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STABAT MATER, GIOVANNI BATTISTA PERGOLESI – CONCERTO DI VICENZA IN LIRICA PRESSO IL SANTUARIO DELLA MADONNA DEI MIRACOLI IN LONIGO, DOMENICA 7 APRILE 2019

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Forse c’è una legge fisica o è soltanto frutto di un straordinaria congiunzione astrale, il fatto che molto spesso i grandi capolavori dell’arte in ogni sua sezione, siano frutto di menti tanto precoci quanto fugace è la loro permanenza in questo mondo. Tale fu per lo Stabat Mater composto dall’allora giovanissimo Giovanni Battista Pergolesi, che dalla splendida Jesi approdò al Conservatorio dei poveri di Gesù Cristo, nella fulgida Napoli brulicante di eccellenze e nel pieno del suo splendore culturale. Ormai alla fine di una vita segnata da numerosi problemi di salute, concepì appena in tempo uno dei capolavori indiscussi della musica sacra, il suo Stabat Mater appunto, che ieri ha riempito le arcate del santuario di Lonigo grazie alle voci di Giulia Bolcato, Maria Elena Pepi ed all’Ensemble Barocco Vicenza in Lirica diretto ed accompagnato al cembalo da Alberto Maron.

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“L’Arca di Noè” di Britten al Cilea di Reggio Calabria

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Venerdì 12 aprile 2019 e domenica 14 aprile, alle ore 20.30 all’interno del programma della stagione 2018-2019 del “Rhegium Opera Musica Festival”, sezione “Classica Mediterranea” promossa dall’Orchestra del Teatro Cilea e dal Coro Lirico Cilea, sarà eseguita presso il Teatro Cilea di Reggio Calabria, “L’arca di Noè” (Noye’s Fludde, op. 59). Si tratta di un’opera scenica per voci adulte e di ragazzi, coro di ragazzi, orchestra da camera e orchestra di ragazzi, il cui libretto è tratto da “English Miracle Plays, Moralities and Interludes”.

Direttore e maestro concertatore sarà Manuela Ranno, a capo dell’Orchestra Filarmonica Giovanile “Teatro Comunale F. Cilea”, del Coro di voci bianche “Teatro Cilea”, istruito da Roberto Filippo Caridi, e i Cori “Free Toghether” e “BeFree”, diretti da Maria Luisa Fiore.

La regia dello spettacolo porta la firma di Orlin Anastassov mentre il progetto visuale è di Polina Gerasimova.

Gli interpreti principali saranno Ventseslav Anastasov (Noè), Angela Schisano (la moglie di Noè) e Alessandro Tirotta (La voce di Dio). Completano il cast Emanuela Zucchi, Tabita Romano e Simone Vazzana rispettivamente Sem, Cam e Jafet, e Ida Spanò, Roberta Panuccio e Martina Decaria che interpreteranno le loro mogli. A questi si aggiungono il Coro degli animali e degli uccelli, le comari e la Congregazione.

“Con questa opera, ispirata ad uno dei racconti biblici più famosi, ma costellata di situazioni inventate, talvolta comiche, si conclude il primo anno del Rhegium Opera Musica Festival che ha rilanciato il Teatro Cilea e di riflesso la città di Reggio Calabria. Si è scelta come ultima opera “L’arca di Noè” anche perché coinvolge più di duecento persone: è il frutto della sinergia di numerosi soggetti della vita musicale reggina. In tal modo si seguono le indicazioni dello stesso Britten che aveva visto nell’opera un importante coinvolgimento popolare”, afferma Domenico Gatto, direttore artistico del Rhegium Opera Musica Festival.

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VOCI OLIMPICHE: A VICENZA UN CONCORSO INTERNAZIONALE PER OPERA BAROCCA

 

Ideato da Andrea Marcon e promosso da Fondazione Cariverona e Società del Quartetto di Vicenza, il concorso è unico nel suo genere in Italia. Ai vincitori saranno assegnati i ruoli dell'Alcina di Händel, che andrà in scena al Teatro Olimpico di Vicenza nella primavera 2020. In giuria, presieduta da Marcon, una decina di direttori artistici di importanti festival e teatri europei

 

COMUNICATO STAMPA  APRILE 2019

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Nasce da un'idea del maestro Andrea Marcon il Concorso internazionale opera barocca “Voci Olimpiche” in programma al Teatro Olimpico di Vicenza dall'1 al 7 novembre 2019 e nella primavera dell'anno seguente – il 19 e 21 aprile 2020, sempre nell'incomparabile scenario palladiano – con la rappresentazione dell'opera “Alcina” di Georg Friedrich Händel. Il progetto è promosso dalla Fondazione Cariverona ed è realizzato dalla Società del Quartetto con la collaborazione del Comune di Vicenza.

La giuria del concorso, presieduta da Andrea Marcon, è formata da altre importanti personalità del mondo operistico internazionale. Si tratta di Clemens Birnbaum (Direttore e Sovrintendente della Fondazione Händel Haus e dell'Händel-Festspiele Halle), Christian Carlstedt (Direttore Casting della Staatsoper Hannover, dello Stadttheater di Klagenfurt e della The Nederlands Radio Philarmonic Orchestra), Kees Vlaardingerbroek (Direttore Artistico dei ZaterdagMatinee del Royal Concertgebouw di Amsterdam), Giancarlo Andretta (Direttore Ospite Principale dell'Orquesta Ciudad de Granada), Jesus Iglesias Noriega (Direttore Artistico dell'Opera di Valencia), Susanne Schmidt (Direttrice del Bregenzer Festspiele Opera), Dmitry Vdovin (Direttore Artistico del Young Artists Opera Program del Teatro Bolshoi di Mosca), Fortunato Ortombina (Sovrintendente e Direttore Artistico del Gran Teatro La Fenice di Venezia), Alain Perroux (Direttore Artistico dell'Aix en Provence Summer Festival), nomi prestigiosi ai quali si aggiunge quello di Lorenzo Regazzo, celebre cantante veneziano che in questo progetto curerà la regia dell'opera in programma.

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ADRIANA LECOUVREUR, F. CILEA - TEATRO FILARMONICO DI VERONA, DOMENICA 31 MARZO 2019

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Approda anche a Verona sulle tavole del Teatro Filarmonico, il fortunato allestimento di Adriana Lecouvreur pensato nel 2014 da Ivan Stefanutti per il Teatro Sociale di Como.

Il capolavoro del pur breve catalogo di Cilea, nonostante lo sgangherato e complesso libretto di Colautti, riesce ancora oggi a suscitare interesse nel pubblico, principalmente per la particolare abilità del compositore calabrese nel circoscrivere musicalmente lo spirito di un personaggio. E in questo caso Adriana è la tipica “grande parte” che porta con sé un buon numero di effetti scontati, ma che nel caso della sorvegliata scrittura di Cilea, diventa occasione per un canto logico, spontaneo e naturale, dove il cantante può diventare personaggio, se conosce il mestiere. L’orizzonte sonoro qui risente di una particolare gentilezza d’animo del compositore, che trattiene e circoscrive la melodia là dove gli altri suoi colleghi contemporanei preferiscono abbandonarsi alla piena del sentimento, risultando alla lunga scontato e un poco ripetitivo.

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Concorso internazionale di Canto lirico G.B. Rubini ed epistolario G.B. Rubini: presentazione il 7 aprile nel giorno del compleanno del grande tenor

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V Edizione Concorso internazionale di Canto lirico G.B. Rubini

25-27 aprile 2019

IV Edizione Rubini Festival

7-27 aprile 2019

COMUNICATO

Il Rubini Festival abbraccia quest’anno all’interno del proprio cartellone le date del Concorso internazionale di canto lirico G.B. Rubini, giunto alla quinta edizione: «Un modo per fare delle due manifestazioni un unicum, tale da dare a Romano la risonanza che merita e non soltanto come patria del grande tenore», come nelle parole del Sindaco di Romano Sebastian Nicoli.

Si parte domenica 7 aprile, compleanno del grande tenore, che dallo scorso anno è diventato davvero un giorno di festa cittadina. Il rinnovato Teatro della Fondazione OO.PP. G.B. Rubini ospiterà, a partire dalle ore 17.00:

-          la presentazione del Concorso internazionale di Canto Lirico 2019, con la partecipazione del Sindaco di Romano di Lombardia Sebastian Nicoli e di Abramo Bonomini Presidente della Fondazione OO.PP. G.B. Rubini;

-          la presentazione del monumentale epistolario di Giovanni Battista Rubini, che permetterà ricostruzioni storiche e musicologiche importanti della vita artistica degli anni del Maestro. Presentazione affidata a Maria Chiara Bertieri, curatrice dell’epistolario, e a Paolo Fabbri Direttore Area scientifica della Fondazione Teatro Donizetti (come da presentazione posta di seguito);

-          un concerto per fagotto e pianoforte con Mario Garavelli protagonista e interprete di fantasie su arie di opere di Donizetti e Bellini, già “cavalli di battaglia” di Rubini, trascritte per il suo strumento (come da programma posto di seguito).

Il Concorso internazionale di Canto lirico G.B. Rubini, da quest’anno a cadenza biennale, si terrà invece nei giorni 25 (Eliminatorie a porte chiuse), 26 (Semifinale a porte chiuse) e 27 aprile 2019, data della serata finale aperta al pubblico, alle ore 20.45 presso l’Auditorium Caterina Merisi dell’ISS G.B. Rubini di Romano.

Alta la qualità delle precedenti edizioni, che hanno lanciato nel panorama lirico internazionale giovani cantanti che in questi anni hanno calcato le scene di diversi teatri italiani, Scala compresa: da Taisya Ermolaeva a Bianca Tognocchi, da Andrea Comelli a Keon Woo Kim, da Carlos Cardoso a Selene Zanetti, da Bum Jo Lee ad Erika Tanaka e ancora a Paola Leoci, vincitrice dell’ultima edizione del Concorso.

Di prestigio le adesioni degli artisti che hanno preso parte alle giurie in questi anni; artisti a cui si uniscono le personalità del mondo lirico che siederanno in giuria quest’anno: Giovanna Lomazzi Vice Presidente Teatro Sociale Como/AsLiCo (presidente della giuria), Corinne Baroni Direttore Teatro Coccia di Novara, Danilo Boaretto Direttore di OperaClick, Elena Bresciani Mezzosoprano, Paolo Fabbri Direttore Area scientifica Fondazione Teatro Donizetti di Bergamo e Marco Impallomeni MCdomani Artist Management.

Aumentato il “montepremi” rispetto al passato: primo classificato 2500 euro, secondo classificato 2000 euro, terzo classificato 1500 euro.

