Uno spettacolo che definire semplicemente frizzante sarebbe poco, è quello ideato da  Gianmaria Aliverta per la Mirandolina di Martinü alla Fenice di Venezia, che in atmosfera di partenze vacanziere, in questo inizio caldo di estate,  ci porta proprio in un moderno resort con Spa annessa in cui la padrona Mirandolina fa il bello ed il cattivo tempo, flirtando con gli ospiti bizzarri che vi si recano. Lontane fino a un certo punto sono le ambientazioni della Locandiera di Goldoni da cui l’autore trasse l’opera andata in scena postuma nel 1959 e che, partendo dalla commedia dell’arte italiana, sviluppa ulteriormente i personaggi tipici donando loro connotati più realistici, tanto che nella rivisitazione del regista potremmo incontrare tipi del genere addirittura ad una festa o ad una sagra di paese.

Nonostante una tromba d’aria ieri sera abbia privato la scenografia di alcuni elementi danneggiati, i tecnici della Fondazione Arena, coadiuvati dal regista Gianfranco de Bosio, sono riusciti in tempi brevi ad approntare le piccole modifiche che hanno consentito alla storica Aida del 1913 di esser rappresentata regolarmente senza ulteriori intoppi.   

Secondo appuntamento dunque per questo 2016 all’Arena di Verona con la ripresa dell’edizione ultracentenaria del capolavoro verdiano. Ancora una volta troneggia sul palcoscenico la monumentalità degli ambienti riccamente adornati che richiamano i fasti dell’Antico Egitto con  masse corali e  comparse i cui costumi sono impreziositi da mille particolari. Le coreografie dinamiche dei ballabili sono affidate a Susanna Egri con protagonisti Amaya Ugarteche, Alessia Gelmetti, Evghenij Kurstev, Antonio Russo ad arricchire uno spettacolo che, pur nella sua imponenza, non nasconde i segni del tempo risultando talvolta lento e ripetitivo.

Riparte dopo mesi di incertezze ed in una serata caldissima il Festival dell’Arena di Verona che quest’anno raggiunge le novantaquattro primavere e, causa i notissimi problemi economici di cui si discute ormai da tempo, come l’anno scorso si è deciso di recuperare tutte produzioni collaudate che negli ultimi anni hanno incontrato il gusto del pubblico. Così inaugura la stagione 2016 la Carmen con regia di Franco Zeffirelli che come sappiamo porta sull’immenso palcoscenico veronese luoghi, colori ed atmosfere di una Siviglia in miniatura che riempie tutti gli spazi a disposizione con numerose comparse ed animali in scena. I coloratissimi costumi sono sempre quelli di Anna Anni e le coreografie dei balletti sono ancora una volta della compagnia El Camborio sempre ripresa da Lucia Real. Piccola novità di quest’anno che riguarda tutti gli spettacoli, ai lati del palcoscenico in cima alle gradinate si possono seguire i sovratitoli del libretto su schermi posti all’uopo, che tutto sommato non rientrando nel campo visivo della scena non recano particolare disturbo.

Quanto possono essere traditori gli occhi che osservano, registrano e svelano segreti e misfatti? Come è possibile che la luce dei nostri occhi si trasformi in ombra di un sentimento morente ed impossibile da recuperare? Proprio come recita la voce fuori campo in apertura, ci si domanda.. ‘Qu’est devenu ce bel œil qui mon âme éclairait ja de ses rais’… ma non se ne trova risposta. Una nobile famiglia colta nel disfacimento delle sue fondamenta è proprio il fulcro della vicenda di Luci mie traditrici, in scena al Comunale di Bologna con un intelligente spettacolo studiato da Jürgen Flimm, con scene e costumi rispettivamente di Annette Murschetz e Birgit Wentsch. Alla base di questa storia di tradimento coniugale e vendetta omicida ci sono diverse fonti letterarie che trovano in un primo momento origine nella vita del principe, nonché musicista, Carlo Gesualdo di Venosa, che visse a cavallo tra il Sedicesimo ed il Diciassettesimo secolo in Campania e la cui moglie fu fatta uccidere proprio per vendicarsi del tradimento subito.  Ma pare che in realtà Sciarrino si sia ispirato più specificamente ad un dramma dai contenuti simili alla storia del principe e dal titolo Tradimento per l’onore, in cui la padrona di casa tradisce il marito proprio con un suo ospite venendo puntualmente smascherata dal servo e quindi punita dal consorte insieme al suo amante.

