro scuro che dona corpo ad una voce interessante.

Chiude il cast Alejandro Escobar nel brevissimo ruolo di Una voce. Il coro preparato da Claudio Fenoglio ha una valenza fondamentale, i magnifici majos e majas animano la scena da perfetti popolani, assestando entrate perfette e offrendo un’ottima amalgama vocale.

Infine l’ottima orchestra guidata da DonatoRenzettidona equilibrio ed uniformità ad una partitura per certi versi considerata discontinua, trovando soprattutto nei passaggi strumentali una ricchezza e profondità di suono straordinari.

Il pubblico ha omaggiato tutti gli interpreti mostrando un calore discreto alla rappresentazione.

LA PRODUZIONE

Direttore d'orchestra Donato Renzetti

Regia e scene Andrea De Rosa

Costumi Alessandro Ciammarughi

Coreografia Michela Lucenti

Luci Pasquale Mari

Assistente alla regia Paola Rota

Assistente ai costumi Sonia Salvatori

Maestro del coro Claudio Fenoglio

GLI INTERPRETI

Rosario, dama di gran

casato,amata da Fernando Giuseppina Piunti

Fernando, capitano della

guardia reale Andeka Gorrotxategui

Paquiro, torero Fabián Veloz

Pepa, ragazza del popolo,

amante di Paquiro Anna Maria Chiuri

Una voce Alejandro Escobar

Orchestra e Coro del Teatro Regio

Balletto civile

Nuovo allestimento

in coproduzione con Maggio Musicale Fiorentino

e Teatro di San Carlo di Napoli

Foto Teatro Regio Torino

Con Suor Angelica il senso di impotenza e disfattismo si accentua ancor maggiormente se si considera che il tragico epilogo è causato da eventi estranei alla volontà della protagonista. Andrea de Rosa ambienta la storia addirittura in un manicomio verso gli anni cinquanta del secolo scorso, ove le suore dovrebbero prendersi cura delle sciagurate pazienti, ma solo Suor Angelica sembra curarsene, con le sue erbe ed intrugli di ogni genere. Una enorme grata separa il proscenio dal resto del palco e solo la protagonista può uscire, la ex principessa che non indossa neanche abiti monacali, per dedicarsi all’ unica distrazione al perenne pensiero di suo figlio. Sullo sfondo le sventurate folli gironzolano compiendo gesti inconsistenti, si respira un’aria carceraria se non da luogo di tortura. L’angoscia cresce man mano che si spengono le speranze di Angelica di rivedere la sua creatura e quasi un senso di oppressione guida gli atti delle monache. In tutto ciò non c’è spazio nemmeno per il miracolo e l’assoluzione: suor Angelica muore semplicemente abbracciata al bambolotto portole da una paziente impietosita. I costumi sono sempre di Alessandro Ciammarughi con luci affidate ancora a Pasquale Mari.

Molto positiva l’esecuzione musicale di tutte le interpreti ben affiatate e chiamate una volta di più a dare il meglio in quanto ad interpretazione.

E non manca all’appello una straordinaria Amarilli Nizza, che come ci ha abituati vive in prima persona gli eventi con un coinvolgimento ogni volta più intenso. Quasi assente rispetto a ciò che la circonda, raccoglie e raggruppa le erbacce del suo giardino come un automa, ma sempre pronta a tornare alla realtà per un aiuto alle consorelle. Trova nuovo vigore nell’affrontare la Zia Principessa e piomba in autentica disperazione all’annuncio della morte del figlio. Notiamo che anche respiri e spasimi sono mirati e mostra addirittura segni di follia nell’ansimante ricerca di un farmaco atto al proposito risolutivo. Alla base vi è una voce possente che si piega alle azioni: si fa dolce e morbida con le altre suore, si irrobustisce con la parente in visita, diventa ampia ed avvolgente nella toccante ‘Senza mamma’.

Molto valida anche Anna Maria Chiuricome Zia Principessa. Qui una anziana parente lontana dal voler infliggere altri castighi alla nipote, una donna stanca e ricurva, affatto riccamente vestita che si eclissa discretamente dopo aver riportato suo malgrado le novità della famiglia. Così il mezzosoprano può esprimere al meglio le sue qualità vocali ed attoriali, esaltando la gamma centrale del suo registro che qui risulta particolarmente ambrato e colorito.

Nella folta schiera di sorelle citiamo le ottime suora Zelatrice Silvia Beltrami, dalla voce robusta e dal piglio autoritario, la Badessa Maria diMauro che aggiunge al bel colore della voce un volume non indifferente ed un buono squillo nella zona più acuta. Molto buone come detto tutte le altre che ricordiamo: la suora infermiera Valeria Tornatore, Suor Genovieffa Damiana Mizzi, la maestra delle novizie ClaudiaMarchi, Suor Osmina Nicoletta Baù, Suor Dolcina MariadeLourdesMartins, la prima sorella cercatrice Samantha Korbey, la seconda sorella cercatrice Daniela Valdenassi, la prima conversa Sabrina Amè, la seconda conversa Roberta Garelli, una novizia Eugenia Braynova, la prima suora Paola Isabella Lopopolo, la seconda suora CristianaCordero, infine la terza suora Raffaella Riello.

Ottimo anche in questo caso il coro di Fenoglioed il coro voci bianche del Teatro Regio e del Conservatorio G. Verdi.

Ancora una volta l’orchestra si mostra con Renzettialla guida in grado di creare atmosfere e languori volti alla sottolineatura degli eventi, mai un mero accompagnamento ma una esaltazione della musica insieme alle voci delle interpreti, divenendo coinvolgente, ricca di colori e lirismi perfetti per il dramma.

Applausi entusiasti e commossi ben distribuiti tra le interpreti, con grandi ovazioni per Amarilli Nizza, Anna Maria Chiuri ed il Maestro Renzetti.

Maria Teresa Giovagnoli

LA PRODUZIONE

Direttore d'orchestra Donato Renzetti

Regia e scene Andrea De Rosa

Costumi Alessandro Ciammarughi

Movimenti scenici Michela Lucenti

Luci Pasquale Mari

Assistente alla regia Paola Rota

Assistente ai costumi Sonia Salvatori

Maestro dei cori Claudio Fenoglio

GLI INTERPRETI

Suor Angelica Amarilli Nizza

La zia Principessa Anna Maria Chiuri

La suora infermiera Valeria Tornatore

La suora zelatrice Silvia Beltrami

Suor Genovieffa Damiana Mizzi

La maestra delle novizie Claudia Marchi

La badessa Maria Di Mauro

Suor Osmina Nicoletta Baù

Suor Dolcina Maria de Lourdes Martins

Prima sorella cercatrice Samantha Korbey

Seconda sorella Daniela Valdenassi

Prima conversa soprano Sabrina Amè

Seconda conversa Roberta Garelli

Una novizia Eugenia Braynova

Prima suora Paola Isabella Lopopolo

Seconda suora Cristiana Cordero

Terza suora Raffaella Riello

Orchestra e coro del Teatro Regio

Coro di voci bianche del Teatro Regio e del Conservatorio "G. Verdi"

Balletto civile

Nuovo allestimento

in coproduzione con Maggio Musicale Fiorentino

e Teatro di San Carlo di Napoli

Foto Teatro Regio Torino

FAUST, C. GOUNOD - TEATRO COMUNALE DI BOLZANO, mercoledì 21 gennaio 2015

Sabato, 24 Gennaio 2015
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"Le Veau d'or est vainqueur des dieux!"

Il teatro comunale di Bolzano si dimostra ancora una volta istituzione di cultura di alto livello, programmando una stagione interessantissima per titoli di prosa, musica, danza ed opera.

Proposto come secondo titolo operistico della stagione, il Faust di C. Gounod è opera di difficilissima esecuzione per le difficoltà di una messa in scena che richiede grande dispendio di energie esecutive e sceniche.

L'allestimento prodotto con l'opera di Lipsia è il risultato di un giusto equilibrio tra grandi idee e pochi mezzi a disposizione.

L'idea registica di Michiel Dijkema (qui ripresa da Patrick Bialdyga) funziona a dovere, equilibrata tra un allestimento di tradizione e uno di theater regie.

I personaggi si muovono con movimenti studiatissimi, il coro è partecipe e protagonista anch'esso, l'idea di un Mephistopheles tutto fuoco e tiri mancini funziona a dovere, l'impianto scenico (un non luogo costruito con un alto muro a mattoni dal quale si aprono 5 porte scorrevoli che lasciano scoprire il mondo al di là) è interessante e permette di tagliare al minimo gli altrimenti numerosi e lunghi cambi di scena.

Dispiace solo che la drammaturgia di Christian Geltiger alteri in parte la numerazione delle scene presenti in partitura da Gounod trasportando l'aria "il etait un Roi de Thule" dal secondo al quinto atto, come pure l'aria di Siebel " le bonheur à sourire t'invite" che qui diventa un malinconico addio alla vita invece che una languida dichiarazione di affetto, per tacere dei pesanti tagli all'ingresso del coro dei soldati nella quarta scena del quarto atto, nelle danze pasticciate da ingrati copia e incolla del quinto atto per finire con la malsana idea di far cantare il coro celeste al termine dell'opera in scena invece che nel retropalco come previsto in partitura, cancellando quindi completamente l'idea di misticità prevista da Gounod.

Il versante musicale ha visto un pregevole Mark Schneible nei panni di Mephistopheles dipanarsi con agilità nella ingrata sua parte: timbro scavato, dizione perfetta e fraseggio curato hanno completato una serata per lui da ricordare.

Non altrettanto si può dire per il Faust di Mario Zeffiri al quale è venuta la malsana idea di affrontare un ruolo totalmente scollegato alla sua vocalità nonostante la voce bella e gli acuti (tutti in falsetto) facili, speriamo di risentirlo presto in un repertorio a lui più congeniale.

Arika Schoenberg è apparsa in evidente difficoltà ed affanno ad affrontare la parte di Marguerite. La voce è sfibrata, gli acuti urlati e il fraseggio scolastico, per tacere della dizione approssimativa.

Convincente anche se spesso in difficoltà nelle note di passaggio, il Valentin di Jonathan Michie dalla voce vellutata e suadente e dagli acuti facili e precisi in una parte che ha ben poco di baritonale.

Brava Kathrin Goering nella parte di Siebel, canta la sua aria con la giusta caratterizzazione vocale e scenica.

Brava anche Karin Lovelius ad interpretare la petulante Marthe con la giusta dose di caratterismo senza scendere in ridicole sforzature.

Corretto Matteo Ferrara nella parte di Wagner.

Complimenti ad Alessandro Zuppardo per la direzione del partecipe e preciso coro dell'opera di Lipsia in un lavoro dove più di un quarto dell’intera partitura è a lui destinato.

L'Orchestra Haydn di Trento e Bolzano diretta da Anthony Bramall ha saputo mettere a frutto la sua provenienza dal repertorio sinfonico esaltando i momenti sinfonici di cui questa partitura è zeppa risultando di una precisione più che convincente.

Applausi cordiali per tutti da parte di un pubblico non particolarmente caloroso.

Pierluigi Guadagni

LA PRODUZIONE

Direzione musicale Anthony Bramall

Regia Michiel Dijkema

Dammaturgia Christian Geltiger

GLI INTERPRETI

Mephistopheles Mark Schneible

Faust Mario Zeffiri

Valentin Jonathan Michie

Marguerite Arika Schoenberg

Marthe Karin Lovelius

Siebel Kathrin Goering

Wagner Matteo Ferrara

Coro Oper Leipzig, maestro Alessandro Zuppardo

Orchestra Haydn di Bolzano e Trento

Nuovo Allestimento

Foto Teatro Comunale di Bolzano

CONCERTO DI VERONA LIRICA E L’ARPISTA DAVIDE BURANI AL TEATRO FILARMONICO DI VERONA – DOMENICA 18 GENNAIO 2015

Lunedì, 19 Gennaio 2015
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Nuovo appuntamento con l’associazione Verona Lirica al Teatro Filarmonico veronese con un concerto arricchito dalla delicatezza e musicalità del giovane Davide Burani, arpista di talento e sensibilità artistica, che ha aggiunto un tocco di eleganza ad un evento musicale già di per sé raffinato e piacevole.

Il mezzosoprano di indiscussa fama mondiale Luciana d’Intino ha avuto come compagni di avventura il baritono Davit Babayants, il tenore Giorgio Berrugi ed il soprano Lilla Lee nell’esecuzione delle arie più amate e richieste di sempre dal nostro repertorio operistico nazionale, con una piccola escursione all’estero.

E così Puccini, Donizetti, Mascagni, Cilea, Saint Saens e soprattutto Verdi sono stati i protagonisti dell’evento, naturalmente con le loro opere più celebri.

Luciana d’Intino ha esordito con la principessa Eboli del Don Carlo verdiano e la celeberrima ‘O don fatale’; quindi il passionale duetto tra Aida ed Amneris del secondo atto di Aida; inoltre ‘Voi lo sapete, o mamma’ dalla Cavalleria Rusticana di Mascagni, e la dolcissima ‘Mon cœur s’ouvre à ta voix’ da Samson et Dalila di Saint Saens. Straordinaria è l’intensità espressiva che contraddistingue il mezzosoprano e la voce è sempre rotonda e robusta. Interpreta con energia e pathos le suddette arie, mostrando tanto dolcezza quanto grinta e passionalità nell’esecuzione. Con Saens riteniamo abbia raggiunto il climax della serata per quanto la riguarda, mostrando anche una particolare sfumatura carezzevole del suo timbro.