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LA CALISTO, FRANCESCO CAVALLI - TEATRO REAL DI MADRID, 21 MARZO 2019

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Il fortunatissimo e iper psichedelico allestimento de La Calisto di Francesco Cavalli, pensato da David Alden per la Bayerische Staastoper di Monaco di Baviera nel 2005, approda sulle tavole del Teatro Real di Madrid per la bellezza di 9 rappresentazioni che si prevedono già tutte esaurite.

Rappresentare oggi uno spettacolo come La Calisto, è indubbiamente una sfida avvincente per il teatro che la propone, non tanto per l'effetto riesumazione di uno lavoro macchinoso e lontanissimo dai gusti di un pubblico moderno, quanto per il saper cogliere le avvincenti peculiarità della nascita del melodramma che segnò una autentica rivoluzione nel costume dello spettacolo e della vita sociale dell'epoca.

Degno continuatore dell'opera monteverdiana, Francesco Cavalli, non può essere ricordato a prescindere dall'ambiente in cui la sua produzione nacque e dal pubblico per cui venne composta. L'ambiente è una Venezia  immersa nel clima folle del Carnevale, del divertimento teatrale in cui il “nuovo” pubblico, quello pagante e non più il “vecchio” chiuso negli angusti ambienti di corte, si immergeva riconoscendosi e ritrovando sul palcoscenico ( pur nei complicati intrighi dei libretti) l'illusione di una vita felice in cui finzione e realtà si concretizzavano incredibilmente ricreando un presente veneziano.

E poiché la psicologia dello spettatore che compra un biglietto è diversa da quella di chi ha pagato tutto quanto, recita e teatro, ecco che si vengono a creare desideri, si accendono passioni, si fomentano pretese, si creano fanatismi  e rivalità.

E per questo pubblico nuovo, Cavalli diviene il compositore più ricercato , colui che dotato di una natura istintiva, realistica, ne sa interpretare perfettamente le aspirazioni e le esigenze, solleticandone la curiosità spettacolare con un teatro semplice e per molti aspetti, popolare, a ciò si aggiungano i marchingegni tecnici del palcoscenico, le stupefacenti magie delle macchine teatrali e si avrà subito un'idea di quel clima fantastico e meraviglioso.  Anche “La Calisto” risponde a queste caratteristiche: fantasia e arguzia, classicità e malizia libertina sono gli ingredienti per un successo garantito.

Successo anche a Madrid dove quel genio incredibile di David Alden immerge la sua “Calisto” in un bordello\night club anni 70 con luci al neon, decorazioni colorate psichedeliche ( scene di Paul Steinberg) e costumi sgargianti (di Buki Shiff). Divinità e mortali sembrano tutti parte di uno spettacolino per clienti lascivi: ecco Giove scendere le scale in un elegante smoking con la sigaretta in mano, Calisto canta una delle sue arie su di un palco con il microfono a gelato, Endimione è un cliente un po' naif non molto desiderato all'interno del locale, Giunone la matrona rompiballe che viene a cercare il marito fedifrago, Mercurio il factotum sordido, Linfea la carampana vogliosa e volgarotta. Tutto insomma perfettamente in linea con l'idea di Cavalli e Faustini (il librettista) che ricercavano nei loro lavori quella genialità sostanzialmente estemporanea, di una generosa complicità di invenzione, di una predilezione per contrasti drammatici netti e sbalzati, piuttosto che l'attitudine all'analisi, alla riflessione, che erano stati propri del maestro di Cavalli, Monteverdi. David Alden fa sua l'idea della coppia Cavalli\Faustini pur rimodernandola ed attualizzandola senza però stravolgere quel senso di forte eroticità e lascivia insita in uno spettacolo stracarico di passioni amorose, erotico, ricco di situazioni equivoche, di doppi sensi, d'amori leciti ed illeciti.

A sostenere musicalmente tanta abbondanza di inventiva, troviamo un generosissimo Ivor Bolton che a capo della Orquesta Barroca de Sevilla e del Monteverdi Continuo Ensemble, lavora sulla “partitura” del maestro cremasco con mano sapiente, ricreando una continuità musicale sulle poche notazioni lasciate dal Cavalli. Dialoghi e monologhi cantati, recitativi, motivi ripetuti, variazioni e bassi ostinati in melodie e arie, brevi interludi orchestrali, decorazioni espressive ed ornamenti sonori, rigoroso contrappunto nelle scene più drammatiche, questi sono il risultato ottenuto da Bolton per rendere più efficace l'impianto drammatico appena accennato nella scrittura di Cavalli, riuscendo a rivestirlo di quell'aulicità festosa che tanto piaceva all'eterogeneo pubblico veneziano di allora e a quello europeo di oggi.

Nella parte di Calisto troviamo Louise Alder che se ha tutte le carte in regola per dare al personaggio della ninfa tonta e avvenente, voce e corpo, manca ahimè della necessaria e indispensabile qualità per una cantante in questo repertorio. La Alden, pur sforzandosi, canta in una lingua tutta sua che però non è l'italiano e in un lavoro dove il testo è già di per suo funzione musicale, questo è inaccettabile. Qualità che invece hanno sia Monica Bacelli (il Destino, Diana, Le Furie) che fa di ogni parola, frase, sussurro un capolavoro di espressione, sia Luca Tittoto (Giove) spavaldo sulla scena quanto nella capacità di conferire veridicità e completezza alla parola che sta cantando. Spassosissimi e perfettamente in linea con il gusto  sopra le righe voluto da Cavalli, Dominique Visse (La Natura, Satirino, Le furie) e Guy de Mey (Linfea) due controtenori straordinari. Karina Gauvin è una Giunone nobilissima nel canto di donna tradita ma che sa trasformarsi in una spietata Erinni, con volate drammatiche negli accenti nei momenti evocanti la vendetta. Il Mercurio di Nikolay Borchev tradisce anch'egli difficoltà nella perfetta pronuncia del testo nonostante una ottima prova canora.

Strordinario pure Tim Mead (Endimione) agile e chiaro nelle fioriture come nella aderenza al testo cantato, dotato di una messa di voce che rende con naturalezza la sconfinata realtà delle emozioni del giovane pastore. Ed Lyon riesce a conferire al personaggio di Pan la giusta dose di eroismo e spavalderia ma difettando anch'egli purtroppo di quella perfezione nella pronuncia della parola qui assolutamente indispensabile. Andrea Mastroni è stato un ottimo Silvano per profondità di voce e squillo non indifferente. Giunone era Karina Gauvin

Un plauso speciale ai numerosi attori che hanno fatto da contorno alla scena nelle vesti di ninfe, animali e ai due pavoni reali che accompagnano la presenza di Giunone sulla scena, coordinati nelle movenze sceniche da Magdalena Padrosa (da un'idea originaria di Beate Vollak).

Al termine del lungo spettacolo (circa 3 ore) applausi convinti per tutti da parte di un pubblico entusiasta e partecipe.

Pierluigi Guadagni

 

LA   PRODUZIONE

 

Direttore: Ivor Bolton

regia: David Alden

scene: Paul Steinberg

Costumi: Buki Shiff

Lighting designer: Pat Collins

coreografie: Beate Vollack

 

GLI   INTERPRETI

 

La Natura / Satirino / Le furie: Dominique Visse

L’Eternità / Giunone: Karina Gauvin

Il Destino / Diana / Le furie: Monica Bacelli

Giove: Luca Tittoto

Mercurio: Nikolay Borchev

Calisto: Louise Alder

Endimione: Tim Mead

Linfea: Guy de Mey

Pane: Ed Lyon

Silvano: Andrea Mastroni

Orquesta Barroca de Sevilla

Monteverdi Continuo Ensemble

PH. BY JAVIER DEL REAL

 

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OTELLO, GIUSEPPE VERDI – TEATRO LA FENICE DI VENEZIA, VENERDI’ 22 MARZO 2019

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Revocato fortunatamente lo sciopero per la Prima ritorna al Teatro la Fenice l’intimistica produzione dell’ Otello verdiano targata  Francesco Micheli, il cui punto di forza è l’analisi psicologica dei personaggi ed ovviamente del rapporto tra il bene ed il male rappresentati da Otello ed il suo antagonista.  Ciò che circonda le loro subdole azioni è un velo di ipocrisia generale laddove chi accusa è colpevole a sua volta o lo diventa inevitabilmente. L’invidia, la mera cattiveria o la sete di potere sono colpe universali e tristemente attuali che spesso spingono l’uomo al successo molto più che la forza di volontà, l’onestà e la fedeltà, e se Jago ed Otello restano comunque scottati dalle loro azioni, nel mondo reale tanto spesso la si fa franca senza ritegno. Allora Micheli costringe l’azione principale in un claustrofobico cubo, una gabbia dorata in cui si consuma l’amore ma anche il delitto, intorno a cui Jago dal suo letto riflette, studia, cospira.. Le magnifiche proiezioni celesti incorniciano un 'castello' di sogni troppo brevemente cullati, e lo stesso palcoscenico da magico diventa sanguinolento, dai toni cupi, senza bagliori di speranza. Edoardo Sanchi è artefice della cornice scenica ed i costumi sono di Silvia Aymonino.

Se Otello è un uomo vigoroso, ma che si scioglie di miele fuso al fuoco lento dell’amore, non così è parso il suo interprete Marco Berti. Il timbro è quello di sempre ed il volume riflette certo la forza del Moro veneziano letteralmente ‘pettinando’ chi si trova nelle prime file. Ma il personaggio manca di sfumature, il canto sembra faticoso in diversi passaggi mettendo a rischio l’intonazione. Forza e carattere non sono completati dal lato gentile da cui Desdemona fu rapita.

Ed è Carmela Remigio la dolce consorte dell’impavido condottiero dell’Armata Veneta. Il soprano è corretto nel ruolo di donna sensibile ed innocente, dimessa alla mercé del destino ormai siglato da altri; la sua preghiera è summa di una interpretazione diremmo ‘raccolta’, tanto vocalmente che scenicamente. Molto personale e disinvolto lo Jago di Dalibor Jenis. Sfrutta le caratteristiche della voce con accenti ed inflessioni che danno veridicità al personaggio dai toni foschi ed al contempo melliflui nell’ottenere il favore del suo generale. Un ruolo centrato che domina la scena anche sugli altri. Matteo Mezzaro è un più che corretto Cassio, marionetta in balia degli intrighi suo malgrado; ben si disimpegnano i comprimari Antonello Ceron nel ruolo di Roderigo, Mattia Denti come Lodovico,  Matteo Ferrara, alias Montano, ed Elisabetta Martorana come Emilia.