Esistono luoghi in grado di trasmettere emozioni già soltanto entrandovi, ma quando al fascino architettonico si aggiunge la bellezza musicale il connubio crea delle emozioni che è difficile dimenticare. Più volte abbiamo sottolineato quanto il Teatro Olimpico di Vicenza sia cornice esaltante per ospitare eventi quali appunto le Settimane Musicali, e siamo tornati molto volentieri dopo ‘Le nozze di Figaro’ ad ascoltare l’esecuzione della ‘Petite messe solennelle’ nella rara versione originale che Rossini compose nel 1863 per l’intima esecuzione nella dimora della contessa Pillet-Will che la commissionò. Tale versione si compone di dodici coristi/solisti, due pianoforti ed un armonium, mentre oggi solitamente si esegue con l’accompagnamento dell’orchestra e con un coro molto più ricco. Oggi come allora, siamo stati spettatori privilegiati di una esecuzione dal carattere intimistico e solenne, di ciò che è considerato una sorta di testamento musicale del Maestro pesarese che difatti morì pochissimi anni dopo la prima esecuzione nel 1864.

Nel folto programma delle Settimane Musicali al Teatro Olimpico di Vicenza arriva anche l’ultimo tassello della trilogia mozartiana/Da Ponte che, iniziata con Don Giovanni e poi Così fan tutte, si chiude con Le nozze di Figaro per la regia di Lorenzo Regazzo. Lo spettacolo ha in sé una grande carica energetica ed è pieno di tantissime situazioni frizzanti e un po’ assurde che hanno spesso suscitato ilarità e perfino stupore. Tutti sembrano ossessionati da qualcosa e l’erotismo sembra essere la chiave per colmare carenze e frustrazioni o semplicemente la noia del quotidiano. Siamo stati catapultati al cento per cento nella società di oggi dove Facebook regna sovrano con i suoi selfie (addirittura con le attualissime prolunghe), i like, la moda dei toy-boy sedotti da distinte signore attempate, uomini fissi sui cellulari, ecc. Insomma c’è davvero di tutto per condire questa ‘folle giornata’.

Mentre viene presentata la nuova ricchissima stagione lirica del Teatro la Fenice di Venezia, sono in corso le recite de L’amico Fritz di Mascagni che vede impegnata Simona Marchini, notissima donna di teatro, nei panni di regista, che con molta gioia ha colto la sfida offertale dalla Fondazione veneziana nel tornare sull’opera di Mascagni che già la vide impegnata nel 1991 a Livorno. La semplicità dei personaggi ha suggerito alla regista una messa in scena piuttosto dimessa e minimalista, non solo visivamente ma anche dal punto di vista contenutistico. Certo non siamo di fronte ad un drammone ricco di colpi di scena, ma ad una storia d’amore e amicizia vissuta in campagna, dove evidentemente si è ritenuto che bastasse la trama a parlare nella sua essenzialità. Gli interpreti si muovono in una specie di palco nel palco, di scatola delle storie, opera di Massimo Checchetto, dove si accenna al paesaggio alsaziano e dentro i cui confini sembrano trovare riparo sicuro i sentimenti vissuti.  Forse tanta semplicità avrebbe avuto bisogno di qualcosa in più perché la narrazione risultasse meno lenta, e suggerire agli interpreti maggiore scioltezza nell’esprimersi avrebbe sicuramente aggiunto una certa dinamicità che invece è mancata. I costumi di Carlos Tieppo sono aderenti all’ambientazione.  

Titolo tra i più popolari ed amati nel mondo, Tosca al Petruzzelli di Bari si inserisce nell’ambito delle belle iniziative culturali previste per l’Estate in città.

Molto interessante lo spettacolo interamente “firmato” nella Regia, Scene e Costumi da Giovanni Agostinucci. Con un sapiente gioco di veli, una eleganza sobria dei costumi ed una recitazione sempre misurate, efficace e “legata” al libretto, ci presenta una Tosca dove il potere della Chiesa e quello politico si abbracciano, si fanno occhiolino e “convivono” accanto ai protagonisti lungo l’arco di tutta l’opera. Il marcare le vicende storiche che fanno da cornice al “triangolo” fatale dei personaggi è scelta colta e in qualche modo originale.

E’ Traviata il debutto operistico di Sofia Coppola alla regia e di Valentino per i costumi.

Bisogna subito dire che il binomio ha funzionato alla grande!

Lo spettacolo è sontuoso, una Parigi con tutti i vizi ed i vezzi della “belle epoque”: lustrini, lazzi e stucchi in quantità.

Lo scalone, le specchiere , gli interni, le sale, tute le scene di Nathan Crowley sono curate e bellissime.

I costumi di Valentino sono meravigliosi ḉa va sans dire…quelli di Violetta del primo atto, un nero con coda verde turchese, quello della casa di Flora… il famoso rosso Valentino è davvero spettacolare.

Ma tutti sono invero curatissimi e di splendido impatto scenografico.

La recitazione pensata dalla Coppola è tradizionale, volutamente e vagamente rieccheggiante una Sissi o una Rossella O’hara Violetta si muove con delicatezza, senza eccessi, quasi “legata” in questo suo gioco di sguardi e di passioni.