Bella sorpresa il soprano Lilla Lee con Manon Lascaut di Puccini e ‘In quelle trine morbide’, il duetto Abigaille/Nabucco col collega Babayants, ‘Pace, pace mio Dio’ da La forza del destino di Verdi, ed il suddetto duetto dall’Aida con la D'Intino. Scopriamo una voce piena e morbida che si esprime particolarmente bene nel registro medio/acuto. Sicuramente la giovane artista presto aggiungerà anche quel quid interpretativo che ancora sembra leggermente acerbo, e che andrà ad arricchire maggiormente le sue già ben apprezzabili esecuzioni.

Molto di cuore l’interpretazione di ‘Quando le sere al placido’ dalla Luisa Miller di Verdi, nonché di ‘Una furtiva lagrima’dall’Elisir donizettiano, quasi irrinunciabile in occasioni come queste, come il Lamento di Federico dall’Arlesiana di Cilea, ed il toccante duetto Rodolfo/Marcello dalla Bohème con Babayants ‘In un coupé?’ per Giorgio Berrugi, generoso tenore di carattere tanto nell’interpretazione quanto nel timbro vocale.

Infine con Davit Babayants torniamo al Nabucco con ‘Dio di Giuda’e ‘Donna, chi sei’? in duo con Lilla Lee; restiamo con Verdi per Rigoletto e la possente ‘Cortigiani, vil razza..’, e come detto il duetto con Berrugi dalla Bohème pucciniana. Particolarmente applaudite le arie del Nabucco.

Per Davide Burani le fantasie e variazioni per arpa di Giovanni Caramiello sulla Traviata di Verdi e sulla Norma di Bellini, con l’aggiunta di una sua trascrizione del valzer di Musetta della Bohème. Come detto il tocco in più in un pomeriggio di gradevolissima musica in una atmosfera amichevole e gioviale. Naturalmente il maestro Patrizia Quarta ha accompagnato i solisti con l’immancabile suo tocco al piano spesso definito ‘orchestrale’, e non sono mancati i puntuali ed anche simpatici interventi esplicativi di Davide Da Como. Pubblico felicissimo ed entusiasta.

Maria Teresa Giovagnoli

I CAPULETI E I MONTECCHI, V. BELLINI – GRAN TEATRO LA FENICE DI VENEZIA, MERCOLEDI’ 14 GENNAIO 2015.

Giovedì, 15 Gennaio 2015
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L’allestimento de I Capuleti e i Montecchi che andò in scena due anni fa a Verona approda in questo inizio 2015 alla Fenice di Venezia, che lo ha coprodotto insieme alla Fondazione Arena ed all’Opera Nazionale Ellenica. Al suo debutto apprezzammo soprattutto l’eleganza delle scene di Alessandro Camera, che concretizzano la visione del regista Arnaud Bernard secondo cui la storia di Romeo e Giulietta è evidentemente così eterna da poter rimaner ‘blindata’ tra le cornici dei dipinti esposti in un museo in allestimento. Da questi dipinti uscirebbero i personaggi per poi agire ed animare la storia sulle note di Bellini. Quel che dispiace è che tale impianto non venga sfruttato a dovere e che gli intenti registici non siano del tutto chiari fino alla fine, ossia quando tali ‘attori’ ritornano nell’ enorme quadro che riempie tutto il palco. In generale la regia è piuttosto statica, i protagonisti sono alquanto ingabbiati nei loro movimenti, che talvolta non appaiono aver gran significato. E la gran quantità di mimi che continuano ad allestire il suddetto museo è più un disturbo che un chiarimento agli intenti del regista. Conseguentemente anche l’interpretazione degli stessi cantanti ne ha risentito in più momenti. Apprezzabili restano gli abiti di Maria Carla Ricotti che richiamano ad una ambientazione classica, mentre le luci piuttosto scure di Fabio Barettin incupiscono l'atmosfera ‘museale’che si fa più intima.

Anche dal punto di vista musicale, diverse sono state le perplessità.

Jessica Pratt è una artista di comprovata esperienza che emerge in tante piccole sfumature della sua voce, dai suoi pianissimo delicati, agli acuti ben assestati. Solo non è stata facilitata dalla regia piuttosto limitante e quindi la sua Giulietta è parsa talvolta un po’ trattenuta, senza quello slancio giovanile e passionale che il ruolo potrebbe suggerire.

Dobbiamo presumere che Sonia Ganassi fosse leggermente indisposta, poiché la sua prova come Romeo è stata tutta in salita: la voce non è parsa completamente in forma, soprattutto nelle agilità, riscattandosi comunque nei momenti maggiormente lirici e nei duetti con la partner.

Buono il Capellio di Rubén Amoretti: voce robusta e rotonda che arricchisce l’interpretazione sicura da genitore insensibile.

Il Tebaldo di Shalva Mukeria offre certo una voce chiara e ben definita, ma non colpisce per interpretazione o presenza scenica; si ha l’impressione che il personaggio vada scavato più a fondo e maggiormente interiorizzato, anche al punto di vista vocale.

Lorenzo è interpretato dall’inossidabile Luca dall’Amico. Il basso si muove a suo agio nel ruolo di accorato consigliere, ben superando i volumi dell’orchestra nel canto ed aggiungendo del suo alla poco efficace regia.

Infine l’orchestra è guidata dal Maestro Omer Meir Wellber. Il giovane direttore ci ha fatto sentire in tante occasioni la sua forte personalità nella conduzione, ma stavolta ciò non ha giovato alla resa musicale d’insieme. Quello che poteva essere l’ intento di voler rendere più ‘viva’ la partitura di Bellini, in diversi momenti è parso tradursi piuttosto nel mero accrescimento del volume, soprattutto per la sezione percussioni, tralasciando dettagli o sfumature che ci saremmo aspettati sin dall’apertura, davvero troppo fragorosa a nostro avviso.

La prova del coro diretto da Claudio Marino Moretti è sembrata buona nel complesso.

Applausi da parte del pubblico con un successo discreto per tutti i protagonisti coinvolti.

Maria Teresa Giovagnoli

LA PRODUZIONE

direttore         Omer Meir Wellber
regia               Arnaud Bernard
scene               Alessandro Camera
costumi           Maria Carla Ricotti
light designer Fabio Barettin

GLI INTERPRETI

Capellio          Rubén Amoretti
Giulietta         Jessica Pratt
Romeo            Sonia Ganassi
Tebaldo          Shalva Mukeria
Lorenzo         Luca dall’Amico

Orchestra e Coro del Teatro La Fenice
maestro del Coro Claudio Marino Moretti

con sopratitoli in italiano e in inglese

nuovo allestimento Fondazione Teatro La Fenice
in coproduzione con Fondazione Arena di Verona e Opera Nazionale Ellenica

Foto Michele Crosera

UN BALLO IN MASCHERA, G. VERDI – INAUGURAZIONE STAGIONE LIRICA DEL TEATRO COMUNALE DI BOLOGNA, DOMENICA 11 GENNAIO 2015

Lunedì, 12 Gennaio 2015
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Con Un ballo in maschera di Giuseppe Verdi si è aperta anche la stagione lirica al Teatro Comunale di Bologna, nell’allestimento che vi abbiamo raccontato nel 2013 dal Teatro alla Scala di Milano e che abbiamo rivisto volentieri, sia perché complessivamente lo si può considerare uno spettacolo godibile, sia perché dal punto di vista musicale abbiamo avuto il piacere di assistere a cosiddetti ‘bei numeri’.

L’idea registica di Damiano Michieletto, che con Paolo Fantin (scene)e Carla Teti (costumi) costituiscono ormai un’ inconfondibile macchina creativa, prevede una scena ‘inscatolata’ come è spesso d’uso attualmente, nella quale con elaborati cambi di scena si alternano man mano lo studio di Riccardo, una specie di sala conferenze, la sgargiante scritta al neon che sovrasta tutti nella festa finale, e così via. Come dicevamo due anni fa, la storia viene trasportata verso qualche decennio fa, ove si assiste alle tipiche e concitate fasi che animano le campagne elettorali dei presidenti americani, circondati da assistenti tuttofare, qui capeggiati da Oscar versione segretaria in carriera, col fidato Renato che è diventato il bodyguard del protagonista, ed il ballo in questione è la festa che si svolge al termine della campagna. Ma i personaggi sono coerenti alle intenzioni del libretto, l’amore tra Riccardo ed Amelia è lo stesso, come pari è l’ira di Renato e dei congiurati nei confronti del protagonista, visto a un certo punto come un uomo che arriva al potere senza troppi scrupoli e di cui vendicarsi. Il tutto è condito, come avevamo sottolineato allora, da immagini non nuovissime di prostitute che si aggirano per le vie notturne della città, sagome propagandistiche di Riccardo, dietro alle quali si nascondono gli invitati al party che quindi diventano anonimi burattini in balia del politico di turno; e non poteva mancare in tutto ciò anche la Ulrica versione imbonitrice, che oltre a predire il futuro è in grado anche di guarire gli invalidi. Come dicemmo allora, lo spettacolo si vede con piacere, pur non aggiungendo nulla di particolarmente innovativo a tante rappresentazioni viste in passato.

Dal punto di vista musicale registriamo ancora una volta lo stato di grazia del tenore Gregory Kunde, che continua ad inanellare successi dopo successi con grandissimo consenso di pubblico. E’ una forza notevole in campo, si muove come un leone che riesce a contenere il suo ruggito dosandolo con proprietà ed intelligenza; il fraseggio è preciso, la voce dal timbro pieno, vigoroso, che trova nelle note acute la sua piena realizzazione, sempre perfettamente nel ruolo dell’uomo di potere, ma pur sempre umano, con le sue ingenuità ed imprudenze.

Debutta Maria Josè Siri nel ruolo di Amelia. Il soprano mette molto della sua grazia e personalità nel personaggio, tratteggiando una donna lacerata tra la passione amorosa, il rispetto per se stessa e la fedeltà, mantenendo così un contegno non per questo mieloso, ma di rigore ed eleganza, sostenuto da un canto intenso, armonioso su tutta la gamma, che trova la sua somma espressione nella supplica ‘Morrò, ma prima in grazia’: un sussurro di amore e pietà.

Dissensi per la prova di Elena Manistina nei panni di Ulrica. Nel grave sembra scomparire, mentre appare più a suo agio nel registro medio – acuto, dando la sensazione di una tessitura adatta a ruoli di altro genere; ne risente anche il personaggio che quindi deve essere caricato più del dovuto per risultare credibile. Speriamo di risentirla in altre occasioni.

Altro felino in scena Luca Salsi intesse un Renato molto dinamico, di carattere, che si avvale dello strumento che possiede per sottolineare ogni sfumatura del personaggio, offrendo così corrispondenza appropriata tra canto ed azione, forte del suo timbro scuro e rotondo.

Per l’Oscar donna che alterna abitini femminili all’austero completo da lavoro registriamo soprattutto la buona prova attoriale di Beatriz Diaz, che forse ha una voce leggermente robusta per il ruolo interpretato, ma è certo gradevole all’ascolto.

Completano il cast nei ruoli dei congiurati Samuel e Tom, i discreti Fabrizio Beggi e Simon Lim, Paolo Orecchia e Bruno Lazzaretti come Silvano e Giudice, e .Luca Visani come servo di Amelia.

Ottima la prova del coro guidato da Andrea Faidutti e delle voci bianche di Alhambra Superchi.

Il direttore musicale Michele Mariotti sceglie per questo ‘Ballo’ una conduzione molto dinamica, che scava nella partitura per trovarne giusti slanci e pulsioni. Sembra gustare ogni momento nella direzione, accompagnando spesso col labiale anche gli interpreti, avvolgendo e sostenendo le note, alternando ritmi serrati con altrettanti momenti di puro lirismo, sempre nel rispetto dell’azione narrata. L’orchestra lo segue come un faro ed il suono diventa caleidoscopico.

Applausi interminabili hanno accolto la chiusura dello spettacolo, con ovazioni, batti mani e piedi per Kunde, Siri e Salsi, nonché per il Maestro Mariotti; qualche contestazione alla rappresentanza della messa in scena, con Michieletto assente per improcrastinabili impegni all’estero. La serata è stata dedicata alle vittime degli atti terroristici avvenuti nei giorni scorsi a Parigi, inoltre una pioggia di volantini gialli auspicanti una maggiore oculatezza nella gestione amministrativa del teatro è piovuta dalle gallerie. Una serata ricca di emozioni dunque, in tutti i sensi.