Myung-Whun Chung  è artefice della cornice musicale che avvolge gli interpreti in questa produzione che vede forse nell’orchestra il suo elemento migliore. Se i protagonisti non sembrano generalmente brillare per ‘spessore’ interpretativo, diverso è il discorso per l’orchestra, che sotto la guida del direttore suona vigorosa e palpitante, che non significa fragorosa o ingombrante. Sembra quasi arricchire quanto forse manca sul palco nei diversi momenti scenici, costruendo sempre un ponte sicuro tra i passaggi di rilievo e i momenti apparentemente secondari, sì da ottenere un suono uniforme e ricco.   

Il piccolo coro d voci bianche di Diana D’Alessio è corretto, oltre che adorabile, come preciso nell’insieme il collaudato coro preparato da  Claudio Marino Moretti.

Tutti gli artefici dello spettacolo sono stati applauditissimi al termine dello spettacolo.

Maria Teresa Giovagnoli.

 

LA   PRODUZIONE

 

Direttore                          Myung-Whun Chung 

Regia                               Francesco Micheli 

Scene                               Edoardo Sanchi

Costumi                           Silvia Aymonino

 

GLI   INTERPRETI

 

Otello                                Marco Berti
Desdemona 
                     Carmela Remigio

Jago                                  Dalibor Jenis

Cassio                               Matteo Mezzaro

Roderigo                          Antonello Ceron

Lodovico                          Mattia Denti

Montano                          Matteo Ferrara

Emilia                               Elisabetta Martorana

 

Orchestra e Coro del Teatro La Fenice

Maestro del Coro               Claudio Marino Moretti


Piccoli Cantori Veneziani 

Maestro del Coro               Diana D’Alessio 

 FOTO MICHELE CROSERA

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Presentation 65th edition Maria Canals Barcelona Contest

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March 20th, 2019

Young and talented pianists from all over the world gather in Barcelona for the 65th edition of the Maria Canals International Music Competition

 
  • A total of 88 young and talented pianists from 33 different countries will take part in the 65th Maria Canals Competition, between March 23rd and April 4th, 2019.
  • The Competition will be held at the Palau de la Música Catalana and will consist of two preliminary rounds, a semi-final and a final with orchestra.
  • Music and spring are the unifying thread of this year’s Maria Canals International Music Competition, which also puts together a great number of educational, social and informative activities within the framework of the OFF Competition.
  • This year’s new image has been devised and will be presented by visual artist Tatiana Blanqué.
  • As a new project, piano works will be commissioned to Catalan composers, and the contestants will add such works to their own repertoire.
 


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ORCHESTRA DI PADOVA E DEL VENETO, 53^ STAGIONE CONCERTISTICA - CONCERTO DEL 14 MARZO 2019, PIANOFORTE SOLISTA E DIRETTORE ORAZIO SCIORTINO

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Nell'ambito della Regione Veneto, l'Orchestra di Padova e del Veneto risulta l'unica Istituzione Concertistico-Orchestrale in attività. Fondata nel 1966, ha avuto tra i suoi direttori ospiti nomi del calibro di N. Marinner, P. Herreweghe, S. Accardo, R. Chailly solo per citarne alcuni e collaborazioni con i più importanti concertisti e compositori del mondo.

Per il suo concerto n.6751, ha invitato Orazio Sciortino che in veste sia di direttore che di pianista,  ha pensato ad un programma decisamente invitante, se non altro per l'esecuzione di due tra i più interessanti concerti per pianoforte ed orchestra di Carl Philipp Emanuel Bach, di rarissima esecuzione perlomeno in Italia.

Il concerto si è aperto con una esecuzione felicissima dell'Overture in fa minore op.64 Egmont di L.V. Beethoven.

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Programmi del XIX Festival Pergolesi Spontini e la 52^ Stagione Lirica del Teatro Pergolesi di Jesi

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Comunicato stampa

La prima mondiale della versione italiana di “Aucassin e Nicolette”di Mario Castelnuovo-Tedesco inaugura il 31 agosto al Teatro Pergolesi di Jesiil XIX Festival Pergolesi Spontini, che prosegue fino 28 settembre con 28 eventi sul tema “Futuro. Infinito”.

 

Nel cartellone della 52esima Stagione Lirica di Tradizione del Teatro Pergolesi di Jesi tre titoli del grande repertorio, “Madama Butterfly”, “Turandot” e “Carmen” di Bizet, una nuova produzione di CirOpera in prima rappresentazione assoluta, l’anteprima mondiale del balletto “Shine!” di Micha van Hoecke, un progetto con le scuole per l’apprendimento dell’opera lirica.

 

“Futuro.Infinito” è il tema del XIX Festival Pergolesi Spontini, rassegna internazionale ‘itinerante’ che si terrà dal 31 agosto al 28 settembre a Jesi, nelle Marche, e in luoghi di grande fascino artistico o paesaggistico della provincia di Ancona. Organizzato dalla Fondazione Pergolesi Spontini, e formato per la prima volta nella direzione artistica da Cristian Carrara, il Festival proporrà una riflessione sul futuro - e sulle radici storiche su cui si fonda - e la propensione verso l’infinito, con ogni evento che, attraverso punti visuali differenti, proporrà una particolare sfaccettatura del tema principale.

In cartellone, 28 eventi in 21 giorni e 10 location, con 2 prime mondiali, 2 co-produzioni, 3 nuove commissioni, 5 eventi per tutta la famiglia. 150 gli artisti coinvolti, di cui 65 under 35 ed 1 robot, attraverso diversi generi musicali – opere, concerti e spettacoli di teatro musicale, dal barocco al classico, dal jazz al musical al pop – e la contaminazione tra differenti linguaggi: poesia, danza, arte, visual design, mapping, astronomia, robotica, clownerie, narrazione, enogastronomia.

Un Festival nuovo, pensato per incontrare pubblici e gusti differenti, e che penserà anche ai bambini e alle loro famiglie, con la possibilità, inoltre, di lasciare i propri figli a divertirsi nei nostri laboratori musicali.

Anche nella 52esima Stagione Lirica di Tradizione del Teatro Pergolesi di Jesinon mancheranno le novità. Da ottobre a novembre, accanto a tre titoli del grande repertorio - “Madama Butterfly” di Puccini, “Turandot”di Puccini e “Carmen”di Bizet -sarà una nuova produzione di CirOperain occasione dei 500 anni dalla morte di Leonardo da Vinci e dei 50 anni dallo sbarco sulla luna. A giugno, il cartellone della stagione lirica si arricchisce di una nuova proposta di danza, con l’anteprima mondiale di “Shine!”nuova creazione di Micha van Hoecke, balletto dedicato ai Pink Floyd su musiche dal vivo, con la più importante band italiana di cover dell’indimenticabile gruppo britannico. Anticipa il cartellone, a maggio, un progetto di eccellenza in ambito musicale e teatrale per l’apprendimento dell’opera lirica, quest’anno sull’opera “Turandot”.

IlXIX FESTIVAL PERGOLESI SPONTINI inaugura sabato 31 agosto ore 21 al Teatro Pergolesi di Jesi, con la prima mondiale della versione italiana di “Aucassin et Nicolette”(1938), cantafavola del xii secolo in quattro episodi per una voce, orchestra da camera e marionette di Mario Castelnuovo-Tedesco, con la regia di Paul-Émile Fourny, le scene di Benito Leonori, la voce del mezzosoprano Alessia Nadin, per una coproduzione con Opéra-Théâtre de Metz Métropole. Scritta nel 1938, pochi mesi prima della sua partenza per gli Stati Uniti, a seguito delle leggi razziali, “Aucassin et Nicolette”,fu messa in scena, nella versione originale in francese, per la prima volta solamente nel 1952 al teatro del Maggio Fiorentino. Il Festival contribuisce alla riscoperta di un capolavoro destinato a tutti, grandi e piccoli, producendo un nuovo fiabesco allestimento.

Dedicato alle famiglie e ad un pubblico di giovani e giovanissimi è anche il concerto “Sfida alla tastiera” (2 settembre ore 18, Jesi Piazza delle Monachette) con il pianista Roberto Prosseda in un originale programma in cui sfiderà il pianista robot Teo Tronico; il “Concert Jouet. Concerto semiserio per voce e violoncello” (8 settembre ore 17,30 Piazza delle Monachette) ispirato al mondo del clown, tra musica e fisicità; “Into the woods” (22 settembre ore 17, Teatro Pergolesi), dal capolavoro di Stephen Sondheim, un classico del musical teatrale che omaggia alcune delle più celebri fiabe dei fratelli Grimm, protagonista la Compagnia della Bernstein School of Musical Theater; il “Social Opera” spettacolo di teatro e danza (27 settembre ore 21, Teatro Pergolesi) ispirato all’opera Carmen di Bizet che vede in scena la compagnia OperaH, un gruppo di dodici persone con disabilità fisica/intellettiva, e gli studenti delle scuole della città di Jesi.

L’omaggio a Pergolesi e Vivaldi, tra antiche sonorità e variazioni elettroniche, vede ospiti internazionali. Tra loro il direttore d’orchestra e compositore MatthieuMantanus e la visual designer Sara Caliumi(4 settembre ore 21, Piazza delle Monachette) cui il Festival in coproduzione con Fondazione Pietà de’ Turchini ha commissionato un nuovo spettacolo dal titolo “BaroqueReloaded”, dove la musica barocca verrà riletta in chiave elettronica e “disegnata” secondo un unico e originale video mapping. La soprano Gemma Bertagnolli, tra le voci più note ed ammirate di questo repertorio, con Gli Archi del Cherubino, talentuoso Ensemble abruzzese di giovani, proporrà un viaggio ideale tra “La Furia e l’Estasi” su musiche di Vivaldi, Pergolesi e Bach (11 settembre ore 21, Chiesa di San Niccolò); il violoncellista Gaetano Nasillo, tra i più importanti specialisti del repertorio antico, propone il “Giardino di Partenope”, il 19 settembre ore 21 alla Chiesa degli Aroli di Monsano, con le sonate napoletane per violoncello (Pergolesi, Porpora, Alborea). “Le quattro stagioni”di Antonio Vivaldi saranno eseguite da I Solisti Aquilani in piazza delle Monachette (15 settembre ore 21), con uno spettacolo di video mapping appositamente commissionato per l’occasione.

In ambito classico il Festival vede la presenza di Francesca Dego, artista Deutsche Grammophone, tra le più importanti violiniste italiane, in duo con Francesca Leonardi nel concerto “Suite Italienne” con musiche di Respighi, Stravinskj, Szymanowski (1 settembre ore 21, Piazza delle Monachette); il pianista RaminBarhami, uno dei più raffinati interpreti bachiani, in duo con il flautista Massimo Mercelli, con in programma le sonate per flauto e pianoforte di J.S. Bach (“Bach Sanssouci”, 8 settembre ore 21, Piazza delle Monachette); lo spettacolo “Opera”in prima assoluta diretto da Beatrice Venezi (Teatro Pergolesi, 20 settembre ore 21), con un Ensemble di giovani solisti costituito per  l’occasione, in un innovativo progetto che nasce con il supporto di Casa Musicale Sonzogno e un gruppo di compositori contemporanei che riscriveranno le più celebri arie d’opera. In programma, inoltre, il concerto “Vibrato sublime” con musiche di Brahms e Mendelsshon, del Quartetto d’archi Maas& Young Strings Talents of the World (12 settembre ore 21, Teatro Pergolesi), e “Popularia Aurea” con musiche di Bach, Villa Lobos, Piazzolla, Bizet-Borne (28 settembre ore 18, Teatro Pergolesi).