Sulle note in pianissimo che spengono il Requiem di Fauré, si è chiuso lo straordinario ultimo concerto della stagione sinfonica 2015\16 dell'Orchestra della Fondazione Arena di Verona.

Mai composizione fu più appropriata, vista la situazione attuale in cui versa la disastrata Fondazione Arena di Verona, che fra tagli al personale e alla programmazione artistica, ci ha così voluto ricordare essere questo probabilmente l'ultimo concerto sinfonico a cui il pubblico veronese avrà l'onore di assistere al Teatro Filarmonico.

Ci auguriamo ovviamente di essere smentiti quanto prima e di poter continuare ad applaudire le maestranze artistiche della Fondazione Arena anche in inverno, nella programmazione sinfonica e ancora una volta in una sede prestigiosa come il Teatro Filarmonico.

La locandina di questo concerto, oltre al già citato Requiem di Fauré, ha avuto in programma di Maurice Ravel “Ma Mère l'oye cinque pezzi infantili per orchestra” e di César Franck le “Variazioni sinfoniche per pianoforte e orchestra”.

In un pomeriggio turistico in giro per il Belgio ci si può, per caso, imbattere in un bellissimo spettacolo di un’Opera italiana, titolo conosciutissimo e di grande repertorio per eccellenza, e scoprire di assistere ad una rappresentazione invero quasi perfetta.
Lo spettacolo di Stefano Mazzonis di Pralafera è davvero bellissimo, con una cura del dettaglio ed una lettura “psicologica” dei personaggi raffinata, semplice ma al contempo di efficacissima presa e di immediata comprensione.
L’evoluzione di Violetta, da ragazza un po’ capricciosa, a donna vissuta e sconfitta dalla vita e dalla malattia è permeata dal contorno dei festeggiamenti, delle “colleghe” e dei nobili che vivono con dissolutezza anche il rapporto con le loro protette. Ma Violetta resta sola in mezzo a tutto questo. Mazzonis studia una recitazione asciutta ma potente, muove i protagonisti in modo minimale ma profondo. Insomma una di quelle regie che oggi molti, anzi moltissimi Teatri dovrebbero prendere ad esempio.
I costumi sono molto belli e le scene sono molto curate con una grande dominanza “floreale” pur senza sfarzo inutile e grottesco.

Splendido spettacolo ieri sera alla Scala di Milano.

Opera di rara esecuzione La Fanciulla del West ha trovato alla Scala una lettura molto interessante del regista Robert Carsen, a metà strada tra un film western e una soap in “mafioso style”.

Abilissimo nel gestire le masse e i numerosi piccoli ruoli facendo girare tutto e tutti attorno ai tre protagonisti principali, Carsen ci restituisce un West selvaggio e con le sue particolari “regole” di comportamento, “codici” di rispetto ed onore che si possono tranquillamente visualizzare con i film anni ’60 e ’70 del vecchio Far West.

Lettura accattivante resa in modo straordinario anche dalle scene e dai costumi, nonché dalle bellissime proiezioni dei Canyon sul fondale del palcoscenico o dall’ingresso del “Saloon” della Fanciulla.

Dopo 27 anni di assenza ritorna al San Carlo la Fedora di U. Giordano

Lo spettacolo sontuoso e tradizionale di Lamberto Puggelli, ripreso in quest’occasione da Salvo Piro, mostra, nello spazio del San Carlo, la suggestione e l’opulenza della classe nobiliare russa in esilio volontario o forzato, una Parigi poco francese e molto “dorata”, un dramma che incalza tra festini e lustrini con quella tipica eleganza ed ostentazione russe di una certa classe nobiliare. Ci avremmo visto benissimo l’ambientazione di una Anna Karenina in quel dorato sobrio e nei colori sempre vivi e pertinenti delle bellissime scene e dei fascinosi costumi di Luisa Spinatelli.

MARTY (torcendosi le mani)

“Ah, è atroce vivere così a lungo! Se solo sapeste com’è facile la vostra esistenza! Siete così vicini alle cose! Per voi ha senso tutto! Tutto ha valore per voi! Idioti, siete così felici solo per la stupida casualità che presto morirete. “

Il Landestheater di Innsbruck sceglie di mettere in scena l'opera di Janacek nella versione ritmica tedesca di Kerstin Lücker, com'è consuetudine (sempre più rara per fortuna) nei teatri di tradizione dell'area germanica.

La scelta, dettata da ragioni pratiche che vedono l'impossibilità per una troupe fissa di cantanti di imparare in breve tempo una lingua ostica come il ceco, purtroppo comporta la perdita di tutte quelle sonorità legate ad un canto modellato sulla parola come quello di Janacek, che spesso dice il contrario della parola.