Maria Teresa Giovagnoli

LAPRODUZIONE

Direttore	*Michele Mariotti*
Regia	*Damiano Michieletto*
Assistente alla regia	*Roberto Pizzuto*
Scene	*Paolo Fantin*
Costumi	*Carla Teti*
Luci	*Alessandro Carletti*
Assistente alle scene	*Daniele Pietrobon*
Assistente ai costumi	*Agnese Bertani*
Maestro del Coro	*Andrea Faidutti*
Maestro del Coro Voci Bianche	*Alhambra Superchi*

GLI INTERPRETI

Riccardo	*Gregory Kunde*
Renato	*Luca Salsi*
Amelia	*Maria Josè Siri*
Ulrica	*Elena Manistina*
Oscar	*Beatriz Diaz*
Silvano	*Paolo Orecchia*
Samuel	*Fabrizio Beggi*
Tom	*Simon Lim*
Un giudice Un servo di Amelia	*Bruno Lazzaretti* *Luca Visani*

Allestimento in collaborazione con Teatro alla Scala Milano

Orchestra, Coro e Tecnici del Teatro Comunale di Bologna

Foto Rocco Casaluci

CONCERTO DI CAPODANNO AL TEATRO LA FENICE DI VENEZIA – 30/31 dicembre 2014, 1 gennaio 2015

Giovedì, 01 Gennaio 2015
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Con un Concerto di Capodanno dal ricco programma si chiude e si apre l’anno solare alla Fenice di Venezia, caratterizzato come di consueto da una prima parte riservata al pubblico in sala ed una seconda parte estesa al pubblico televisivo, che si conclude con il coro del Nabucco ed il brindisi della Traviata di Giuseppe Verdi. Protagonisti di questa edizione il giovane Maestro inglese Daniel Harding alla testa dell’Orchestra della Fenice, gradito ritorno dopo il concerto del 2010/11, il soprano Maria Agresta, di recente applaudita in Simon Boccanegra proprio su questo palcoscenico, e l’atteso tenore Matthew Polenzani.

La prima sezione è dedicata a Beethoven con una ouverture che celebra guarda caso proprio il teatro, Die Weihe des Hauses (la consacrazione della casa, qui intesa come teatro), ove viene sottolineata proprio la quasi sacralità dell’avvenimento per cui fu eseguita in primis nel 1822, ossia la riapertura dello Joseph-stadt Theater di Vienna. Ed è soprattutto questo carattere di ‘solennità’ profana che affiora dall’esecuzione dell’orchestra per questo lavoro, già nelle prime battute e persistente per tutto il pezzo. La Sinfonia n.8 in fa maggiore, precedente di circa dieci anni, è considerata da molti come un ritorno al settecento di cui piuttosto ne è un elaborato sviluppo se non addirittura una parodia, per la giocosità dei temi, la leggerezza che se ne esala e la sua irresistibile ballabilità. Il Maestro Harding guida le varie sezioni con morbidezza e gesto delicato, da cui deriva un suono raffinato e ricco. In questo caso è parso però che la partitura potesse essere ulteriormente ‘masticata’ per coglierne a pieno carattere e dinamicità.

Con Rossini e la sinfonia deLa gazza ladra si cambia decisamente registro: dopo l’introduzione aperta dai tamburi dal tono piuttosto imperioso, quasi una sottolineatura delle singole note ad esaltarne la componente maestosa, si passa ad un tocco di leggerezza ed un impeto brioso che arricchiscono l’impasto di insieme fino allo sfociare nel crescendo finale. L’orchestra trova nuova linfa e sembra decollare nelle mani del direttore.

Breve intermezzo potremmo definire ‘D’immenso giubilo’ eseguito dal coro feniciano, tratto da un momento di apparente felicità in un’opera marcatamente fosca e drammatica quale Lucia di Lammermoor, che sancisce il passaggio verso la parte cantata dagli interpreti solisti.

Con Puccini e la conclusione del primo atto de ‘La bohème’ si entra nel vivo del concerto. Matthew Polenzani esordisce con ‘Che gelida manina’: la sua è una voce salda e sa imprimere degna espressività al canto. Maria Agresta dà il meglio di sé con il classico ‘Mi chiamano Mimì’: il suo strumento si fa morbido, il fraseggio impeccabile e l’interpretazione sentita fin quasi alle lacrime. Il duetto ‘O soave fanciulla’ chiude il momento idilliaco con il consueto sparire della coppia tra le quinte. Ed è qui in particolare che l’orchestra si è resa protagonista ed al tempo stesso perfetta cornice per i solisti, creando sonorità vellutate e offrendo colori molteplici, sottolineando pause, dosando con intelligenza i crescendo, come se il respiro dei cantanti fosse all’unisono con il direttore.

Per la sezione dedicata a Verdi, quasi un divertissement per il soprano Agresta la sua ‘Sempre libera’ da La Traviata, per l’occasione dal ritmo particolarmente serrato, come a sottolineare il vortice di pensieri che affollano la mente della giovane festaiola.

Polenzani imprime invece gravità e sentimento alla sua ‘Quando le sere, al placido’ dalla Luisa Miller.

Momenti di deliziosa esaltazione orchestrale con il Boogie-woogie di Nino Rota da Napoli Milionaria, un omaggio ad Eduardo De Filippo, ed il Can-can della Danza delle ore dalla Gioconda di Ponchielli. Il suono si fa scintillante e carico di vitalità, l’orchestra è coinvolgente.

E balzando da un’epoca e l’altra non potevano mancare i due ‘mast’ del concerto, come detto ‘Va pensiero’, cui va reso merito a coro ed orchestra per la particolare leggerezza con cui è stato eseguito, ed il brindisi della Traviata con i solisti, bissato a furor di una platea parecchio festosa e soddisfatta.

Maria Teresa Giovagnoli

PROGRAMMA

Ludwig van Beethoven
Die Weihe des Hauses
Ouverture, op. 124

Sinfonia n.8 in fa maggiore op. 93

****************************

Gioachino Rossini
La gazza ladra: Sinfonia

Gaetano Donizetti
Lucia di Lammermoor: «D’immenso giubilo»

Giacomo Puccini
La Bohème: «Che gelida manina» - «Mi chiamano Mimì» - «O soave fanciulla»

Nino Rota
Napoli Milionaria: Boogie-woogie

Amilcare Ponchielli
La Gioconda: Can-can dalla Danza delle ore

Giuseppe Verdi
Luisa Miller: «Quando le sere, al placido»
La traviata: «Sempre libera degg’io»
Nabucco: «Va’ pensiero sull’ali dorate»
La traviata: «Libiam ne’ lieti calici»

direttore          Daniel Harding

soprano           Maria Agresta

tenore Matthew Polenzani

Orchestra e Coro del Teatro La Fenice

Maestro del Coro Claudio Marino Moretti

FOTO MICHELE CROSERA

METROPOLITAN OPERA THEATRE HANSEL AND GRETEL E. Humperdinck traduzione inglese del libretto originario di A. Wette a cura di David Poutney, martedì 30 dicembre 2014

Giovedì, 01 Gennaio 2015
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" When past bearing is our grief,

Then 'tis Heaven will send relief ! "

Appuntamento tradizionale delle festività natalizie assieme al balletto The Nutcracker, Hansel And Gretel è approdato al Metropolitan nel nuovo allestimento di Richard Jones proveniente dalla Welsh National Opera e Lyric Opera of Chicago, andando a sostituire la vetusta messinscena del 1967 data per piu di 200 rappresentazioni nel corso degli anni con protagonisti del calibro di Teresa Stratas, Judith Blegen, Tatyana Troyanos, Federica Von Stade solo per citarne alcuni tra i più gloriosi.

Il capolavoro musicale di Humperdinck è un lavoro di un compositore vissuto sempre all'ombra creativa di Richard Wagner.

Ma si direbbe che il wagnerismo qui rappresenti un limite negativo, per quel tanto di carico e di pesante che turba non poco la fiabesca ingenuità della storia, si pensi ad esempio al massiccio accompagnamento musicale nella scena della rottura della brocca di latte al primo atto o ancora di più alla cavalcata delle streghe che apre il secondo atto, imitazione spettacolare della più famosa Cavalcata delle Walkirie.

La personalità di Humperdinck si rivela infatti più genuina, proprio la dove il debito verso Wagner è sconnesso dalla diversità del suo atteggiamento spirituale verso il problema dell'opera, rivelando un insieme di piccoli Lieder di origine popolare che entrano in funzione di caratterizzazione delle singole scene, ma lontani anni luce dalla complessa tecnica del ricorso tematico utilizzata da Wagner.

La regia pensata da Richard Jones, coadiuvato per le scene e i costumi da John Macfarlane e per le luci da Jennifer Tripton, si inserisce nel solco di quelle messinscene innovative ma non disturbative.

Trasportando la messinscena in un passato molto recente dalla nostra epoca, presumibilmente gli anni del secondo dopoguerra, la casa del creatore di scope originaria del primo atto si trasforma in una claustrofobica stanzetta di una casa del Midwest americano realizzata riducendo l'enorme boccascena del teatro neworkese di due terzi. Il bosco del secondo atto è ambientato in una casa diroccata abitata da creature fantastiche, uomini albero, cuochi obesi che soddisfano la cronica mancanza di cibo dei due fratelli coadiuvati da un camerieresalmone e dove il buono Sandman è un mostro vecchio e rugoso e la Fata della rugiada una lavapiatti che pulisce tutto. La casa della strega del terzo atto assomiglia più ad un laboratorio mostruoso di un serial killer piuttosto che alla candida casetta di marzapane.

I due fratelli si comportano come due discoli della loro epoca, accennano passi di Boogie Woogie nella scena della danza del primo atto, si tirano i capelli e si azzuffano clamorosamente, rompendo la brocca del latte, unico sostentamento della povera famiglia, mandando su tutte le furie una madre psicologicamente fragilissima che non vede altra via di fuga alla loro misera condizione se non quella di suicidarsi ingerendo un flacone intero di pillole.

Proposito fallito miracolosamente dall'arrivo del padre, vestito con una salopette da meccanico, che portando una sacca piena di viveri, trasforma la madre in una bulimica macchina ingerente, la quale puntualmente vomiterà il tutto nel momento in cui il padre accenna ai pericoli che corrono i due figli lasciati soli nel bosco.

Insomma una messinscena originale ma non clamorosamente innovativa, tutta giocata sulla ricerca della perfezione del particolare e su una maniacale cura nei movimenti scenici piuttosto che su una gratuita e scontata dissacralità tanto di moda ultimamente.

Il cast scelto dal Met si piega alla perfezione metronomica indicata dal regista, non risparmiandosi un momento.

I due fratelli Hansel ( una vocalmente perfetta Christine Rice dalla maschia voce contraltile e dai fiati lunghissimi) e Gretel (la chiarissima voce di Aleksandra Kurzak è dotata di un carico vocale di tutto rispetto ma perennemente imprecisa nel settore acuto della sua parte) sudano parecchio nel danzare, azzuffarsi, lottare, preparare dolci nella casa della strega.

Il padre Peter ( un vocalmente debole Dwayne Croft) e la madre Gertrude ( una scenicamente bravissima e vocalmente perfetta Michaela Martens) creano la perfetta coppia scoppiata americana tutta sorrisi di fronte e pugnalate alle spalle.

La ricorrente scelta infelice di far interpretare la strega Marzapane ad una voce maschile, dimostra tutti i limiti del caso non solo antropologici (una strega uomo crea confusione...) ma soprattutto vocali, essendo la parte scritta da Humperdinck per voce femminile.

Robert Brubaker cavalca i salti di ottava, i trilli e tutte le girandole vocali scritte da Humperdinck per un mezzosoprano con baldanzosa precisione ma evidente affanno, risultando più convincente scenicamente che vocalmente.

Molto bene nelle loro brevi ma bellissime parti Carolyn Sproule nel ruolo del Nano Sabbiolino e Ying Fang in quella della Fata Rugiada.

Sul podio Sir Andrew Nelson, trova i momenti più felici nella prima parte dello spettacolo e in generale nei momenti in cui dominano la componente patetica e la invenzione melodica, mentre le scene del terzo atto che vedono coinvolta la strega avrebbero richiesto una più precisa incisività, verve e precisione da parte di quell'ottimo concertatore quale Nelson è.

Bravissimo il coro di voci bianche del Metropolitan diretto da Anthony Piccolo.

Successo calorosissimo per tutti da parte di un teatro strapieno di bambini di tutte le età, letteralmente stregati dalla musica di Humperdinck e dalla messinscena di Macfarlane.

Pierluigi Guadagni

LA PRODUZIONE

Direttore d’orchestra Sir Andrew Davis

Regia Richard Jones

Set & Costume Designer John Macfarlane

Luci Jennifer Tipton

Coreografia Linda Dobell

Traduzione David Pountney

GLI INTERPRETI

Gretel Aleksandra Kurzak

Hansel Christine Rice

Gertrude Michaela Martens

Strega Robert Brubaker

Peter Dwayne Croft

ORCHESTRA E CORO METROPOLITAN HOUSE DI NEW YORK

FOTO METROPOLITAN OPERA HOUSE

RIVALS. I RIVALI DI FARINELLI, CONCERTO DI DAVID HANSEN CON ACADEMIA MONTIS REGALIS – TEATRO VERDI DI PORDENONE, giovedì 18 dicembre 2014

Venerdì, 19 Dicembre 2014
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Capita a volte di trascorrere serate particolarmente suggestive grazie all’intelligenza ed all’acume artistico di chi le organizza. Questa volta dobbiamo ringraziare il Teatro Giuseppe Verdi di Pordenone, che a pochi giorni dall’inizio delle festività natalizie ha offerto una serata diversa da ciò che ci si aspetterebbe comunemente in questo periodo. Con un ospite di fama internazionale, il grande controtenore David Hansen, in un concerto dedicato all’epoca del famoso Carlo Maria Michelangelo Nicola Broschi, alias Farinelli, ed i suoi contemporanei, e grazie all’accompagnamento del meraviglioso ensemble Academia Montis Regalis, abbiamo potuto ascoltare una selezione delle arie più celebri del repertorio operistico barocco, alternate all’esecuzione di quattro concerti di Antonio Vivaldi, per un susseguirsi di emozioni sempre crescenti.