Importanti e numerosi i concerti dal jazz ai confini del pop. Il 3 settembre ore 21 al Teatro Pergolesi, l’appuntamento è con Richard Galliano, il più importante fisarmonicista vivente, con il suo quintetto, in un programma che spazierà da Vivaldi alla musica d’oggi di Giovanni Sollima. Il 9 settembre ore 21 in Piazza delle Monachette suona il “Accordi e disaccordi”, Trio gipsy & swing jazz dalle atmosfere straordinarie, ospite fisso dei più importanti jazz festival del mondo. Tra le grandi voci, quelle di Antonella Ruggiero (14 settembre ore 21), che torna al Teatro Pergolesiin un programma di grandi successi della cantante e di brani della canzone d’autore italiana, e di Alice in “Art e Décoration” (21 settembre ore 21, Teatro Pergolesi), in un’interpretazione degli spartiti che anticiparono la forma-canzone nel genio di Satie, Fauré, Ravel, Villa-Lobos, Saint-Saëns. Il 17 settembre ore 21 il sassofonista Baptiste Herbin con la Colours Jazz Orchestra sarà in Piazza delle Monachette per un grande concerto in collaborazione con Jesi Jazz Festival.

Molti gli spettacoli concepiti per offrire, assieme alla musica, un’esperienza unica e multisensoriale. Come le “Visite musicali a Palazzo Pianetti” (1 settembre ore 17 e ore 19), un suggestivo percorso musicale dal ‘400 all’800, eseguito dal vivo e un allestimento di luci e colori in grado di coinvolgere tutti i sensi; il concerto “A riveder le stelle”(6 settembre ore 21), un format innovativo del Festival Pergolesi Spontini, con il pianoforte di Carlo Guaitoli al parco Colle Celeste di Maiolati, dove la musica condurrà in un percorso mozzafiato alla scoperta di astri e nebulose grazie alla partecipazione di Gianluca Masi, astrofisico e curatore scientifico del Planetario e Museo Astronomico di Roma; lo spettacolo “E come il vento” (10 settembre ore 21, Chiesa di San Niccolò), con la voce recitante di Carlo Rondoni dedicato alle celebrazioni per i 200 anni della scrittura de L’infinito di Giacomo Leopardi, il pianoforte di Nazzareno Carusi e la danza di Agnese Trippa; il balletto “Prélude à l’après-midi d’un faune”(13 settembre ore 21, Chiesa di San Niccolò) dal poema sinfonico di Claude Debussy nella versione coreografica di Amedeo Amodio, con i solisti della Daniele Cipriani Entertainment, la musica eseguita dal vivo da arpa e flauto, e la presenza dell’attrice Vanessa Gravina; infine tre concerti “Wine opera” (8, 15 e 22 settembre ore 11) nelle cantine del Verdicchio dei Castelli di Jesi Pievalta, Vignamato e Colonnara, tra le arie d’opera che evocano Amore, Gelosia e Frivolezza, gustando i sapori ed i profumi del luogo.

Il cartellone della 52ESIMA STAGIONE LIRICA DI TRADIZIONE DEL TAETRO PERGOLESIpropone tre titoli del grande repertorio ed una nuova produzione di CircOpera nella consueta collocazione autunnale, da ottobre a dicembre, una nuova produzione di danza a giugno, un progetto di avvicinamento al melodramma per le scuole del territorioa maggio.

Mercoledì 5 giugno ore 21 debutta in anteprima mondiale, al termine di una residenza artistica al Teatro Pergolesi, il balletto “Shine. Pink Floyd Moon”,coreografia e regia diMicha van Hoecke, dedicato ai Pink Floyd su musiche eseguite dal vivo dai Pink Floyd Legend, la più importante band italiana di cover dell’indimenticabile gruppo britannico, con i solisti e il corpo di ballo della Daniele Cipriani Entertainment, per una nuova creazione nata dalla coproduzione tra Daniele Cipriani Entertainment e la Fondazione Pergolesi Spontini.

La Stagione Lirica in abbonamento di apre venerdì 18 ottobre alle ore 20.30 e domenica 20 ottobre ore 16 (anteprima giovani mercoledì 16 ore 16) con “Madama Butterfly” di Giacomo Puccini, diretta da David Crescenzi, con la regia di Matteo Mazzoni, le scene di Benito Leonori, i costumi di Patricia Toffolutti. Si tratta di una nuova produzione della Fondazione Pergolesi Spontini in co-produzione con Teatri e Umanesimo Latino SpA Treviso e Fondazione Teatro Comunale di Ferrara, nell’allestimento della Romanian National Opera di Cluj-Napoca realizzato dalla Fondazione Pergolesi Spontini.

Venerdì 22 novembre ore 20.30, sabato 23 ore 20.30 (fuori abbonamento) e domenica 24 ore 16, con anteprima giovani il 19, 20 e 21 novembre, debutta in prima rappresentazione assoluta la nuova produzione di “CircOpera”, della Fondazione Pergolesi Spontini in collaborazione con El Grito Circo Contemporaneo all’antica e con Bernstein School of Musical Theater. Lo spettacolo, diretto da Marco Attura, con la regia di Giacomo Costantini, le scene di Benito Leonori ed i costumi di Beatrice Giannini, celebra i 500 anni dalla morte di Leonardo da Vinci e i 50 anni dallo sbarco sulla luna, e coniuga la tradizione operistica italiana con la tradizione musicale del circo.

Venerdì 29 novembre ore 20.30 e domenica 1° dicembre ore 16 con anteprima giovanimercoledì 27 novembre ore 16, va in scena l’opera “Turandot”di Giacomo Puccini, diretta da Pietro Rizzo con la regia, le scene, costumi e luci di Pier Luigi Pizzi, in una nuova produzione della Fondazione Pergolesi Spontini in coproduzione con Fondazione Rete Lirica delle Marche e Teatro Marrucino di Chieti.

Venerdì 20 dicembre ore 20.30, domenica 22 ore 16, con anteprima giovani mercoledì 18 dicembre ore 16, il Teatro Pergolesi, c’è “Carmen”di Georges Bizet, diretta da Beatrice Venezi con la regia di Paul-Émile Fourny, le scene di Benito Leonori, i costumi di Giovanna Fiorentini, per una nuova produzione della Fondazione Pergolesi Spontini in co-produzione con Opéra-Théâtre de Metz Métropole, Opéra de Massy, Opéra de Reims et Centre lyrique Clermont Auvergne, Fondazione Rete Lirica delle Marche.

A maggio si terrà il Progetto Scuola InCanto 2018-2019, progetto di eccellenza in ambito musicale e teatrale per l’apprendimento dell’opera lirica organizzato da Europa InCanto in collaborazione con Fondazione Pergolesi Spontini. Le scuole del territorio saranno coinvolte nell’allestimento dell’opera “Turandot” di Puccini in scena al Teatro Pergolesi dal 19 al 21 maggio, con la direzione artistica e musicale di Germano Neri, riduzione e adattamento di Nunzia Nigro, regia di Lisa Capaccioli, scene di Danilo Mancini , costumi di Francesco Morabito, suona l’Orchestra Eico, in scena i Cantanti di Europa InCantoe gli alunni degli Istituti Comprensivi “Marchetti” e “Senigallia Sud” di Senigallia, “San Francesco” di Jesi, “Raffaello Sanzio” e “Falconara Centro” di Falconara Marittima, “Caio Giulio Cesare” di Osimo.

Il Festival Pergolesi Spontini è organizzato dalla Fondazione Pergolesi Spontini

Con il sostegno di Ministero dei Beni e delle Attività Culturali - Regione Marche

Soci Fondatori Comune di Jesi - Comune di Maiolati Spontini

Partecipanti Aderenti Comune di Monsano - Comune di San Marcello

Partecipante Sostenitore Camera di Commercio di Ancona

Fondatori Sostenitori Gruppo Pieralisi - Leo Burnett - Starcom Italia

In collaborazione con Accademia di Belle Arti di Macerata - Associazione Circolo Ernesto Nathan Jesi - Associazione Jesina Astrofili - Associazione Jesi Centro - Azienda agricola Pievalta - Azienda agricola Vignamato - Colonnara - Consorzio Marche Spettacolo e MAB Marche - Musei, Archivi e Biblioteche - Istituto Marchigiano di Tutela Vini - Residart Festival

Media partner Classica HD

 

La 52^ Stagione Lirica di Tradizione è organizzata dalla Fondazione Pergolesi Spontini

con il sostegno di Ministero dei Beni e delle Attività Culturali, Regione Marche

Soci Fondatori Comune di Jesi - Comune di Maiolati Spontini

Partecipanti Aderenti Comune di Monsano, Comune di San Marcello

Partecipante Sostenitore Camera di Commercio di Ancona

Fondatori Sostenitori Gruppo Pieralisi, Leo Burnett, Starcom Italia

in co-produzione con Daniele Cipriani Enterteinment, Teatri e Umanesimo Latino SpA Treviso, Fondazione Teatro Comunale di Ferrara, Fondazione Rete Lirica delle Marche, Teatro Marrucino di Chieti, Opéra-Théâtre de Metz Métropole, Opéra de Massy, Opéra de Reims et Centre lyrique Clermont Auvergne

in collaborazione con El Grito Circo Contemporaneo all’antica, Bernstein School of Musical Theater, Europa InCanto

Info: Fondazione Pergolesi Spontini www.fondazionepergolesispontini.com

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Debutta al Comunale di Bologna un nuovo "Barbiere di Siviglia" che andrà in tournée in Giappone

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Comunicato stampa 

Il Teatro Comunale di Bologna produce
un nuovo Barbiere di Siviglia che andrà in tournée in Giappone
 

Dirige Federico Santi; regia di Federico Grazzini; protagonisti Roberto De Candia, Antonino Siragusa e Cecilia Molinari 

Il debutto a Bologna il 17 marzo con diretta su Radio3 Rai 

Repliche il 20, 24, 26 e 28 marzo; in scena in Giappone dal 16 al 26 giugno

È tutta italiana la nuova produzione del Barbiere di Siviglia di Gioachino Rossini che debutta al Teatro Comunale di Bologna domenica 17 marzo alle ore 20.00 – in diretta su Radio3 Rai – con repliche fino al 28 marzo, per poi andare in tournée in Giappone in giugno, sempre con i complessi del TCBO. Il nuovo allestimento, interamente prodotto dal Comunale, è firmato dal giovane regista italiano Federico Grazzini, alla sua prima collaborazione con il teatro felsineo. Sul podio è chiamato il direttore d’orchestra torinese Federico Santi, già noto al pubblico bolognese per aver recentemente diretto I Capuleti e i Montecchi di Vincenzo Bellini. Le scene sono di Manuela Gasperoni, i costumi di Stefania Scaraggi e le luci di Daniele Naldi. Il coro è preparato da Alberto Malazzi.
 