La scansione drammatica del Vec Makropulos, rapidissima, con scambi di battute fulminee legati ad elementi musicali altrettanto brevi, lucidi e scultorei, cantata in tedesco perde purtroppo quel brivido metafisico e quelle fascinazioni di un passato misterioso legati alla consonanza ceca che rendono quest'opera un capolavoro di eloquenza instabile.

Inoltre la scelta di rappresentare l'opera senza intervalli fatta dal teatro di Innsbruck può risultare interessante per una fluidità narrativa, ma non capiamo però l'esigenza di inserire tra il secondo e il terzo atto, a guisa di intermezzo musicale, la danza n.3 del ciclo delle Danze Lachiane dello stesso compositore, tanto musicalmente lontane dalla musica del Vec Makropulos quanto incoerenti stilisticamente.

Con una nuova produzione la Fenice di Venezia prosegue la ricchissima stagione operistica mettendo in scena la versione originale francese de La Favorite di Donizetti, nell’allestimento che vede Rosetta Cucchi come regista e le scene e i costumi rispettivamente di Massimo Checchetto e di Claudia Pernigotti. Coraggiosamente la regista ha immaginato che le vicende del re di Castiglia e la sua favorita si adattassero ad una visione alquanto astratta del mondo, visto in una decadenza inesorabile e che ha da essere preservato. Dobbiamo però dire che le diverse soluzioni cui abbiamo assistito ieri sera ci hanno lasciati non poco perplessi. Tutta l’opera si svolge a metà tra l’artificio e la natura, un mix di elementi paesaggistici che si intersecano con plastiche e materiali simili. Abbiamo visto monaci che custodiscono scampoli di foglie o alberi su cui probabilmente attuano esperimenti, fiori che appassiscono in un enorme cilindro di plastica ove sembra mancare ossigeno e su cui pende un folto ramo a sovrastare gli interpreti...insomma il nostro povero mondo sta andando a rotoli ed è necessario custodire e coltivare quel poco che resta, per evitare di far la fine di  Léonor e degli altri personaggi, imbrigliati in un fato ineluttabile che sa di morte sin dall’incipit. Ma francamente ci vuole parecchia immaginazione nel trarre tutto questo dallo spettacolo che abbiamo visto. Si ha quasi l’impressione che non si sia trovata la chiave giusta per rappresentare l’idea di fondo che regge lo spettacolo. Sono stati proposti diversi scorci, qualche immagine anche interessante, ma l’impianto generale a nostro avviso si adattava poco, se non in modo un po’ forzato, alla Favorite di Donizetti.

E’ andato in scena in questi giorni con due recite al Teatro Sociale di Rovigo il Simon Boccanegra di Giuseppe Verdi, allestito in collaborazione con i teatri di Lucca, Livorno e Pisa a conclusione della stagione operistica 2015/2016. In generale lo spettacolo ideato da Lorenzo Maria Mucci con scene di Emanuele Sinisi è gradevole e senza troppi frizzi o lazzi si presta come facile cornice per la regia piuttosto schematica pensata per questa occasione. Fondamentalmente i personaggi si muovono in una specie di scatola claustrofobica tra due enormi blocchi rettangolari dalla posizione variabile le cui facciate vengono adattate man mano alle situazioni cambiandone le fattezze o proiettando immagini su di esse. Al centro qualche dettaglio come sedie o tavolini, sfondi dipinti o una scalinata a scomparsa ed il gioco è fatto. Si pone l’accento sui personaggi e i loro stati d’animo, il perno dell’azione è Simone con il suo dramma e la sua tragica sorte. I costumi tardo medievali di Massimo Poli arricchiscono lo spettacolo, pur non rendendo propriamente giustizia a tutti gli interpreti maschili.

Libretto Dmitrij Šostakovič, Georgi Jonin, Alexander Preiss, Jewgeni Samjatin

Dall’omonima novella di Nikolai Gogol

Ultimo titolo in programmazione per la fondazione Haydn di Bolzano e Trento nell’ambito del progetto Opera 20.21, Il naso di Šostakovič in scena al Teatro Sociale di Trento rappresenta forse il più fulgido esempio di ‘ironia della vita’, concetto intorno al quale ruota l’intera stagione operistica. Il poco più che adolescente Dimitrij scrisse questo piccolo capolavoro in un periodo storico incredibile per la Russia, dieci anni dopo i terribili misfatti della rivoluzione d’ottobre e in un fermento culturale che diede vita a diversi movimenti artistici e letterari.

 “Ah! perché non posso odiarti, 

Infedel, com'io vorrei! “

Ritorna sulle tavole del Teatro Filarmonico di Verona l'opera di Vincenzo Bellini nell'allestimento firmato in toto da Hugo de Ana nel 2007 e qui ripresa da Filippo Tonon.