Lo splendido suono degli strumenti d’epoca e soprattutto la perizia tecnica degli esecutori hanno reso possibile riascoltare un repertorio fin troppo spesso trascurato dai grandi enti musicali e che invece a nostro avviso sarebbe capace di infiammare le platee esattamente come faceva tra seicento e settecento.

Se il Concerto in sol maggiore RV 151 "Alla rustica" per archi e continuodi Vivaldi, con i suoi nemmeno cinque minuti di durata complessiva, ha costituito una specie di intro perfettamente studiato per trasportarci alle suggestioni della serata, è stato subito una sferzata di energia il Concerto in do maggiore RV 443 per flautino archi e continuo, ove il suono del piccolo strumento ipnotizza quasi l’ascoltatore, tale è la difficoltà esecutiva del pezzo, capace di evocare immagini fiabesche di tempi arcaici, passando dall’Allegro al Largo, per poi sfociare in uno sfavillante e mozzafiato Allegro molto. Così si sono susseguiti anche il Concerto in sol maggiore RV 149 per archi e continuo ed il Concerto in do minore RV 401 per violoncello, archi e continuo, sempre eseguiti con la stessa perfezione e gran classe, grazie alla direzione sicura e fortemente ispirata del direttore principale, il Maestro Alessandro De Marchi. Il suono è limpido, precisi sono gli attacchi, pulite risultano le sonorità che danno così vita a ricchezza espressiva ed armonia generale.

Quasi un biglietto da visita coi fiocchi l’aria con cui entra in scena Hansen, ‘Se in fiorito…’ dal Giulio Cesare di Georg Friedrich Händel, ove l’interprete mostra immediatamente quanto sa e soprattutto può giocare con la sua voce straordinariamente duttile, capace di scavare nel registro profondamente grave per poi saltare alle note sopra il rigo, emesse come punte di diamante sfiorate dalle sue corde, che scagliano saette ora di morbido velluto, ora di pura seta. L’interprete fa suo il palcoscenico, dialoga con il violino, intona un fischiettio, è dunque altresì un consumato attore.

Languida ed intensa è invece ‘In te, sposa Griselda... Cara sposa’ dalla Griselda di Antonio Maria Bononcini, ove maggiore è il lirismo e l’interpretazione diventa più sentita ed accorata, soprattutto se proveniente dal registro più grave, cosa evidente anche nella bellissima e lunghissima ‘Taci, o di morte’da Il Medo di Leonardo Vinci, mentre in ‘Sento due fiamme in petto’ dalla stessa opera i suoni più acuti si fanno morbidi ed elegiaci. Con ‘Risveglia lo sdegno’ dall’Alessandro, Hansen ritorna a cavalcare tra i due registri con scale ascendenti e discendenti superate in scioltezza e con il solito brio, così come nel finale dall’Ariodante di Händel , ‘Dopo notte’.

Ripetute ed acclamate chiamate alla ribalta, premiate dal bis dell’aria dal Giulio Cesare, con tanto di aggiunta natalizia sulle variazioni intonando ‘We wish you a merry Christmas’ e ‘Stille Nacht’, con secondo bis di ‘Sento due fiamme..’.

Splendida serata, successo meritatissimo per tutti.

Maria Teresa Giovagnoli

ACADEMIA MONTIS REGALIS

Direttore Alessandro De Marchi

Controtenore David Hansen

Foto Tonje Thilesen

CONCERTO DEGLI AUGURI DI NATALE DI VERONA LIRICA – TEATRO FILARMONICO DI VERONA, domenica 14 dicembre 2014

Lunedì, 15 Dicembre 2014
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Come ogni anno nel periodo natalizio l’Associazione Verona Lirica affianca al piacere della buona musica l’attenzione per il sociale, dedicando il concerto degli auguri ad un ente benefico. Questa volta la somma raccolta tra il pubblico sarà devoluta alla AOI Onlus, Associazione Oncologica Italiana Mutilati della Voce.

Proprio come nel dicembre dell’anno scorso, ad accompagnare le performance dei quattro artisti presenti, non solo la straordinaria Patrizia Quarta al piano, ormai una indiscussa certezza per l’Associazione lirica, ma anche il Quartetto d’archi dell’Arena di Veronacomposto da Gunther Sanin e Vincenzo Quaranta al violino, Luca Pozza alla viola e Sara Airoldi al violoncello. Sono tornati ad esibirsi ieri per Verona Lirica anche tre dei protagonisti del concerto: il soprano Hui He, protagonista di un evento che l’ha vista ricevere un importante riconoscimento alla carriera ad inizio anno 2013, cui era presente pure il secondo ritorno, il basso Seung Pil Choi, ed il mezzosoprano Elena Gabouri, anch’essa tra i protagonisti del concerto natalizio dello stesso anno. New entry il tenore George Oniani.

Tra i momenti più emozionanti del pomeriggio musicale citiamo l’esecuzione dello splendido duetto da La Gioconda di Ponchielli ‘E’ un anatema’, con Hui He ed Elena Gabouri che hanno infiammato il palcoscenico con l’energia ed il calore delle loro voci; inoltre la terzina di arie dal Don Carlo di Verdi: l’appassionata e triste aria di Filippo II ‘Ella giammai m’amò’con un Seung Pil Choi molto coinvolto, la struggente ‘Tu che le vanità’eseguita da Hui He che, coadiuvata anche dal Quartetto d’archi, in questa particolare aria è stata capace di offrire sfumature e colori carichi di gran pathos, ed infine la divertente canzone della Principessa Eboli ‘Nel giardino del bello Saracin’, cantata con spensieratezza e giocando sulle agilità.

Inoltre ha ottenuto grande consenso il tenore George Oniani sia con l'altra amatissima aria da La Gioconda: ‘Cielo e mar!’, che con la meravigliosa ‘Un di’ all’azzurro spazio’ dall’ Andrea Chénier di Giordano.

Altri momenti da ricordare sono stati la Fantasia di Antonio Melchiori tratta dal Trovatore di Verdi ad opera del Quartetto, che con l’inserimento del piano di Patrizia Quarta ed Elena Gabouri hanno offerto una energica‘Stride la vampa’; inoltre il mezzosoprano ha interpretato la Principessa di Bouillon con ‘Acerba voluttà’ da Adriana Lecouvreur di Cilea e la difficile aria da La Pulzella d'Orléans (Orleanskaja Deva) di Čajkovskij ‘Addio mia foresta’.

Doppio duetto del soprano Hui He con il tenore George Oniani: il lungo finale del primo atto di Madama Butterfly e lo struggente ‘Tu, tu, amore?’ tratto da Manon Lescaut di Puccini. Il soprano ha emozionato inoltre con la dolce ‘Ebben ne andrò lontana’ da La Wally di Catalani. Infine ricordiamo che il basso Seung Pil Choi ha cantato anche dal Simon Boccanegra di Verdi ‘ Il Lacerato spirito’.

A condurre come di consueto Davide Da Como.

Grandi applausi calorosi per gli interpreti e gli strumentisti. Con le targhe ricordo per tutti i protagonisti e gli auguri del team direttivo, l’appuntamento è fissato per il mese prossimo con la musica di Verona Lirica.

Maria Teresa Giovagnoli

LUCIA DI LAMMERMOOR, G. DONIZETTI - TEATRO FILARMONICO DI VERONA, sabato 13 dicembre 2014.

Domenica, 14 Dicembre 2014
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Con un bel successo di pubblico si alza il sipario anche sulla stagione lirica del Filarmonico di Verona per una produzione di Lucia di Lammermoor che arriva dal Teatro Bellini di Catania.

Il regista Guglielmo Ferroricopre lo spettacolo di una estrema vena lugubre, ove lo spettro della morte aleggia sui protagonisti sin dalle prime scene: il buio regna sovrano, i costumi di Françoise Raybaudsono principalmente neri, come nero è l’abito che indossa Lucia per le nozze; neri sono i fondali, ove si proiettano le immagini di Massimiliano Pace, che alternano scorci naturalistici ad elementi architettonici; scure sono le luci curate da Bruno Ciullie ridotti al minimo sono gli elementi scenici ideati da Stefano Pace. Seguendo dunque questa atmosfera generale quasi dimessa ed estremamente intimistica, i personaggi in scena sono lasciati molto liberi di interpretare e conseguentemente di agire.

La compagnia di canto ha registrato un vero e proprio trionfo per la coppia Lungu/Pretti impegnati nei ruoli principali.

Nel ruolo del titolo debutta Irina Lunguche conferma di avere una voce dalla pasta morbida, ben sostenuta dal fiato e dall’ottimo volume. La sua vocalità risulta vincente nei passaggi prettamente lirici, meno spontanee le impervie agilità, così come dal punto di vista interpretativo potrebbe sfruttare maggiormente la libertà lasciata dal regista. Ha comunque dato tanto di se stessa al personaggio, sì da raccogliere applausi prolungati ed entusiastici per la attesissima scena della pazzia.

Edgardo è un ispiratissimo Piero Pretti. Il suo canto di cuore ed energia è sostenuto da una bella voce molto aperta che si lancia sicura in acuto e proiettata in avanti. Si cala nel personaggio con consapevolezza e sentimento, raggiungendo il culmine in ‘Tombe degli avi miei’ con una scena finale che suggella una performance di successo.

Molto interessante il timbro di Marco Di Felice; il baritono è un Enrico assai espressivo che utilizza al meglio la libertà lasciata dalla regia risolvendo anche vocalmente il ruolo con sicurezza ed offrendo un buon fraseggio.

Sufficiente ci è parso il Raimondo di Sim Insung, mentre a completare il cast sono l’Arturo di Alessandro Scotto di Luzio, la buona Alisa di Elisa Balbo ed il Normanno di Francesco Pittari.

Ottima la prova del coro, posto quasi sempre in formazione a schiera, preparato dal Maestro Salvo Sgrò.

Infine l’orchestra ha visto impegnato alla guida il Maestro Fabrizio Maria Carminati, che ha offerto una conduzione attenta e dinamica della partitura. Il suono è bilanciato tra le sezioni, si arricchisce di sfumature morbide nell’accompagnare i momenti lirici, così come coglie il pathos nel dramma, ponendosi al servizio degli interpreti e soprattutto della partitura. Piccola pausa per lo spezzarsi della corda dell’arpa in procinto di suonare l' assolo che introduce Lucia, prontamente sostituita tra gli applausi del pubblico.

Come detto grande successo per tutti gli interpreti, in special modo per i protagonisti principali ed anche il direttore Carminati.

Maria Teresa Giovagnoli

LA PRODUZIONE

Direttore	*Fabrizio Maria Carminati*
Regia	*Guglielmo Ferro*
Scene	*Stefano Pace*
Costumi	*Françoise Raybaud*
Video maker	*Massimiliano Pace*
Luci	*Bruno Ciulli*

Direttore del coro Salvo Sgrò

GLI INTERPRETI

Enrico	*Marco Di Felice*
Lucia	*Irina Lungu*
Edgardo	*Piero Pretti*
Arturo	*Alessandro Scotto di Luzio*
Raimondo	*Sim Insung*
Alisa	*Elisa Balbo*
Normanno	*Francesco Pittari*

ORCHESTRA, CORO E TECNICI DELL’ARENA DI VERONA

Allestimento del Teatro Massimo Bellini di Catania

Foto Ennevi per gentile concessione della Fondazione Arena di Verona

LA TRAVIATA, G. VERDI – GRAN TEATRO LA FENICE DI VENEZIA, domenica 7 dicembre 2014

Lunedì, 08 Dicembre 2014
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Cento recite e dieci anni dalla prima rappresentazione della Traviata targata Robert Carsen sono un traguardo che la Fenice di Venezia ha voluto festeggiare con la doppia inaugurazione di stagione d’opera, dopo il fortunatissimo Simon Boccanegra, con relativo taglio di torta il giorno della prima.

Siamo stati all’ultima replica e nonostante gli anni passino questo allestimento appare sempre fresco ed attuale, sì da ottenere ogni volta un intramontabile successo di pubblico.

Il regista non nasconde, anzi sottolinea più volte il ‘mestiere’ della protagonista, ora con uomini che le ronzano intorno porgendole denaro, ora rendendo il denaro stesso protagonista in scena con banconote che volteggiano nell’aria. Vita effimera quella di Violetta, caduca come le foglie degli alberi che invadono il suolo nel secondo atto, e come le stesse banconote, che rendono felici solo per un momento, ma non sono in grado di curare il male profondo che inesorabile tronca la vita della bella parigina. Naturalmente la scenografia di Patrick Kinmonth , che firma anche i bellissimi e sgargianti costumi, si rende al servizio del regista, alternando ambienti ricchi e colorati con altri essenziali che sottolineano l’alternanza delle fortune dei protagonisti ed anche dei loro stati d’animo. La stanza cadente e spoglia dell’ultimo atto testimonia quanto ormai il vuoto circondi la sventurata sia materialmente che interiormente, senza più la speranza di ‘un avvenire migliore’.