Il capolavoro buffo in due atti di Rossini su libretto di Cesare Sterbini, tratto dalla commedia omonima di Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais, sarà affidato a Bologna a una compagine di specialisti rossiniani, capitanata da Antonino Siragusa nelle vesti del Conte d'Almaviva (sostituito da Diego Godoy nelle recite del 24, del 26 e del 28 marzo). Insieme a lui in scena sono impegnati Roberto De Candia nella parte di Figaro (Vincenzo Nizzardo il 24, il 26 e il 28 marzo), Cecilia Molinari in quella di Rosina (Serena Malfi il 20 marzo), Marco Filippo Romano come Bartolo e Andrea Concetti come Basilio. Completano il cast Laura Cherici (Berta), Nicolò Ceriani (Fiorello), Sandro Pucci (Un ufficiale) e Massimiliano Mastroeni (Ambrogio). 

«Uno degli aspetti fondamentali della nostra lettura è quello metateatrale – dice il regista Federico Grazzini. Nell’opera di Rossini esistono troppi riferimenti metateatrali per essere ignorati, basti pensare a quante volte è citata dai personaggi l’opera stessa: L’inutil precauzione. Se si cercasse di rileggere la storia esclusivamente in chiave realistica, certi elementi apparirebbero drammaturgicamente incoerenti: rappresentare il Barbiere in chiave metateatrale significa innanzitutto mostrare al pubblico che il mondo in cui è ambientata la storia è finto. 
Un altro elemento che attraversa l’opera e che abbiamo voluto tematizzare – prosegue il regista – è la follia, l’imprevedibile alternanza delle situazioni e la varietà del gioco teatrale che porta nel finale primo “il cervello poverello” dei personaggi e degli spettatori a “confondersi” e ad “impazzar”. Abbiamo deciso di sviluppare simbolicamente questo filo rosso per mezzo di un elemento: una palla da demolizione. La palla comparirà nei due finali come elemento di rottura che fa breccia nel reale: nel primo per far “rimbombare muri e volte con barbara armonia”, nel secondo per sancire festosamente la vittoria dell’amore come forza irrazionale sul mondo ordinato e dispotico di Bartolo». 

Lo spettacolo è realizzato grazie al contributo di Automobili Lamborghini, che sceglie di sostenere per la quarta stagione consecutiva il Teatro Comunale, dopo l'Attila inaugurale del 2016, la Lucia di Lammermoor del 2017 e La bohème che ha aperto il cartellone 2018.

I biglietti (da 140 a 10 euro) sono in vendita sul sito www.tcbo.it e presso la biglietteria del Teatro Comunale di Bologna. Eventuali biglietti invenduti saranno disponibili il giorno dello spettacolo al 50% del costo. 

Il barbiere di Siviglia è la produzione che il Teatro Comunale di Bologna ha scelto di portare in tournée in Giappone in giugno insieme alRigoletto di Giuseppe Verdi firmato dal regista Alessio Pizzech, anch'esso proposto prima a Bologna dal 19 al 30 marzo 2019. 

L’opera di Rossini andrà in scena a Osaka (Festival Hall) sabato 16 giugno, a Tokyo (Bunkamura Orchard Hall) mercoledì 20 giugno, a Yokohama (Kanagawa Kenmin Hall) venerdì 22 giugno, di nuovo alla Bunkamura Orchard Hall di Tokyo il 24 giugno e a Fukuoka (Across Fukuoka) il 26 giugno. La tournée è realizzata in collaborazione con la società Concert Doors Co. Ltd., che dal 1996 ha organizzato circa cinquanta tournée in Giappone insieme a teatri italiani ed europei. 

IL BARBIERE DI SIVIGLIA 
Dramma comico in due atti 
Libretto di Cesare Sterbini 
Musica di Gioachino Rossini 
Direttore Federico Santi 
Regia Federico Grazzini 
Maestro del Coro Alberto Malazzi 
Scene Manuela Gasperoni 
Costumi Stefania Scaraggi 
Luci Daniele Naldi 
Assistente alla regia Angelo Smimmo 

Orchestra, Coro e Tecnici del Teatro Comunale di Bologna 

Nuova produzione del Teatro Comunale di Bologna 

Personaggi e interpreti 
Il Conte d’Almaviva Antonino Siragusa / Diego Godoy * 
Bartolo Marco Filippo Romano 
Rosina Cecilia Molinari / Serena Malfi ** 
Figaro Roberto De Candia Vincenzo Nizzardo * 
Basilio Andrea Concetti 
 
Berta Laura Cherici 
Fiorello Nicolò Ceriani 
Ambrogio Massimiliano Mastroeni 

Date 
Domenica 17 marzo 2019 - ore 20.00 - Turno Prima 
Mercoledì 20 marzo 2019 - ore 20.00** - Turno A 
Domenica 24 marzo 2019- ore 15.30* - Turno D 
Martedì 26 marzo 2019 - ore 20.00* - Turno B 
Giovedì 28 marzo 2019 - ore 18.00* - Turno P 
 
(Rocco Casaluci - foto di copertina)
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Press release · The Liceu celebrates the '20 years' season

Liceu

Press Release

THE LICEU CELEBRATES THE ‘20 YEARS’ SEASON

The artistic project looks to the future and remembers the past with great titles, great voices and the opening of five new productions, three of them led by the Liceu.

New productions of Franc Aleu’s Turandot, which opens the season, Lohengrin from Katharina Wagner and Il barbiere de Siviglia from Josef Ernst Köpplinger will be performed for the first time in the Liceu.

Doña Francisquita, staged by Lluís Pasqual and Alcione, with musical direction from Jordi Savall, are two new co-productions from the Teatro de la Zarzuela and the Opéra Comique de Paris, respectively.

Carmen from Calixto Bieito and Aida with stage design from Mestres Cabanes, are two of the Liceu’s most emblematic productions and feature the most prestigious cast to celebrate its 20 years.

A celebration of great voices: Anna Netrebko and Yusif Eyvazov, Javier Camarena, Juan Diego Flórez, Joyce DiDonato, Anita Rachvelishvili, Roberto Alagna, Klaus Florian Vogt, Clémentine Margaine, Gregory Kunde, Jorge de León and Myrtò Papatanasiu, among many others.

Cavalleria rusticana / Pagliacci comes to the Liceu in one of the most acclaimed productions by the Royal Opera House, directed by Michieletto, with the voices of Alagna and Pankratova, and conducted by the maestro Nánási.

  

McVicar presents La clemenza di Tito, Mozart’s final opera, which stars Fanale and Nurgeldiyev as Tito, and Remigio, Papatanasiu and Goikoetxea as Vitellia.

María Pagés, in co-production with the Liceu, presents De Scheherazade a Yo, Carmen, a new interpretation of the gypsy tobacco factory worker, in which the choreographer stays clear of ‘folklorisms’.

Major successes in the world of dance: the English National Ballet returns withGiselle by Akram Khan, and Les Grands Ballets Canadiens portrays a journey from the shadows of Pergolesi’s Stabat Mater to the apotheosis of Beethoven’s Seventh Symphony.

Mahler’s Second Symphony, “Resurrection”, will be the main symphony concert, which the Orchestra and the Chorus of the Gran Teatre del Liceu will perform in the theatre, as part of the Memorial Pau Casals, under the direction of Josep Pons.

Along this line, there will also be a series of symphony concerts held throughout the territory and chamber music will take on a relevant role, with exhilarating projects from the Orchestra itself, that can be enjoyed both in the theatre and in Barcelona and the rest of Catalonia.

Diàlegs de Tirant i Carmesina, a chamber opera by Joan Magrané depicting the protagonists of Matorell’s novel, can be seen in the Foyer del Teatre in collaboration with Òpera de Butxaca.

Two new productions from El Petit Liceu: El monstre al laberint, a participative opera by Dove, with stage direction by Paco Azorín and La Barcarola by Juan Pablo Mendiola, a musical-visual experience for young children.

The exhibition, “Opera: passion, power and politics” comes to CaixaForum Barcelona on 17th September. An original idea from the Victoria and Albert Museum, adapted and produced by ”la Caixa”, which, in collaboration with the Liceu, tells of the evolution of the genre of opera through an immersive experience.

To mark 20 years since its re-opening, discounts of up to 25% will be offered on subscriptions for regular seats and 35% on popular subscriptions. These are new features which will improve accessibility to the opera, to the theatre and to the new season.

Those under 35 years of age may continue to enjoy pre-release tickets at € 15 each and, in addition to this, they will be able to purchase tickets at a special price of € 30 for all titles, a fortnight before each performance premiers.

DOWNLOAD PHOTOS OF THE PRESENTATION HERE

PHOTOS OF THE PRODUCTIONS AND THIS SEASON’S PROGRAMME HERE

https://www.liceubarcelona.cat/es/sala-prensa

Barcelona, 12th March 2019

The president of the Fundació del Gran Teatre del Liceu, Salvador Alemany, the managing directorValentí Oviedo, the artistic director Christina Scheppelmann and the music director Josep Ponshave today, in the Foyer, presented the new season of 20 years since the re-opening of the theatre, an artistic project that appeals to the rebirth of an institution which is a reference in southern Europe and a symbol of Catalonia. The new season also reclaims the fundamental role of opera within our society, using the slogan The power of the opera. A power which, together with the people, helped the theatre to rise from the ashes in 1999.