Tra i must di questo allestimento vi sono i balletti in stile cowboy sexy per la festa di Flora, che possono non piacere a tutti, ma noi troviamo sempre divertenti e soprattutto in linea con quanto Carsen vuole rappresentare: l’alternanza appunto di gioia e follie, col dolore che immediatamente segue.

Un allestimento così denso necessita di un cast di grandi capacità attoriali che completino la preparazione musicale. Luci ed ombre sull’edizione di quest’anno.

Francesca Dotto è stata una Violetta di sensibilità particolare. Il giovanissimo soprano ha una linea di canto uniforme e una voce dal colore gradevolissimo che siamo sicuri le porteranno questo ruolo sempre più in gola ed anche nel cuore, sì da offrirne ancor più le complesse sfaccettature. Già nella scena della lettera di Germont la sua voce è parsa ‘sentire’ e soffrire come Violetta. Per lei un vero trionfo a fine rappresentazione.

Non colpisce particolarmente l’Alfredo di Leonardo Cortellazzi che precedentemente si è fatto apprezzare in altro repertorio. In questo ruolo sembra soffrire i volumi dell’orchestra e non ci è parso entrare completamente nel personaggio.

Discreta la prova di papà Germont, alias Marco Caria, baritono dalla voce piuttosto ampia e dal ricco colore.

Tra i ruoli di contorno Elisabetta Martorana è stata una Flora di spirito, Annina era Sabrina Vianello, Francesco Milanese il premuroso e compassato Dr Grenvil, Matteo Ferrara, Armando Gabba e Massimiliano Chiarolla erano rispettivamente il Marchese d’Obigny, il Barone Douphol e Gastone.

Come sempre ottima la prova del coro affidato a Claudio Marino Moretti e fantastico il corpo di ballo.

Alla testa dell’orchestra veneziana c’era il direttore principale Diego Matheuz. Conoscendo il talento del Maestro sudamericano ed avendolo già sentito in altre occasioni, ci aspettavamo, dopo diverse edizioni, una maturazione ed un approfondimento nella gestione di una tale colosso musicale. Purtroppo la sensazione di insieme è quella di un appiattimento dei colori e soprattutto delle dinamiche, che non collimavano con gli eventi in scena e talvolta apparivano generare un difficile dialogo con gli interpreti.

Sala gremita anche per questa serata e pubblico plaudente per tutti, soprattutto per i tre protagonisti principali.

Maria Teresa Giovagnoli

LA PRODUZIONE

Direttore Diego Matheuz
Regia Robert Carsen
Scene e

Costumi Patrick Kinmonth
Maestro

del Coro Claudio Marino Moretti

GLI INTERPRETI

Violetta          Francesca Dotto
Alfredo          Leonardo Cortellazzi
Germont        Marco Caria
Flora              Elisabetta Martorana
Annina           Sabrina Vianello
Gastone         Massimiliano Chiarolla
Barone           Armando Gabba

Douphol
Marchese Matteo Ferrara

d’Obigny
Dottor Francesco Milanese

Grenvil

Orchestra e Coro del Teatro La Fenice

Allestimento Fondazione Teatro La Fenice

Foto Michele Crosera

LADY MACBETH DEL DISTRETTO DI MCENSK, DMITRIJ DMITRIEVIČ ŠOSTAKOVIČ - TEATRO COMUNALE DI BOLOGNA, giovedì 4 dicembre 2014

Venerdì, 05 Dicembre 2014
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Chiusura della stagione operistica 2014 al Teatro Comunale di Bologna con un titolo tanto raro quanto a nostro avviso straordinario e da apprezzare in tutte le sue sfaccettature. L'opera ‘Lady Macbeth’ di Šostakovič viene proposta nel brillante allestimento del teatro moscovita Helikon, con uno spettacolo veramente ricco, avvincente, dal ritmo serrato, che va goduto tutto d’un fiato e pieno di colpi di scena e trovate interessanti, tali da esemplificare il libretto ed incorniciare la trama senza prevaricarla. Qui tutto è visibile, palpabile, non simbolico, ma portato davanti ai nostri occhi come uno schiaffo che ci rende consapevoli.

Così Dmitry Bertman concepisce una ambientazione, concretizzata dalle scene di Igor' Neznyj, in cui l’annoiata Katerina è letteralmente imprigionata nella sua gabbia/camera da letto, di cui solo il ruspante Sergej riesce a forzare i lucchetti e la casa stessa non è altro che il buio e soffocante sotterraneo di una fabbrica con i suoi tubi, le inferriate e gli aeratori che vanno a tutta forza. Il regista ci mostra i protagonisti sovrastati dagli eventi che non lasciano tregua: il doppio omicidio, la festa di nozze, l’arresto e la deportazione verso la Siberia ed ancora il doppio omicidio/suicidio nel finale.

Katerina è esageratamente annoiata e desiderosa fino all’inverosimile di riempire il vuoto che ha nel cuore, tanto da risultare quasi insaziabile: vuole vivere liberamente, vorrebbe non aver sposato il mercante, vuole l’amore fisico e sentimentale e vorrebbe anche un figlio, tanto che a questi penserà, evocandolo (tenendo in braccio un bambolotto), sulla via per la Siberia, sola e senza più l’amore di Sergej. Il mercante Zinovij sembra un povero sciocco succube del padre, uomo a sua volta estremamente burbero e fiero carceriere, nonché egli stesso aspirante seduttore, della protagonista. Incredibilmente sicuro di sé è il servo Sergej, a cui pare nessuna possa resistere. Ed anche la folta schiera di personaggi minori sfila in scena esaltando e quasi ridicolizzando il suo ruolo: su tutti citiamo il pope dall’aria più ubriaca che mistica, la cuoca vessata dai servitori più compiaciuta che ferita, il contadino così ubriaco da ‘inforcare’ un microfono per allietare la festa di nozze dei due amanti con la sua filastrocca. Tra gli spunti vincenti dello spettacolo su tutti vi è l’ingresso della deportata Sonetka, che appare in scena come immagine della Katerina ancora ricca ed oziosa nei suoi lussuosi abiti, mentre essa è ormai delirante ed in preda ai ricordi, che però non muore suicida in fondo al lago nel trascinar la rivale, bensì scompare ai nostri occhi intenta a lottare con lei al calare del sipario.

Insomma questa Lady Makbeth fa riflettere, emozionare e stupire.

Il cast è stato vestito con gusto dagli abiti contemporanei di Tat'jana Tulub'eva, ove spicca naturalmente il rosso della protagonista all'inizio e del suo alter-ego/rivale per sottolinearne la nota sensualità.

Dal punto di vista musicale, un cast tutto sovietico ha nobilitato ogni singolo ruolo cantando in modo eccellente.

La Katerina di Elena Mikhailenkoè brillante e si fregia di una voce piena e squillante al punto giusto. Il suo registro è coperto con uniformità in tutta la gamma, sì da consentirle di donare forza e carattere anche al personaggio rendendolo esattamente come il regista lo ha concepito. Ovazioni più che meritate al suo indirizzo al termine della rappresentazione.

Straordinario il vecchio e turpe Boris di Alexey Tikhomirov: bello e tenebroso il suo timbro vocale come lo è il suo personaggio. Tra il nostalgico dei tempi che furono e la voglia di aggrapparvisi usando la forza ed il potere, centra un performance di alto livello, comparendo anche nel piccolo ruolo di sentinella.

Giustamente imbelle e succube del genitore Dmitry Ponomarev sicuro nell’emissione e nel recitato.

Il bel Sergej è Ilya Govzich: spocchioso, furbo ed incantatore, molto abile come interprete che sa farsi valere anche vocalmente, pur se non dotato di uno strumento particolarmente possente.

Davvero affascinante la voce di Larisa Kostyuk, interprete di Sonetka: dotata di un corpo centrale pieno e rotondo; rende al meglio il suo personaggio con sicurezza di emissione in una gran ricchezza di sfumature. Ci piacerebbe sentirla in altri ruoli ben più noti ove sicuramente farebbe un’ ottima figura.

Segnaliamo tra i tantissimi comprimari la spigliata cuoca Maya Barkovskaya, il bravo pope di Stanislav Shvets, anche come vecchio forzato; il simpatico Nikhail Seryshevcome contadino cencioso con la sua filastrocca.

Infine completano il ricchissimo cast, ribadiamo in modo corretto e davvero brillante: Alexandr Miminoshvili, poliziotto e sergente, Artem Davjdov come ubriacone, cocchiere e bracciante, Valery Kirianov come operaio del mulino; il guardiano e venditore di Andrey Orekhov; Andrey Palamarchuk, insegnante e commesso, ed il terzo commesso, Alexey Vertogradov.

Ottima la preparazione del coro diretto da Andrea Faidutti, che oltre ad offrire un buon canto, ha mostrato notevole impegno nel prendere parte ad una regia così dinamica.

L’orchestra conferma di essere in grandissima forma, stavolta guidata dal Maestro Vladimir Ponkin, per niente intimorita dalle difficoltà della partitura, ma anzi in grado di sottolinearne ogni singola sfumatura. La musica è vibrante, viva, irrefrenabile. Giustizia è resa allo spartito, che vede colori diversi a sottolineare talvolta l’ironia degli eventi, talvolta la dinamicità insita nel dramma. Il Maestro non perde di vista il palco, accompagna gli interpreti e sottolinea i diversi cambi di ritmo con naturalezza e fluidità.

L’unica nota negativa della serata è rappresentata dalla scarsa affluenza di pubblico, soprattutto di abbonati, che ha lasciato diverse sezioni della platea e dei palchi vuoti, a dimostrazione che nel nostro paese proporre opere diverse, se pur capolavori, non è cosa apprezzata e compresa. A queste persone va tutto il nostro dispiacere per aver perso davvero uno spettacolo notevole. Diversamente, i presenti in sala hanno tributato applausi calorosi e prolungati, anche a ritmo, a tutti i protagonisti ed al direttore d’orchestra.

Maria Teresa Giovagnoli

LA PRODUZIONE Direttore	*Vladimir Ponkin*
Regia	*Dmitry Bertman*
Maestro del Coro	*Andrea Faidutti*
Scene	*Igor' Neznyj*
Costumi	*Tat'jana Tulub'eva*

GLI INTERPRETI

Katerina L'vovna Izmailova	*Elena Mikhailenko*
Boris Timofeevich Izmailov /sentinella	*Alexey Tikhomirov*
Zinovij Borisovich Izmailov	*Dmitry Ponomarev*
Sergej	*Ilya Govzich*
Un poliziotto, Un sergente	*Alexandr Miminoshvili*
Aksin'ja, cuoca	*Maya Barkovskaya*
Un contadino cencioso	*Nikhail Seryshev*
Sonetka	*Larisa Kostyuk*
Un prete, Un vecchio forzato	*Stanislav Shvets*
Un operario del mulino	*Valery Kirianov*
Un guardiano/Un venditore	*Andrey Orekhov*
Un insegnante/Il secondo commesso	*Andrey Palamarchuk*
Un ospite ubriaco/Un cocchiere/Il primo commesso	*Artem Davjdov*
Il terzo commesso	*Alexey Vertogradov*

Orchestra, Coro e Tecnici del Teatro Comunale di Bologna
Allestimento Teatro Helikon Mosca

Foto: Rocco Casaluci; Teatro Comunale di Bologna

SIMON BOCCANEGRA, G. VERDI – GRAN TEATRO LA FENICE DI VENEZIA, inaugurazione stagione lirica, sabato 22 novembre 2014

Domenica, 23 Novembre 2014
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Con una doppia inaugurazione il Teatro La Fenice di Venezia apre la stagione d’opera 2014-15 presentando una nuova produzione di Simon Boccanegra affiancata dal fortunato e noto allestimento di Traviata; due opere di Verdi che hanno visto la luce proprio in questo teatro, scelte apposta per una festa in grande stile. Il ‘Simone’ andato in scena ieri sera reca la firma del regista Andrea De Rosa, il cui scopo è quello di rendere fruibile il più possibile non solo la trama del dramma, ma anche gli stati d’animo del grande protagonista.

Così la scena diviene in funzione del narrato e si trasforma man mano che gli eventi hanno corso, dal nero e vuoto più totale del prologo, ad una apertura visiva verso il futuro e la luce, pur nel tragico finale. Boccanegra difatti è inizialmente solo con il suo dolore per la perdita della donna amata, qui addirittura stretta esanime tra le braccia e non soltanto evocata. Crede di aver perso anche il frutto del suo amore ed inoltre ha lasciato il proprio compagno di sempre: il mare. Ora la vita da corsaro è lontana ed è come imprigionato nei palazzi del potere come Doge di Genova, con il mare sì vicino e sempre presente in scena, ma allo stesso tempo oscurato dalle architetture costruite ad arte per far solo intravvedere il paesaggio circostante. Volutamente claustrofobica è dunque la sensazione di insieme, studiata ad arte anche dalle luci piuttosto cupe di Pasquale Mari, altresì autore dei magnifici filmati girati in Liguria, che sono via via resi più visibili col trasformarsi delle strutture sul palco.

Così man mano che le agnizioni si susseguono, anche la scenografia pare aprirsi all’orizzonte, ben visibile nell'ultimo atto per l’estremo saluto al Doge. Qui il regista ha voluto che il fantasma di Maria ricomparisse sul palco per accogliere l’amato tra le braccia, ora in pace sapendo la figlia viva e felicemente innamorata, con il suo paese guidato dal nuovo Doge Gabriele.

Molto belli e curati i costumi di Alessandro Lai che richiamano lo stile trecentesco del libretto.

La versione rappresentata è quella rivista del 1881 per la Scala di Milano, con le modifiche di Boito al libretto di Piave. Molto felice l’esecuzione musicale da parte di una superlativa orchestra ed interpreti in forma.

Lasciateci iniziare proprio dalla magistrale conduzione di Myung-Whun Chung che ha offerto una prestazione orchestrale davvero impressionante. Il suono è corposo e limpido, straordinariamente in linea con il palco; la grande affinità con i musicisti è sottolineata da una immediata rispondenza tra gesto minimo ma significativo e risposta con accenti e colori stupefacenti. Sembra di ascoltare davvero le onde del mare in più punti che si rifraggono dolcemente o con forza a seconda del caso e i volumi sono perfettamente bilanciati tra le sezioni ed in accordo pieno con l’esecuzione canora. Ad ogni suo ingresso il teatro è letteralmente esploso in sua ovazione meritatissima.

Simon Boccanegra è un concentratissimo Simone Piazzola che ha offerto una esecuzione davvero sentita. Emerge uno studio approfondito del personaggio che afflitto dal suo dolore deve fare i conti con i doveri imposti dalla carica politica e con la sua moralità. A dar corpo all’interpretazione un’esecuzione sicura e sempre più convincente nell’arco di tutta la rappresentazione.

Maria Agresta è una Amelia di carattere, che vede cambiare la sua vita a causa delle sconvolgenti rivelazioni sulle sue origini ed è travolta dal grande amore che prova sia per il padre ritrovato che per il giovane Gabriele. Il soprano ha uno strumento vocale imponente e di sostanza che riempie la sala donando forza e sicurezza al suo ruolo.

Ancora una performance positiva per Francesco Meli come Gabriele, che conferma la sua capacità di calarsi con grinta e passione nei ruoli che interpreta, forte anche di una voce limpida ed incredibilmente musicale, dall’ottimo fraseggio e svettante in acuto.

Forte ed austero il Fiesco di Giacomo Prestia, sempre perfettamente nel ruolo con la sua voce di una profondità sconcertante che dona carattere e credibilità al personaggio nota dopo nota.

Il giovane Julian Kim comincia ad essere una bella conferma tra i baritoni della sua generazione: bello il colore della voce e molto intensa è la caratterizzazione del personaggio di Paolo: meschino, opportunista e senza scrupoli. Altra certezza del cast il bravissimo Luca Dall’Amicocome Pietro: anch’egli dotato di una voce straordinariamente profonda e ricca, corposa, capace di rendere giustizia anche ai ruoli più piccoli, sempre impersonati con tanta personalità.

Citiamo nel cast il capitano dei balestrieri di Roberto Menegazzo e l’ancella di Amelia, Francesca Poropat.

Ottima la prestazione del coro diretto come sempre da Claudio Marino Moretti.

Successo straripante per tutti gli interpreti con ovazioni per i protagonisti e grida di giubilo per Chung. Veramente un grande inizio di stagione!

Maria Teresa Giovagnoli

LA PRODUZIONE

Direttore                    Myung-Whun Chung

Regia e Scene            Andrea De Rosa

Costumi                     Alessandro Lai

Luci e Video              Pasquale Mari

GLI INTERPRETI

Simon Boccanegra    Simone Piazzola

Jacopo Fiesco            Giacomo Prestia

Paolo Albiani            Julian Kim

Pietro                         Luca Dall’Amico

Amelia Grimaldi       Maria Agresta

Gabriele Adorno      Francesco Meli

Orchestra e Coro del Teatro la Fenice
Maestro del Coro Claudio Marino Moretti

In coproduzione con Fondazione Teatro Carlo Felice di Genova

Foto Michele Crosera

BOHEME, GIACOMO PUCCINI – TEATRO FILARMONICO DI VERONA, giovedì 13 novembre 2014

Venerdì, 14 Novembre 2014
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Con la Bohème di Puccini si chiude la sezione invernale 2013/14 della stagione operistica a Verona. E per un classico come questo si è scelto di creare una ambientazione di garbato gusto tradizionale. Il regista Pier Francesco Maestrini ha immaginato infatti che la storia della celebre fioraia Mimì si svolgesse intorno alla fine del milleottocento, in pieno Impressionismo, poco più avanti rispetto al libretto di Illica e Giacosa, reputando il periodo particolarmente congeniale ad illustrare soprattutto visivamente la vita dei giovani bohémien. Carlo Saviha così allestito in tutto e per tutto le scene per i quattro quadri, arricchendole dei magnifici dipinti impressionisti che fungessero da sfondo, di cui le scene sul palco risultassero la naturale prosecuzione oppure una esemplificazione dei contenuti. Ecco dunque sfilare in apertura L’atelier di Jean Frédéric Bazille del 1870, un calzante richiamo alla soffitta dei nostri amici artisti, ove sono proprio ritratti il pittore con i suoi amici/colleghi, e via via i grandi capolavori di Manet, Van Gogh, Degas, Toulouse-Lautrec e così via. I costumi sempre ad opera di Savi sono perfettamente in linea con l’ambientazione e le luci di Paolo Mazzon ben si integrano con i colori di scene e dipinti.

La compagnia di canto è entrata subito in atmosfera: si tratta di giovani pimpanti che se pur poveri hanno tanta voglia di vivere e sognare; il regista li fa muovere tanto, li fa sobbalzare all’arrivo di Benoît, correre spesso da una parte all’altra del palco, fa perfino compiere allo scatenato Colline un bel volo attaccato alla corda della soffitta. Insomma lo spirito è vivo, l’entusiasmo tanto, e lo si è visto anche dal punto di vista esecutivo.

Jean François Borras entra a pieno titolo nel ruolo di Rodolfo, con grande espressività facilitata dalla sua voce chiara ed acuta. Il fraseggio è curato e la partecipazione massima, con ottimo feeling con la compagna in scena e tutti i suoi amici artisti.

L’interpretazione di Chiara Angellaè in linea col personaggio: una Mimì quasi sospesa fra le trame del suo destino, tra lampi di allegrezza e sospiri di incertezza. Così anche il suo canto si sviluppa in modo regolare, con la sua voce vellutata che sfoga in acuto senza strafare.

Spumeggiante la briosa Musetta di Daniela Bruera, dalla voce piena e rotonda, da cui abbiamo sentito dei morbidi pianissimo alternati ad acuti sicuri e possenti.

Fantastico Alessandro Luongocome Marcello. Il baritono conferma di possedere una voce brillante e molto espressiva, ricca di sfumature che gli consentono di affrontare il ruolo con personalità e carattere da vendere.

Altresì dinamico e baldanzoso il Colline di Marco Vinco, che forte della profondità del suo timbro può aggiungere anche un tono di umanità alla sua esecuzione ben addentro al ruolo e pertanto convincente.

Bene anche Francesco Vernacome Schaunard: voce piena e robusta che supporta una interpretazione sicura ed accorata.

Completano il cast il simpatico Salvatore Schiano di Cola come Parpignol, Valentino Perera e Nicolo' Rigano nei panni del Sargente dei doganieri e del Doganiere, l'Alcindoro di Pietro Toscano ed un davvero bravo e spigliato Davide Pelissero, alias il padrone di casa Benoît.

Bravi i piccoli del coro di voci bianche preparato da Paolo Facincani, buona la prova offerta dal coro di Andrea Cristofolini.

Condottiero valente dell’orchestra areniana il Maestro Jader Bignaminiè parso in gran spolvero. Questa partitura gli entra sempre più nel braccio, è sicuro nel tenere in mano le redini dell’orchestra, il cui suono si fa profondo ed ampio. Molto curati i dettagli, con sfumature atte a sottolineare gli eventi, grazie a cui le musica di Puccini risuona ricca ed incredibilmente viva.

La serata dedicata anche alle scuole ha riscosso molto successo, con applausi equamente distribuiti tra tutti i protagonisti ed il direttore d’orchestra.

Maria Teresa Giovagnoli

LA PRODUZIONE

Direttore d'orchestra	*Jader Bignamini*
Regia	*Pier Francesco Maestrini*
Lighting designer	*Paolo Mazzon*
Direttore allestimenti scenici	*Giuseppe De Filippi Venezia*
Scene e costumi	*Carlo Savi*
Coro voci bianche	*A.Li.Ve.*
Direttore voci bianche	*Paolo Facincani*

GLI INTERPRETI
Rodolfo	*Jean François Borras*
Schaunard	*Francesco Verna*
Benoît	*Davide Pelissero*
Mimì	*Chiara Angella*
Marcello	*Alessandro Luongo*
Colline	*Marco Vinco*
Alcindoro	*Pietro Toscano*
Musetta	*Daniela Bruera*
Parpignol	*Salvatore Schiano di Cola*
Sergente dei doganieri	*Valentino Perera*
Un doganiere	*Nicolo' Rigano*

Coro preparato dal M° Andrea Cristofolini

ORCHESTRA CORO E TECNICI DELL'ARENA DI VERONA

Foto Ennevi per gentile concessione della Fondazione Arena di Verona

AIDA, G. VERDI – METROPOLITAN OPERA HOUSE DI NEW YORK, venerdì 7 novembre 2014.

Lunedì, 10 Novembre 2014
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L’acclamata produzione ‘epica’ dell’Aida di Giuseppe Verdi targata anno 1988 ritorna con grande successo al Met di New York per questa stagione d’opera, ove si ritrovano a chiare lettere i fasti e lo splendore dell’antico e mitico Egitto dei Faraoni. Il team produttivo di stampo chiaramente cinematografico capeggiato da Sonja Frisell si avvale infatti delle scene progettate dal nostro celebre designer teatrale e da pellicola Gianni Quaranta. Lo spettacolo ci propone quindi tutto quello che ci si aspetta di trovare sul palco: le enormi pareti con sfingi in bassorilievo del palazzo di Menfi, gli appartamenti di Amneris con arredi e decori lussuosi, le magnifiche sponde del Nilo accennate da sfumature azzurre circondate da mura ed archi maestosi, e così via. La fatal pietra si compone in diretta grazie agli stupefacenti piani mobili che in un lampo suddividono il palco nel consueto duplice livello. Il coro e le comparse sono meravigliosamente vestiti da Dada Saligeri. Le luci di Gil Wechsler forse potevano essere maggiormente suggestive, scegliendo sfumature variopinte piuttosto che il semplice bianco, ma il grandioso impianto scenografico non ne ha risentito particolarmente ed il pubblico ha applaudito ad ogni cambio scena, sobbalzando di stupore all'arrivo dei cavalli per il trionfo, un classico che piace sempre.

Il cast ha offerto una prova eccellente sotto tutti i punti di vista ed anche i ruoli di contorno hanno brillato.

A cominciare dalla magnifica Aida di Liudmyla Monastyrska, che torna nel tempio americano dopo il debutto di due stagioni fa confermando le aspettative attese. La sua voce particolarmente rotonda si colora di molteplici sfumature ed è in grado di rompere gli argini della sala per potenza, mettendo in fila sia mezze voci che pianissimo quasi commuoventi. La sua Numi pietàe la dolcissima Oh cieli azzurriincantano per intensità e correttezza esecutiva, con uno straordinario do preciso e quasi sussurrato.

Molto intenso anche il Radames di Marcello Giordani. L'italiano ha un godibilissimo timbro tenorile che si esalta nell' ottava acuta. Si dona molto al ruolo del condottiero, ma risulta ancor più credibile come uomo d'onore pronto alla morte pur non reo.

L'Amneris di Olga Borodina è combattiva e volitiva, ma risplende davvero come donna innamorata senza speranza, mostrando che anche le figlie indomite di un faraone possono avere un cuore. Il suo strumento è possente, sormonta tranquillamente l'orchestra e riempie la sala. È una parte durissima che forse verso la fine la porta a qualche piccolo segno di stanchezza, ma nulla di ciò inficia una prova più che positiva.

Željko Lucic da’ vita ad un Amonasro imperioso, austero ed inappuntabile, forte di una voce dal timbro di bel colore e buon volume. Altrettanto positiva l’interpretazione di Dimitry Belosselskiy come Ramfis: la sua voce scava profondamente nella zona grave della partitura consentendogli di costituire il valore aggiunto ad una performance già del tutto credibile dal punto di vista attoriale.

Bravo anche il messaggero di Eduardo Valdes: molto musicale e dall'ottimo fraseggio.

Molto buono il Faraone di Soloman Howard, regale e deciso quanto basta, come ottima la Sacerdotessa di Lori Guilbeau.

I ballabili del corpo di ballo che ha visto come solisti Christine Hamilton e Bradley Shelver hanno completato lo spettacolo, con coreografie di Alexei Ratmansky.