The new season 2019/20 anticipates a budget of 48.3 million euros, an increase of 3.6% compared to the previous season, which totalled 46.6 million euros. The artistic project includes a total of eleven titles that remember the past and look to the future of the Liceu in a season of spectacular productions and great voices – ten staged operas and one in a concert version of ten composers –. Dance remains a pillar of the theatre, with three leading ballets, adding to six concerts and recitals, eight shows from El Petit Liceu and activities in the Foyer. These include a new project of chamber opera, with Diàlegs de Tirant i Carmesina by Joan Magrané, based on the protagonists from Joanot Martorell’s novel and with stage direction from Marc Rosich. There will also be the regular programme of Off Liceu and the Liceu’s chambers.

celebration of opera, where five new productions will be shown with the participation of the Gran Teatre del Liceu, three of them led by the theatre, which will be premiered worldwide next season, as in the case of Puccini’s Turandot. Following the memorable inauguration on 7thOctober 1999, the Liceu will again don their finest to inaugurate a new version of Turandot from the visual creator Franc Aleu, a performance which retraces history and looks to the future, with a high-tech project under the musical direction of the maestro Josep Pons. An inauguration to remember, with the greatest voices: Iréne Theorin and Lise Lindstrom —who will perform her debut in the Liceu— as Princess Turandot, and Jorge de León and Gregory Kunde as Calaf. The Liceu also captains two new co-productions: Lohengrin by Wagner, with stage direction by Katharina Wagner, great-granddaughter of the composer –a project developed together with the Leipzig Opera that features the voices of Klaus Florian Vogt and Evelyn Herlitzius—, and an interpretation of Rossini’s Il barbiere di Siviglia by Josef Ernst Köpplinger, co-produced by Staatstheater am Gärtnerplatz (Munich) and the Théâtre Capitole (Toulouse).

The great voices, a reference in the history of the theatre, will be a leitmotiv in this celebration of the re-opening of the Liceu, which is a symbol with more than 170 years of history. Forming part of this, Anna Netrebko, Juan Diego Flórez, Javier Camarena, Roberto Alagna, Yusif Eyvazov, Joyce DiDonato, Clémentine Margaine, Anna Pirozzi, Anita Rachvelishvili, Angela Meade, Yonghoon Lee, Myrtò Papatanasiu, Evelyn Herlitzius, Klaus Florian VogtIréne Theorin, Roberto Alagna, Elena Pankratova, Carmela Remigio and Varduhi Abrahamyan, among many others, will take to the stage throughout the ‘20 years’ season to share unique, once-in-a-lifetime moments with their audiences. This also applies to the stage and musical directors, with Henrick Nánási, Philippe Auguin, Patrick Summers, Josep Pons and Jordi Savall, from the musical side, and Damiano Michieletto, David McVicar, Katharina Wagner, Calixto Bieito and Lluís Pasqual from the dramatic side. Lluís Pasqual is directing a new production of Amadeu Vives’ Doña Francisquita which is co-produced by the Teatro de la Zarzuela in Madrid where it will be premiered in May and will then go on to the Liceu in November 2019 with the voices of María José Moreno, Elena Sancho Perego, Celso Albelo and Airam Hernández, and will be conducted by Óliver Díaz. Alcione by Marin Marais is the other new co-production that will be performed for the first time in Spain in May 2020. Louise Motay creates an imaginative set, drawing inspiration from circus arts to portray thistragédie lyrique. It is conducted by the internationally renowned Jordi Savall, who will direct the staged opera in the Liceu. The occasion will mark the first time this baroque opera is performed in the theatre and will be co-produced by the Opéra Comique de Paris.

The new season, that of 20 years since the re-opening of the Liceu after the devastating fire, also takes another look at the most emblematic productions of the theatre, such as Verdi’s opera Aida, the most performed opera in the Liceu’s history – 456 times – that returns with a memorable mise-en-scène, held dear by the public and subscribers, which includes set designer Mestres Cabanes’ legendary curtains. The musical direction is led by Gustavo Gimeno with the voices of Angela Meade, who makes her debut in the Liceu, Anna Pirozzi and Clémentine Margaine who will also sing the acclaimed role of Carmen and will be staged by Calixto Bieito. Patrick Summers takes charge of the musical direction with other leading voices such as Anita Rachvelishvili, who debuts in the Liceu, and Varduhi Abrahamian. An iconic stage production which premiered 20 years ago in the summer of 1999 in Peralada, and which has been performed not only in the Liceu, but also on the great international stages.

The opera season will also feature Pietro Mascagni’s Cavalleria rusticana and Ruggero Leoncavallo’s Pagliacci in a large-scale production from the Royal Opera House, La Monnaie, Opera Australia and The Göteborg Opera. A double production from Damiano Michieletto through two of the most emblematic operas in the verism genre, in which the Italian director combines the two titles using visual resources and makes a foray into some of the characters, fromCavalleria rusticana over to Pagliacci and vice versa. The maestro Nánási will be in charge of the musical side of the production, with voices from Roberto Alagna and Elena Pankratova. David McVicar also joins the season with Mozart’s La clemenza di Tito, the composer’s final opera, which has only been seen 25 times in the Liceu’s history. The production of this opera seria was created for the Aix-en-Provence Festival in 2011 and comes to the Liceu with the great voices of Paolo Fanale and Dovlet Nurgeldiyev as Tito and Myrtò Papatanasiu, Carmela Remigio and Vanessa Goikoetxea as Vitellia, and is conducted by Auguin. Joyce DiDonato will portray Rossini’sSemiramide with Levy Sekgapane as Idreno, resulting in a prestigious double-act for this opera, based on a piece by Voltaire and last performed in the Liceu in 2005.

The symbolism of the Second Symphony of Mahler, “Resurrection”, will be the epicentre of the symphony section, with one single concert being held in the Liceu as an emblem of expectation and renewed hope, like the phoenix bird rising from the ashes. Premiered in 1885, it is the first symphony of the Austrian composer to incorporate both a chorus and soloist, in this case Chen Reiss as the soprano and Karen Cargill as the mezzo. The theatre’s Orchestra, directed by the maestro Josep Pons, will also perform a series of symphony concerts throughout the territory to ensure everyone can participate in the 20th anniversary of the Liceu. The celebration will continue with the Liceu’s chambers, which will take on a role in keeping with the 20th anniversary season, with more than twenty exhilarating projects developed by the Orchestra itself, which will not only be shown in the Liceu, but also on stages around the city of Barcelona and the whole of Catalonia.

The concerts and recitals join in with the greatest voices: the concert of Anna Netrebko and Yusif Eyvazov – a concert not included in the annual subscription –, Juan Diego Flórez and, following the success in Peralada and of the inauguration of the season with I Puritani, the recital by Javier Camarena. As always, at Christmas, children and adults can enjoy ‘dreams of sand’, an artistic performance which uses sand to interpret Charles Dickens’ Christmas Carol – with music and piano by Albert Guinovart – and the 57th edition of the International Tenor Viñas Contest which, like every year, discovers the operatic voices of the future.

Dance

The Liceu’s new season presents three ballets from three internationally acclaimed companies, with the return of the English National Ballet directed by Tamara Rojo, that captivated the public in 2015 with Swan Lake. In 2020 it returns with Giselle, choreographed by Akram Khan, that reimagines the classic ballet in a contemporary key with a musical score from Vincenzo Lamagna, and recreates the original score by Adolphe Adam. Khan’s reinterpretation has been awarded as one of the best European choreography performances, and the production includes stage design and costumes by Tim Yip, who collaborates with the film-maker Ang Lee. The Liceu, loyal to its commitment to dance, presents a new production from the choreographer María Pagés, who will be premiering De Scheherazade a Yo, Carmen, understood to be one of the best contemporary flamenco performances of the moment, and features the dramaturgy of El Arbi El Harti. Through her choreography, María Pagés portrays the two principal characters as two women who walk without fear, are proud of their sexual identities and are detached from their conventional roles. Les Grands Ballets Canadiens, directed by Ivan Cavallari, is the last of the three projects, with a double programme that takes us from the darkness of Pergolesi’s Stabat Mater with choreography by Edward Clug, to the apotheosis of Beethoven’s Seventh Symphony by Uwe Scholz.

Educational Service and El Petit Liceu

After premiering two new productions during the 2018/19 season, El Petit Liceu continues to update its selection, with projects that take children of all age groups into consideration, in line with the restructuring of the Educational Service announced in May 2018. The 2019/20 season presents two of its own productions. The first is La Barcarola by Juan Pablo Mendiola, which answers to the musical awareness of young children through the human voice, its evolution from the natural state right up to the operatic voice. This offering, which will be shown in the Foyer in May, plays with both a musical side and the incorporation of other arts, such as set design, acting and visual art, among others. This show focuses on the initial growth of the child at the beginning of their formal education, from 3 to 5 years old.

The second new production is El monstre al laberint by Jonathan Dove, a participatory opera which joins together the professional, amateur and educational worlds, allowing participation in a stage production which considers artistic experience and personal growth. This new show, which began as a collaboration with the Consorci d’Educació Barcelona, is aimed at adolescents from 12 years and upwards. The relevance of this show and its importance in the remodelling of the educational project of the Liceu is that it hands an important role to the spectator and also allows the school pupils to be at the heart of the performance. It lets them participate actively in the performance from the beginning, and up to the four performances staged in the Liceu. Similar projects have made a difference throughout Europe, such as in the case of, for example, the London Symphony Orchestra, the Berliner Philharmoniker, the Aix-en-Provence Festival and recently in the Festival Grec de Barcelona. El monstre al laberint can be seen in the Liceu, staged by Paco Azorín and with the participation of la Orquesta del Conservatori del Liceu, the Anton Bruckner Choir and la Coral Càrmina.

El Petit Liceu completes the season with a total of eight shows, including classics such as Els músics de Bremen by Poire Vallvé, La petita flauta màgica and Allegro Vivace by Joan Font (Comediants). Furthermore, its two most recent shows will remain in the programme: El jove barber de Sevilla by Danilo Rubeca and co-produced by ASLICO (Associazione Lirica e Concertista)- COMO and Mans a l’òpera by Xavi Mateu. The Liceu will also maintain its commitment to IT Dansa, the young company from the Institut del Teatre, directed by Catherine Allard, that will present four choreographies in the Teatre-Auditori Sant Cugat: Kaash, The prom, In memoriamand Whim Fractured Fairytale.

 

Further activities for the 20th anniversary

The new season will not only feature shows from the theatre’s programme but also other complementary activities to radiate opera around Barcelona. “Opera: passion, power and politics” is an original exhibition from the Victoria and Albert Museum, in collaboration with the Royal Opera House, showing the evolution of opera from its origins up to the present day, through an immersive experience. The Gran Teatre del Liceu collaborates with ”la Caixa” in producing this great exhibition, which has already been in London and which comes to CaixaForum Madrid and CaixaForum Barcelona on 25th April and 17th September respectively. The exhibition is the first that explores opera on a grand scale and that transports the spectator to eight opening nights in eight European cities and tells of the interrelation between the social, political and cultural landscapes of the cities in which they were created. A result of the close collaboration between”la Caixa” and the Gran Teatre del Liceu, “Opera: passion, power and politics” will incorporate, for the exhibition in the CaixaForum centres, the city of Barcelona, and the premier of the operaPepita Jiménez by Isaac Albéniz in 1896, in the theatre. An example of modernist Barcelona; a key moment in our cultural history.