Entusiasmo a mille per il Maestro Marco Armiliato che ha condotto la compagine orchestrale americana con estrema attenzione ai particolari. Il gesto è chiarissimo, ogni attacco sia ai cantanti che ai musicisti è preciso ed immancabile; abile nel calibrare tempi e sfumature a seconda delle azioni in scena e dei conseguenti stati d’animo, sottolineando di volta in volta pathos o grinta con congrui accenti e dinamiche. Il coro preparato da Donald Palumbo, perfetto anche nella pronuncia, è stato il completamento di una produzione davvero equilibrata.

Alla fine della serata, uno straripante pubblico meravigliosamente eterogeneo ed entusiasta ha tributato trionfali saluti con punte di ovazioni per Monastyrska, Borodina, Giordani ed il Maestro Armiliato.

Maria Teresa Giovagnoli

LA PRODUZIONE

Direttore d’orchestra Marco Armiliato

Regia Sonja Frisell

Scene Gianni Quaranta

Costumi Dada Saligeri

Luci Gil Wechsler

Coreografie Alexei Ratmansky

Maestro del coro Donald Palumbo

GLI INTERPRETI

Aida Liudmyla Monastyrska

Amneris Olga Borodina

Radamès Marcello Giordani

Amonasro Željko Lucic

Ramfis Dimitry Belosselskiy

Il re Soloman Howard

Messaggero Eduardo Valdes

Sacerdotessa Lori Guilbeau

Ballerini solisti Christine Hamilton, Bradley Shelver

Coro ed orchestra Metropolitan Opera House di New York

Foto Metropolitan Opera - New York

PETER GRIMES, BENJAMIN BRITTEN - GARTNERPLATZTHEATER AM PRINZREGENTSTHEATER, Munich, 2 novembre 2014

Mercoledì, 05 Novembre 2014
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“Stand down” you say.You wash your hands.

The case goes on in people’s minds.

The charges that no court has made

Will be shouted at my head...

Il soggetto di Peter Grimes, tratto da un poema di Crabbe, ha le nere tinte di una vicenda realistica ambientata in un villaggio di pescatori e concentrata sui sospetti e sulle ostilità degli abitanti nei confronti di Peter Grimes, accusato di aver ucciso un mozzo.

La musica coglie dalla vicenda gli aspetti più crudelmente realistici ma la chiarezza con cui viene sempre condotto il canto, le melodie vocali di Britten, per quanto accurate nella declamazione, conservano sempre una morbidezza melodica, creano un curioso incontro con i colori espressionistici dell'orchestra e le sue nervosità ritmiche.

La produzione del Gartnerplatz Theater di Monaco di Baviera si inserisce perfettamente nella crudeltà insita nel lavoro di Britten e la regia del giovane Balasz Kovalik ha colto nel segno.

Kovalik sceglie di ambientare il dramma negli anni sessanta del novecento e lo si desume esclusivamente dai costumi di Mary Benedek ma in un contesto scenico senza età, poiché gli unici elementi scenici (di Csaba Antal) sono rappresentati da un container da nave che via via si trasforma in chiesa, locale da ballo o taverna, due ponti mobili ai lati del palcoscenico e una tenda mobile in plastica trasparente che rappresenta il mare, il vento, la pioggia.

Spettacolo suggestivo quindi studiato nei minimi particolari e riuscito anche grazie alla cura maniacale nel gestire le luci da parte di un fenomenale Michael Heidinger.

La numerosissima compagnia di canto ben si piega alle indicazioni di Kovalik come pure il personaggio principale di quest'opera che è il coro.

Peter Grimes per Kovalik diventa autore del reato e vittima allo stesso tempo, un estraneo, un vizioso, un maledetto. Un visionario che sogna a qualunque costo una ricchezza piccolo borghese e il cullarsi nella sua dolce casetta.

L'ipocrisia degli abitanti del villaggio scoppia in Kovalik nell' atto terzo dove la festicciola danzante alla taverna “the Boar” è trasformata in un ricettacolo delle più turpi fantasie nascoste degli abitanti del villaggio, in barba alle convenzioni sociali tanto sbandierate nei precedenti atti.

Qui le scelte di Kovalik lavorano come un metronomo perfetto in perfetta simbiosi con la musica sgembatamente festevole di Britten, risaltando fino all'estremo il loro contrasto.

Il risultato è una serata di teatro avvincente creato con pochi mezzi ma tanta passione.

Gherard Sigel nel ruolo del protagonista, si è finalmente lasciato alle spalle il marchio indelebile dell'eterno Mime acclamato nei teatri di mezzo mondo, per debuttare in un ruolo che lo ha visto vincente vocalmente e scenicamente.

La via percorsa per dare vita (e disperazione, e morte) al solitario pescatore del Suffolk s’innesta a metà tra gli indimenticabili solchi interpretativi consegnati alla storia da Peter Pears, creatore della parte, e da Jon Vickers, che in essa provò nuove ed eroiche forze vocali. Se sa essere incredibilmente tenero nel canto in “ Now the Great Bear and Pleiades” sa raggiungere poderose impennate di volume nelle escandescenze d’ira e di sdegno. Il tutto all’insegna di un realismo che ispira comprensione ed immerge nell’empatia.

Dopo aver trionfato a Bayreuth come Elsa, l'italianissima Edith Haller debutta anch'essa nel ruolo di Ellen concentrandosi sul lato delicato e commovente del suo personaggio.

Ashley Holland rende con pienezza le varietà di un personaggio cruciale, bello quanto terribile, quale il Captain Balstrode.

Giustamente petulanti e scatenate la Auntie di Snejinka Avramova e le due Nieces Frances Lucey e Elaine Arandes.

Molto bravo anche scenicamente soprattutto nel travestitismo del terzo atto Juan Carlos Falcon nei panni tutt'altro che irreprensibili del predicatore Bob Bole.

Eccellenti Istvan Kovaks, Stefan Thomas, Holger Holmann e Martin Hausbergrispettivamente nei ruoli di Swallow, il Reverendo Horace Adams, Ned Keene e Hobson.

Irreprensibile il Chor des Staatstheater am Gartnerplatz per l'occasione rinforzato con aggiunte diretto da Jorn Hinnerk Andersen; da pelledoca i “Peter Grimes” accusatòri gridati dal villaggio, di un vigore e di una precisione veramente impressionanti.

Consentitemi un moto d'orgoglio nel trovare l'italiano Marco Comin, a guida di una brillante Orchester des Staatstheater am Gatnerplatz. Il giovane direttore d'orchestra ha lavorato con scrupolosa meticolosità su di una partitura tutt'altro che semplice da condurre in porto soprattutto per quel che riguarda il sincronismo non solo metrico tra coro, orchestra e solisti. Comin da’ la sua impronta personale nella lettura di un capolavoro per mezzo di un suono orchestrale energico e tagliente.

Applausi entusiasti per tutti da parte di un pubblico attentissimo e partecipe.

Pierluigi Guadagni

LA PRODUZIONE

Direttore   Marco Comin
Regia Balázs Kovalik
Scene Csaba Antal
Costumi   Mari Benedek
Luci Michael Heidinger
Drammaturgia   David Treffinger

GLI INTERPRETI

Peter Grimes                         Gerhard Siegel
Ellen Orford   Edith Haller
Captain Balstrode                Ashley Holland
Auntie                                    Snejinka Avramova
Niece 1                                   Frances Lucey
Niece 2                                   Elaine Ortiz Arandes
Bob Boles                              Juan Carlos Falcón
Swallow István Kovács
Mrs. (Nabob) Sedley            Ann-Katrin Naidu
Reverend Horace Adams     Stefan Thomas
Ned Keene                            Holger Ohlmann
Hobson                                  Martin Hausberg
Boy (John) Josef Roth / Raphael Schütz
Dr. Crabbe Enrico Sartori

Coro ed extra coro dello Staatstheaters di Gärtnerplatz
Orchestra Staatstheaters di Gärtnerplatz

Foto Staatstheaters am Gärtnerplatz

LA LUCE NEL TEMPO DI FRANCESCO NAPPA/CAVALLERIA RUSTICANA DI PIETRO MASCAGNI - TEATRO DELL’OPERA MAGGIO MUSICALE FIORENTINO, Firenze, 2 Novembre 2014

Martedì, 04 Novembre 2014
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LA LUCE E L’OSCURITÀ NELLO STESSO TEMPO

Il Balletto contemporaneo La luce nel tempo è ideato da Francesco Nappa su musica di Joseph Haydn. L’oscurità e luce di alcuni brani sinfonici di Haydn affiancano e abbracciano appieno questa visione, infondono sentimenti contrastanti. Ogni movimento ha un sentimento da trasmettere: gioia, malinconia passione, dolore. Sono messe in scena e ognuna di loro è una crepa attraverso la quale far trasparire la luce. Attraverso i corpi e l’arte dei ballerini in fusione con l’armonia delle note di Haydn . Eccellente produzione del Maggio Danza accompagnati magnificamente dall’ Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino diretti da Giampaolo Bisanti.

Pietro Mascagni compose a 27 anni in breve tempo la Cavalleria rusticana per il concorso indetto per la Casa Musicale Sonzogno di Milano .Un ‘opera in un solo atto di Giovanni Targioni - Tozzetti e Guido Menasci tratto dal dramma di Giovanni Verga dallo stesso titolo. Vinse il primo premio. Andò in scena per la prima assoluta nel 1890 al Teatro Cosatanzi di Roma. Nel giro di un anno con quest’ opera acquisì fama internazionale.

L'intermezzo sinfonico dell'opera, collocato tra la ottava e la nona scena, è uno dei pezzi più popolari. Grazie al suo carattere orchestrale, interamente basato sull'uso degli archi, ha avuto molta fortuna anche al di fuori del repertorio operistico.

La Cavalleria rusticana si ricollegava ad una nuova moda fin de siècle , il “verismo” che mirava alla rappresentazione nuda e cruda, quasi eccessiva della realtà quotidiana, e per questo divenne una delle opere più popolari del teatro musicale. Le sue melodie sono entrate a far parte del repertorio popolare italiano.Ha il carattere popolare dell’azione : Amore, Gelosia e Vendetta mortale. Anche il luogo ed epoca - un villaggio siciliano nel giorno di Pasqua - sono tipicamente italiani in quanto la chiesa costituisce il centro visibile della vita.

La regia di Mario Pontiggia si è concentrata sulle delle tre donne : Santuzza, Lola e Mamma Lucia, che condividono un unico uomo- Turiddu -; ognuna con un amore diverso per lui. La vera tragedia breve ed intensa è la tragedia intima di Santuzza , nella sua inutile ossessione per Turiddu, si abbassa moralmente, si umilia senza badare alle conseguenze. Solo il sangue finale laverà la macchia del peccato , lasciando vuota la vita delle tre donne.

Finalmente è una regia tradizionale, accompagnata da un’ incantevole scenografia di Francesco Zito.

L’opera si avvale di una unica scena fissa, che riporta alla piazza di un piccolo paese siciliano di fine ottocento, dominata da una maestosa chiesa barocca, vero fulcro del paese come punto di riferimento della vita sociale, dei sentimenti e della fede di questa popolazione contadina.

Su questo sfondo si muove il popolo rusticano nel giorno di Pasqua.

Risulta uno spettacolo bello, lineare, raffinato ed elegante .

La Santuzza di Giovanna Casolla mostra un’intensità drammatica notevole, è una leonessa del palcoscenico; ha forte personalità interpretativa. La sua voce riempiva il teatro , anche se qualche volta la zona centrale diventava un pò velata oltre con qualche opacità nei piani e nelle smorzature. Nonostante il trascorrere del tempo, il soprano riesce ancora a rendere più che dignitosa la sua Santuzza ed a trasmetterne tutte le sfaccettature psicologiche.

Nei panni di Turiddu era Sergio Escobar , giovane promettente tenore con ottimo strumento vocale, bel timbro,voce importante. Spicca per la freschezza canora. Ha saputo gestire l’emissione e il fraseggio conferendo al personaggio grande autorevolezza. Piccola incertezza tecnica nel finale. Sicuramente è un elemento di cui sentiremo molte altre cose sui palcoscenici più importanti della lirica.

Il Compare Alfio di Alberto Mastomarino è maturo e disinvolto, mostra una grande sicurezza scenica. Il suo bel timbro baritonale ogni tanto si perde nella zona acuta diventando un pò sfibrato.

Lola ( Elena Traversi ) vocalmente non era convincente, voce sfocata , fissa e male appoggiata.

La voce di Cristina Melis ( Mamma Lucia ) era priva di armonici e poco incisiva.

Il carisma del giovane direttore milanese Giampaolo Bisanti fa vibrare l’opera, trasmettendo forti emozioni con la sua eccellente musicalità e preparazione. Passionale ed espressivo. Attento alla coesione d’insieme ed al rapporto tra buca e palcoscenico. L’orchestra molto ben guidata e in ottima forma raggiunge l’apice nell’Intermezzo che è davvero il punto culminante dell’opera.

E’ ottimo vocalmente e scenicamente il Coro del Maggio Fiorentino ben preparato da Lorenzo Fratini .

Applausi per tutti dal caloroso pubblico che gremiva il Teatro dell’Opera tra cui tanti giovani. Significa che le belle produzioni riescono ad appassionare anche le nuove generazioni.

M. Lukacs

CAVALLERIA RUSTICANA

LA PRODUZIONE

Direttore                   Giampaolo Bisanti
Regia                         Mario Pontiggia
Scene e costumi        Francesco Zito
Luci                            Gianni Paolo Mirenda

GLI INTERPRETI

Santuzza Giovanna Casolla

Turiddu Sergio Escobar

Compare alfio Alberto Mastromarino

Lola Elena Traversi

Mamma Lucia Cristina Melis

Orchestra e Coro del Maggio Musicale Fiorentino

LA LUCE NEL TEMPO

Coreografia Francesco Nappa

Direttore Giampaolo Bisanti
Musica Franz Joseph Haydn

Firenze Danza by Mag.Da.- Compagnia residente Opera di Firenze
Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino

Cavalleria rusticana - foto Opera di Firenze

VEC MAKROPULOS, LEOS JANACECK - PRIMA MONDIALE DELLA REVISIONE CRITICA DELLA PARTITURA A CURA DI ANNETTE THEIN, JONAS HAJEK E TOMAS HANUS, EDIZIONI BARENREITER PRAHA - BAYERISCHE STAATSOPER, Sabato 1 novembre 2014

Martedì, 04 Novembre 2014
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“E' brutto esser vecchi.

Lei però è sempre bella.

Sappia, i pazzi hanno vita lunga, io vivrò a lungo certo! E finché l' uomo si innamora.”

Per la prima volta sul palcoscenico della Bayreische Staatsoper in lingua originale e con la partitura revisionata in base alle tre stesure (1923 1925) dell'eterno insoddisfatto Janaceck ad opera di Annette Thein, Jonas Hajek e Tomas Hanus, il capolavoro del compositore moravo è stato finalmente reso all'ascolto del pubblico nella sua versione più completa e più fedele alle intenzioni dell'autore, chiarendo numerosi errori che le precedenti edizioni avevano creato nella strumentazione, nella ritmica e nella struttura armonica.

Opera complessa e immensa che fonde con superba maestria gli ingredienti del thriller macabro, del giallo sociologico, del poliziesco fantastico, del racconto alchemico in una trama ingarbugliatamente pluristratificata in un lavoro teatrale di durata tutto sommato limitata (1ora e 50 di musica), Vec Makropulos è figlio diretto del clima magico che si respirava a Praga in quegli anni con i lavori di Kafka e di Karel Capek.

Maestro indiscusso del canto di conversazione dove la scansione drammatica è rapidissima, nella sua penultima opera Janacek raggiunge l'apice della fusione completa parolamusica: gli scambi di battute sono fulminei,come ovviamente lo sono gli elementi musicali, brevi, lucidi e scolpiti in una partitura costituita in gran parte di temi brevissimi dove la musica ruota costantemente su se stessa.

E interprete indiscusso di questa rappresentazione a Monaco è stata senza ombra di dubbio la musica e il suo interprete principale, il direttore d'orchestra Tomas Hanus, il quale coinvolgendo una orchestra come quella della Bayerische Staatsorchester in stato di grazia è riuscito a far risaltare tutta l'originalità della partitura contribuendo a renderla tesa e interessante. La scarica nervosa e lo scarno e nervosissimo tessuto orchestrale che Hanus è riuscito a comunicare, si è perfettamente sposato con un' orchestra di ampio colore espressionistico, risaltata da una pulizia timbrica esemplare e metronomicamente perfetta.

Finalmente Hanus ci ha restituito i bellissimi passaggi della viola d'amore solitamente tagliati, scritti in partitura, che sottolineano il carattere magico e fantastico di questa scrittura.

Con la scelta di rappresentare l'opera senza intervalli, il regista Arpad Schilling, coadiuvato nella drammaturgia da Miron Hakenbeck, si pone in perfetta simbiosi con la direzione tesissima di Hanus. Il dramma scorre senza interruzioni, ma si perde via via per strada in un vuoto di idee alquanto imbarazzante per un lavoro talmente esplosivo come questo.

L'impianto scenico di Marton Hag è fisso ma girevole nel lati per ogni atto, una montagna di sedie per il primo, un palcoscenico vuoto per il secondo, una gelida stanza d'albergo per il terzo.

Schilling nel suo lavoro esalta esclusivamente l'aspetto erotico della protagonista, grazie anche ad un'interprete come Nadja Michael dal fisico mozzafiato, strizzando più volte l'occhio alla Sharon Stone di Basic Instincts, soprattutto nel secondo atto dove la famosa scena dell'accavallamento di gambe con vista delle nudità è ripetuto più volte.

E poi un via via di palpamenti, amplessi, coiti interrotti e quant'altro fino alla scena finale dello svelamento della vera identità della protagonista, declamato da una seminuda Michael (sì abbiamo capito, è bellissima ed ha un fisico spettacolare) mentre si fa frustare con contorno di coristi (che in realtà dovrebbero stare in buca con l'orchestra..) voyer che se ormai non scandalizzano più nessuno, disturbano sicuramente un pochino.

Ovviamente in tutto questo festival dell'ormone, il lato magico, fantastico e onirico della storia viene smarrito, con conseguente focalizzazione sull'aspetto esclusivamente carnale della donna immortale e dei suoi spasimanti sovraeccitati.

Nadja Michael è una Emilia Marty spettacolare vocalmente, che unisce la voce calda e brunita del suo essere stata un mezzosoprano ad un perfetto canto di conversazione anche se non si capisce bene in quale lingua canti. Le difficilissime “parole cantate” di Janaceck scorrono comunque bene e la voce è perfetta nelle due ore ininterrotte, arrivando al climax finale in una ideale catarsi musicale.

Pavel Cernoch é un Albert Gregor bellissimo anche lui fisicamente e vocalmente dal timbro seducente. Specialista nel teatro di Janacek, Cernoch è un tenore che non si risparmia nell'economia vocale con risultati ottimali. La sua ostica e acutissima parte gli calza come un guanto perfetto.

Suo rivale sulla scena, lo Jaroslav Prus di John Lundgren ha voce possente anche se molto nasale ma si adatta perfettamente al suo ruolo.

Gustav Belacek è stato un Dr Kolenaty perfettamente a suo agio, complice la madrelingua ceca, nell' ispida parte del petulante avvocato, aderendo alla perfezione alle intenzioni del compositore.

Kevin Konners(Vitek) e Dean Power (Janek) sono stati un po' sottotono, probabilmente tutti concentrati ad assecondare le richieste registiche piuttosto che concentrarsi sul canto.

Interessante il cameo del veterano Reiner Goldberg (sommo cantante wagneriano tra i più acclamati del secolo scorso) nei panni del conte Hauk-Sendorf, qui interpretato come un povero scemo che perde la testa per la starlette di turno.

Completavano il cast con corretta partecipazione Tara Erraught (Krista), Peter Lobert (un tecnico), Heike Grotzinger (una donna delle pulizie), Rachel Wilson (la cameriera di Emilia).

Corretta la breve partecipazione della sezione maschile del Chor der Bayerischen Staatsoper diretto da Soren Eckhoff.

Successo per tutta la compagnia musicale con applausi di cortesia e qualche dissenso per i responsabili della messa in scena da parte del pubblico.

Pierluigi Guadagni

LA PRODUZIONE

Direttore Tomáš Hanus

Regia Árpád Schilling

Scene e costumi Márton Ágh

Luci Tamás Bányai

Drammaturgia Miron Hakenbeck

Maestro del coro Sören Eckhoff

GLI INTERPRETI

Emilia Marty Nadja Michael

Albert Gregor Pavel Černoch

Vítek Kevin Conners

Krista Tara Erraught

Jaroslav Prus John Lundgren

Janek Dean Power

Dr. Kolenatý Gustav Beláček

Ein Theatermaschinist Peter Lobert

Eine Aufräumefrau Heike Grötzinger

Hauk-Šendorf Reiner Goldberg

Kammerzofe Emilias Rachael Wilson

Foto Bayerische Staatsoper

LA PORTA DELLA LEGGE, SALVATORE SCIARRINO – TEATRO MALIBRAN DI VENEZIA, giovedì 30 ottobre 2014

Venerdì, 31 Ottobre 2014
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prima rappresentazione italiana
quasi un monologo circolare di Salvatore Sciarrino
da un racconto di Kafka : Vor dem Gesetz

Un palcoscenico completamente vuoto, uno sfondo buio che lascia nel chiarore solo la sagoma rettangolare di una porta che si allarga fino a comprendere tutto lo sfondo, per poi restringersi ancora intorno ai protagonisti. Ecco l’impianto posto in essere da Jürgen Lier entro cui si muove la regia di Johannes Weigand , per il lavoro di Salvatore Sciarrino che per la prima volta approda in Italia ed al Teatro Malibran di Venezia. A quanto pare la nostra umanità è composta da anonimi attori da cui sono presi ad esempio l’Uomo 1 e l’ Uomo 2, costretti a vivere in un mondo imperscrutabile ove anche l’ovvio viene contraddetto.

Entrambi vogliono attraversare la porta della legge, della giustizia, ma il guardiano glielo impedisce senza fornire alcuna spiegazione, nonostante le numerose richieste e suppliche. E l’assurdo arriva alla fine, quando l’usciere confessa ad ognuno dei due, ormai vecchi ed in fin di vita, che la porta era destinata proprio a loro. Nella novella di Kafka questa criptica trama ha una spiegazione legata all’intero romanzo da cui è tratta, il Processo, mentre presa singolarmente da Sciarrino ‘La porta della legge’ lascia parecchio spazio all’immaginazione di chi osserva e riflette. Forse la giustizia esiste, ma c’è chi impedisce che questa segua il suo corso, oppure la nostra vita è circondata da contraddizioni in termini che portano a conseguenti paradossi (come l’essere respinti ingiustamente proprio davanti alla porta della giustizia), oppure questa apertura è il simbolo di tante opportunità che vengono offerte dalla vita, ma qualcuno posto sul nostro cammino ci impedisce di coglierle, e magari quel qualcuno è il nostro alter ego che ha paura di varcare la soglia della felicità.

La definizione ‘monologo circolare’ ci fa immediatamente pensare ad una narrazione, se così possiamo definirla in questo caso, che ritorna su se stessa, ripercorrendo il suo iter. Il destino del primo personaggio viene difatti seguito da un altro suo simile, pur con caratteristiche fisiche e vocali diverse, e chiaramente l’autore vuole farci intendere che ad essi seguiranno tanti altri nella medesima situazione.

Il libretto dello stesso Sciarrino, che dovrebbe costituire il fulcro del pensiero dominante in tale lavoro, è in realtà molto scarno e costituito principalmente da poche frasi ripetute con fare ossessivo dai due uomini a turno: vorrei entrare, la porta della legge è sempre aperta, mi lasci entrare.. e dai noncuranti ora no, forse più tardi, ecc. del guardiano.

La musica è piuttosto frazionaria e di non facile decifrazione, poiché minimo appare il suo apporto alla rappresentazione. Più che un accompagnamento risulta in effetti come una sottolineatura delle frasi emesse in maniera ossessiva, lasciando quindi ampio spazio ai vuoti acustici rotti da improvvise riprese. L’orchestra si avvale anche di due pianoforti, una lastra metallica, perfino un tam-tam. Ma non sembra essere fondamentale in questa opera a nostro avviso. Non semplice quindi il compito del Maestro Tito Ceccherini , che segue pedissequamente la recitazione/canto dei tre protagonisti per far reagire prontamente l’orchestra. Il risultato riflette così la scia del libretto: l’insieme è giustamente scarno, ripetitivo, quasi nebuloso.

Stesso dicasi per la resa degli interpreti: Ekkehard Abele interpreta il primo Uomo che chiede di varcare la porta con un’aria trasognata, incredula, ossessivamente inquisitoria. Il tono della voce è moderato, in linea con l’aria di sospensione che aleggia in scena, si muove con circospezione sul palco cercando di seguire la sagoma variabile della famigerata porta.

Al pari Roland Schneider appare forse più ingenuo pur nel medesimo copione, meno aggressivo, ma ugualmente tormentato, di chi lo precede e sfrutta il timbro della sua voce da controtenore per sottolineare l’inquietudine che prova, quasi come se non osasse esprimersi troppo forte per non disturbare il glaciale Usciere. Costui è impersonato da Michael Tews che deve fare pure i conti con certe torsioni del busto imposte dalla regia, che lo vuole povero nel verbo ma espressivo nel corpo.

Ci piace concludere raccontando l’istallazione video di Jakob Creutzburg che appare al termine: un’ infinità di uomini, sempre simili ed anonimi, continuano a ripetere le stesse poche parole, bloccati nelle loro porte che salgono e scendono all’infinito nella penombra del palco, finché la musica non cessa del tutto e si oscura la scena. Ed è buio totale.

Il pubblico non numeroso ha accolto con sufficiente calore lo spettacolo di questa recita.

Maria Teresa Giovagnoli

LA PRODUZIONE

direttore          Tito Ceccherini
regia                Johannes Weigand
scene e costumi          Jürgen Lier
video               Jakob Creutzburg

GLI INTERPRETI

L’uomo I        Ekkehard Abele
L’uomo II       Roland Schneider
L’usciere         Michael Tews

Orchestra e Coro del Teatro La Fenice
maestro del Coro Claudio Marino Moretti
con sopratitoli in italiano
nuovo allestimento Fondazione Teatro La Fenice

Foto Michael Hoernschemeyer/Wuppertaler Buhnen

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