New information regarding the 20th anniversary subscriptions

Within the framework of the 20th anniversary of the re-opening of the theatre, a new policy on subscriptions will be introduced, including a restructuring of the subscription series and discounts for all subscribers, both for those renewing their commitment to the Liceu, as well as for those who are joining the theatre for the first time. The Liceu aims to make the strength of the opera, dance performances and concerts of this new 2019/20 season more accessible to all. These new subscriptions will be available from 1st April on the website: www.liceu.cat or by telephone: 902 787 397.

The new system of subscriptions is structured around series of 12, 9, 6 and 3 titles, that integrate the traditional category of a regular seat with a new discount for all subscriptions. In the case of the series of 12 performances, the subscriber will enjoy a 25% discount and in the case of the 9 and 6 performance series, a 20% discount. This new proposal also includes a popular subscriptionoption, which offers more advantages to the public for the new ‘20 years’ season, offering a 35% discount for one series of 6 performances and for all the series of 3 performances. As always, the popular subscription is the best option for those who want to experience the operatic genre for the first time.

Flexible subscriptions become made to measure subscriptions and provide a discount of 10% on three or more shows from the new season, which can be selected from any genre. Regarding the other types of subscriptions, dance will remain the same, which includes three dance shows with a 20% discount, and also El Petit Liceu which provides a 20% discount on the purchase of four or more tickets of the same or different shows, from El Petit Liceu.

Advantages for subscribers, as well as saving money on their purchase, include the possibility tochange one of the shows in the subscription – two changes are permitted in the subscription for 12 and 9 shows, and one in the subscription for 6 –, the purchase of additional tickets with a 20%discount throughout the entire season and the new vacant seat service, which makes it possible for the subscribers to sell the subscription tickets that won’t be used. The price is established by the subscriber and is limited to the maximum cost of the original ticket. A refund of 50% will be issued in the event of it being sold.

Those under 35 years of age are also included in the new features of the 2019/20 season. In October #LiceuUnder35 will be launched, an exclusive session for those under 35 years of age with a special price of € 15 that also includes other services, such as food stands or a DJ in the Foyer. From September 2019, those under 35 years old will also be able to obtain tickets at a special price of € 30 up to 2 weeks before the opening performance. Students under 29 years of age can also buy tickets at a special price of € 20 if the purchase is made at the theatre box office three hours before the start of the show. This is yet another way to make opera more accessible to young people, consolidating their journey from El Petit Liceu to becoming a fully-fledged subscriber.

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Sabato 23 marzo al Teatro “Tullio Serafin” di Cavarzere splenderà “La Venezia del Settecento”: grande lirica su musiche di Vivaldi, Galuppi, Porpora e Lotti

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Concerto organizzato da Concetto Armonico con il patrocinio e la collaborazione dell’Assessorato alla Cultura del Comune di Cavarzere

CS

Illuminato dallo splendore di abiti barocchi, fra broccati preziosi ed elaborate acconciature, il Teatro “Tullio Serafin” di Cavarzere in provincia di Venezia, ospiterà sabato 23 marzo, alle 21, il concerto lirico La Venezia del Settecento, evento promosso dall’associazione Concetto Armonico, in collaborazione con l’Assessorato alla Cultura del Comune e l’Archivio storico Tullio Serafin e con il patrocinio dell’Università Popolare di Cavarzere, sotto la direzione artistica di Andrea Castello.

Guidato dalle note di Antonio Vivaldi, Baldassare Galuppi, Antonio Lotti e Nicola Porpora, tra i compositori più attivi nella Venezia del XVIII secolo, il pubblico avrà l’occasione di rivivere il respiro di quell’epoca fertile e affascinante, nella quale la Serenissima, nonostante i profondi cambiamenti politici e sociali in atto, continuava ad essere il cuore pulsante della grande musica italiana ed europea. Un fascino senza tempo, il suo, che al “Serafin” di Cavarzere sarà confermato dal celebre controtenore Angelo Manzotti, affiancato per l’occasione da due giovani voci, scoperte durante il festival Vicenza in Lirica 2018: il contralto Maria Elena Pepi e il basso Michele Perrella. Gli artisti verranno accompagnati dall’applaudito Ensemble barocco Vicenza in Lirica, composto da Chiara Arzenton e Franz Sebastiano (violini), Filippo Berga (viola), Edvige Forlanelli (violoncello) e Alberto Maron (concertatore al cembalo).

Per quanto riguarda Vivaldi, il programma della serata prevede due brani per solo ensemble strumentale (Sinfonia Rv 168 si minore e Concerto per archi Rv 2113 do maggiore) e sette brani per voce solista ed ensemble, tratti dalle opere Orlando furioso, La fida ninfa, Tito Manlio, Juditha triumphans, Giustino e L’Olimpiade. Di Galuppi, invece, saranno eseguiti il Concerto in sol minore (per ensemble solo) e Già che morir degg’io da Antigona, mentre un assaggio della produzione musicale di Porpora, napoletano di nascita ma attivissimo a Venezia, verrà da Come all’amiche arene dell’opera Semiramide.

Quattro, infine, i brani di Lotti estratti dall’opera Polidoro, riscoperta lo scorso anno dal festival Vicenza in Lirica. La produzione dell’opera è stata firmata da Concetto Armonico con la direzione artistica di Andrea Castello, che ne ha proposto un raffinato allestimento al Teatro Olimpico, in prima mondiale in tempi moderni, con grande successo di pubblico e pieno apprezzamento da parte della critica italiana e internazionale. Direttamente dalla produzione vicentina e vestiti con i sontuosi abiti di scena firmati da Giampaolo Tirelli, i solisti Perrella e Pepi proporranno le arie Spera che la speranza, Ecco le orribili, Non vuol sangue e Costanza mio core, brano per il quale la voce del contralto si unirà a quella del controtenore Manzotti. L’opera vanta la revisione musicale curata dai Maestri Francesco Erle e Franco Rossi, che del repertorio barocco sono tra i massimi esperti in Veneto.

Alla serata parteciperanno inoltre i Patrizi Veneti, associazione padovana che rievoca l’ambientazione del Settecento, attraverso sontuosi costumi d’epoca ed un balletto del tempo.

Grazie a questo primo evento musicale, Andrea Castello ritorna nella sua città natale dopo tre anni di assenza: «Sono molto emozionato - dichiara - e ringrazio quanti hanno dimostrato interesse, in questo periodo, per la mia attività di direttore artistico. Con Cavarzere devo solo consolidare un “ponte” che esiste da sempre: la cultura è dialogo, è importante capirlo; è una linfa di vita e bellezza, che va sostenuta e non fermata».

Biglietti interi 10 euro, ridotti 8 (over 65, under 30 e Università popolare). Prenotazioni: Concetto Armonico (349 6209712, Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.), Ufficio Cultura del Comune di Cavarzere (0426 317190, dal lunedì al venerdì al mattino), biglietteria del Teatro “Tullio Serafin” (dalle 10 alle 12 e dalle 15.30 alle 17.30 il venerdì e il sabato).

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Teatro Verdi Trieste: L'elisir d'amore visto da Botero secondo il Direttore artistico della Fondazione, Paolo Rodda.

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COMUNICATO STAMPA 

L’ELISIR D’AMORE

VISTO DA BOTERO

 DI GAETANO DONIZETTI


AL TEATRO LIRICO GIUSEPPE VERDI DI TRIESTE
Venerdì 15 marzo la prima rappresentazione

Secondo il Direttore artistico della Fondazione, Paolo Rodda, il nuovo allestimento della Nausica Opera International ispirato a ‘El circo’ di Fernando Botero sarà capace di stimolare fantasia e creatività, avvicinando questo melodramma giocoso in due atti al mondo delle favole.

“L’atmosfera fantasiosa nella quale sarà immerso il Teatro Lirico Giuseppe Verdi di Trieste per L’elisir d’amore di Gaetano Donizetti – in scena dal 15 al 23 marzo – vuole essere quasi la continuazione di quello stile fiabesco che ha caratterizzato altri spettacoli di successo di questa Stagione lirica e di balletto”. Lo sottolinea il Direttore artistico della Fondazione, Paolo Rodda, evidenziando come “il nuovo allestimento della Nausica Opera International ispirato a ‘El circo’ di Fernando Botero sarà capace di stimolare fantasia e creatività, avvicinando questo melodramma giocoso in due atti al mondo delle favole, ritrovando quello spirito che ha animato La bella addormentata e Il castello incantato. Oltre alla scenografia circense – continua Paolo Rodda spiegando questa chiave di lettura molto particolare – non mancano altre suggestioni fiabesche: come nelle favole dei Fratelli Grimm, il personaggio più modesto, Nemorino (interpretato da Francesco Castoro e da Martin Sušnik, ai quali saranno affidate le arie più belle, come Una furtiva lagrima), riuscirà alla fine a vivere felice con la sua amata Adina”.

 

L’elisir d’amore, una delle opere più popolari da quasi duecento anni e molto amata a Trieste (solo negli ultimi nove anni è la terza volta che viene proposta, con allestimenti diversi), sarà diretta dal Maestro Concertatore e Direttore Simon Krečič, la regia e le scene sono di Victor García Sierra, i costumi di Marco Guion, light designer Stefano Gorreri. L’Orchestra e il Coro (diretto da Francesca Tosi) della Fondazione Teatro Lirico Giuseppe Verdi di Trieste saranno affiancati da un’importante compagnia di canto, composta da giovani e talentuosi artisti, fra i quali Claudia Pavone e Olga Dyadiv (Adina), Francesco Castoro e Martin Sušnik (Nemorino), Bruno De Simone e Dario Giorgelè (Il Dottor Dulcamara), Leon Kim e Enrico Marrucci (Belcore), Rinako Hara (Giannetta).

(la foto è di  Fabio Parenzan)

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ACCADEMIA DI SANTA CECILIA - GARDINER DIRIGE BERLIOZ E DVORAK

Prove

Il viaggio in italia

di Ssir John Eliot Gardiner  

 

CS 

Il direttore inglese debutta sul podio ceciliano per dirigere la sinfonia n.7 di Dvořák e rendere omaggio a berlioz nei 150 anni dalla morte con due opere dedicate al bel paese: il carnevale romano e l’aroldo in italia. solista d’eccezione il violista antoine tamestit.  

Attesissimo debutto sul podio dell’Orchestra di Santa Cecilia quello di Sir John Eliot Gardiner, il celebre direttore inglese che giovedì 14 marzo ore 19.30 (repliche venerdì 15 ore 20.30 e sabato 16 ore 18, Sala Santa Cecilia, Auditorium Parco della Musica), per la prima volta alla guida dell’Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, si cimenterà in un programma dedicato a Berlioz e Dvořák.

Famoso nel mondo per le letture filologiche del repertorio antico, Gardiner non disdegna appassionate incursioni in quello romantico e a Roma dirigerà un programma in gran parte dedicato a Berlioz - del quale nel 2019 ricorrono i 150 anni dalla morte – autore molto amato da Gardiner che regolarmente negli ultimi anni lo ha inserito nei suoi concerti.

Nel concerto a Santa Cecilia, del compositore francese sarà possibile ascoltare due brani legati all’Italia: Carnevale Romano e Aroldo in Italia, scritti da Berlioz in omaggio al soggiorno nella città eterna dopo la vittoria del Prix de Rome nel 1830 che determinò la nascita di un forte legame con l’Italia e stimolò enormemente il compositore nella sua creatività. Nel Carnevale Romano del 1843, Berlioz riutilizza molti temi dalla sua precedente opera Benvenuto Cellini, ricreando con effetti sonori  l’atmosfera vivace e popolare del Carnevale che egli aveva vissuto in prima persona.

A quasi un decennio prima (1834) risale invece la Sinfonia Aroldo in Italia ispirata inizialmente da una richiesta di Paganini, grande estimatore di Berlioz, che commissionò al musicista un brano di particolare brillantezza da suonare con la sua viola Stradivari. Berlioz scrisse una partitura per orchestra, cori e viola dove la parte della viola venne però subito giudicata ‘poco solistica’ da Paganini che non la prese in considerazione per una eventuale esecuzione in pubblico. Nonostante questo episodio, Berlioz conquistato da un’idea poetica suggerita dalla lettura del Child Harold’s Pilgrimage di Lord Byron - autore che aveva approfondito nel periodo trascorso a Roma - diede vita alla sinfonia, con viola solista, Harold en Italie.

Lo spirito romantico e la voce di Aroldo sono rappresentati dalla viola solista suonata dal francese Antoine Tamestit, uno dei nomi di spicco nel panorama internazionale, dotato di una tecnica impeccabile combinata ad una potente forza comunicativa. Tamestit durante la stagione 2018/19 sarà impegnato in diversi concerti con Gardiner e i suoi ensemble.

Al clima incandescente della musica di Berlioz, Gardiner affiancherà la ricchezza timbrica e melodica della Sinfonia n. 7 di Dvořák.

 

 

Sir John Eliot Gardiner, torna a Roma l’8 maggio (Auditorium Parco della MusicaSala Santa Cecilia, ore 20.30) alla guida del Monteverdi Choir e dell’English Baroque Soloists – ensemble fondati dallo stesso Gardiner agli inizi degli anni Sessanta e da allora considerati punto di riferimento per l’esecuzione del repertorio barocco – nell’opera-oratorio Semele di Händel.

Antoine Tamestit

Antoine Tamestit è riconosciuto a livello internazionale come uno dei grandi violisti. È stato descritto in possesso di "un impeccabile tecnica che combina la musicalità senza sforzo con un facile potere comunicativo "(Bachtrack). Oltre alla sua impareggiabile tecnica e alla sua profonda musicalità, è noto per la profondità e la bellezza del suo suono con la sua qualità ricca, profonda, brunita. Il suo il repertorio è ampio e spazia dal barocco al contemporaneo. Nella stagione 2018/19, Tamestit è Artist-in-Residence della SWR Symphony Orchestra Stoccarda con la quale eseguirà i concerti di Schnittke, Walton e Hoffmeister. Lui inoltre suonerà e dirigerà la stessa orchestraorchestra in un programma dedicato Bach, Hindemith, Britten e Brahms. Sempre in questa stagione, visiterà gli Stati Uniti con Sir John Eliot Gardiner e l'Orchestre Révolutionnaire et Romantique e in veste di solista di Gardiner con l'orchestra dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia. Torna a Londra Symphony Orchestra, e si esibirà con l'Orchestra Elbphilharmonie NDR, Dresden Saatskapelle, Orchestre de Paris a Parigi e in tournée, Vienna Symphony Orchestra, Tokyo Metropolitan Symphony Orchestra e la Sinfonia di San Paolo  Orchestra. In recital e musica da camera, apparirà alla Philharmonie di Berlino, Wigmore Hall, Vienna Konzerthaus, Centre for Fine Arts di Bruxelles e Prinzregententheater a Monaco di Baviera. La prima esecuzione assoluta del Concerto per viola di Jörg Widmann in 2015 con l'Orchestre de Paris e Paavo Järvi, ha avuto rilevanza internazionale ed è seguito un tour. Tamestit è anche apparso come solista con orchestre come la  Philharmonic ceca, Tonhalle Orchestra Zürich, WDR Köln, Royal Stockholm Philharmonic, Philharmonia, BBC Symphony Orchestra, Scottish Chamber Orchestra e Chamber Orchestra d'Europa. Ha lavorato con molti grandi direttori, tra cui Sir John Eliot Gardiner, Valery Gergiev, Riccardo Muti, Daniel Harding, Marek Janowski, Antonio Pappano, François-Xavier Roth e Franz Welser-Möst.

Auditorium Parco della Musica - Sala Santa Cecilia

giovedì 14 marzo ore 19.30 – venerdì 15 ore 20.30 – sabato 16 ore 18

Orchestra dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia

John Eliot Gardiner direttore

Antoine Tamestit viola

 

Berlioz Carnevale Romano

Dvořák Sinfonia n. 7

Berlioz Aroldo in Italia

 

Biglietti da 19 a 52 Euro

I biglietti possono essere acquistati presso:

Botteghino Auditorium Parco della Musica

Viale Pietro De Coubertin Infoline: tel. 068082058

Botteghino Via Vittoria 6 (adiacente Via del Corso, Roma)

solo tramite carta di credito o bancomat

dal lunedì al venerdì ore 11-19, sabato dalle 11 alle 14

Prevendita telefonica con carta di credito:

Call Center TicketOne Tel. 892.101

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Il Barbiere di Siviglia per la Stagione Lirica 2019 del Teatro Regio di Parma

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 CS

STAGIONE LIRICA 2019

IL BARBIERE DI SIVIGLIA

La celebre opera buffa di Rossini in scena al Teatro Regio di Parma

nell’allestimento di Beppe De Tomasi ripreso da Renato Bonajuto,

con le scene di Poppi Ranchetti, i costumi di Artemio Cabassi e le luci di Andrea Borelli. Alessandro D’Agostini sul podio dell’Orchestra Regionale dell’Emilia-Romagna

e del Coro del Teatro Regio di Parma dirige il cast con protagonisti

Xabier Anduaga, Simone Del Savio, Chiara Amarù,

Julian Kim, Roberto Tagliavini

Teatro Regio di Parma

22, 23, 24, 29, 30, 31 marzo 2019

Il barbiere di Siviglia di Gioachino Rossini va in scena per la Stagione Lirica 2019 del Teatro Regio di Parma venerdì 22 marzo 2019 alle ore 20.00 (repliche 23, 24, 29, 30, 31 marzo) nell’allestimento creato nel 2005 da Beppe De Tomasi, di cui Renato Bonajuto riprende la regia, con le scene di Poppi Ranchetti, i costumi di Artemio Cabassi e le luci di Andrea Borelli. Protagonisti Xabier Anduaga (Il Conte d’Almaviva), Simone Del Savio (Don Bartolo), Chiara Amarù (Rosina), Julian Kim (Figaro), Roberto Tagliavini (Don Basilio), Lorenzo Barbieri (Fiorello), Eleonora Bellocci (Berta), Giovanni Bellavia (Un ufficiale) diretti da Alessandro D’Agostini sul podio dell’Orchestra Regionale dell’Emilia-Romagna e del Coro del Teatro Regio di Parma preparato da Martino Faggiani. Nelle recite in programma il 23 e 30 marzo, in scena Francisco Brito (Il Conte d’Almaviva), Vincenzo Taormina (Don Bartolo), Carol Garcia (Rosina), Mario Cassi (Figaro), Guido Loconsolo (Don Basilio).

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Programmazione Teatro Regio Torino per Aprile 2019

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STAGIONE D’OPERA • “LA SONNAMBULA” DI VINCENZO BELLINI CON LA REGIA DI MAURO AVOGADRO. DIRIGE RENATO BALSADONNA

Dal 10 al 20 aprile, sul palcoscenico del Teatro Regio torna, dopo più di vent’anni, LA SONNAMBULA di Vincenzo Bellini. Renato Balsadonnadirige l’Orchestra e il Coro del Regio in questa delicata partitura dalle tinte pastello, con la regia di Mauro Avogadro. La protagonista dell’opera, Amina, è interpretata dal soprano Ekaterina Sadovnikova; Elvino è il tenore Antonino Siragusa, Rodolfo il basso Nicola Uliveri. Completano il cast Daniela Cappiello nel ruolo di Lisa, Nicole Brandolino in quello di Teresa e Gabriele Ribis come Alessio. Nel corso delle recite, l’11, 13 e il 19 aprile nei ruoli principali troviamo Hasmik Torosyan (Amina), Pietro Adaini (Elvino), Riccardo Fassi (Rodolfo) e Ashley Milanese (Lisa). Le scene sono di Giacomo Andrico, i costumi di Giovanna Buzzi e le luci di Andrea Anfossi. L’allestimento del Regio, in coproduzione con il Teatro La Fenice di Venezia, sottolinea l’ambientazione sospesa, rarefatta, a volte accennata o solo suggerita, ove l’unica realtà definita è la purezza del canto dei due protagonisti. La produzione è realizzata con il sostegno di Italgas, Socio fondatore del Teatro Regio.

La diretta radiofonica dell’opera, curata da Susanna Franchi, sarà trasmessa su Rai Radio 3 alle ore 20 di mercoledì 10 aprile.

Mercoledì 3 aprile al Piccolo Regio Puccini ore 17.30, per “Le conferenze del Regio”, il musicologo Alberto Bosco è il curatore della conferenza di presentazione dell’opera, dal titolo: La sonnambula. Bellini tra luoghi ameni e foschi cieli (l’ingresso è libero).

I CONCERTI • L’ORCHESTRA E IL CORO DEL TEATRO REGIO DIRETTI DA ROLAND BÖER NELL’ “ELIAS” DI FELIX MENDELSSOHN

Giovedì 18 aprile ore 20.30 al Regio, Roland Böer sale sul podio dell’Orchestra e Coro del Regio per l’esecuzione dell’oratorio ELIAS di Felix Mendelssohn-Bartholdy. Böer, Direttore musicale e artistico del Cantiere Internazionale d’Arte di Montepulciano, già assistente di Antonio Pappano al Festival di Bayreuth, ha diretto orchestre quali London Symphony, Filarmonica della Scala e Bayerischen Rundfunks. Elias, oratorio su parole dell’Antico Testamento, fu completato nel 1846 e prese a modello i grandi lavori barocchi di Händel e Bach. La partitura è un capolavoro di soluzioni formali, timbriche e armoniche, in cui troviamo possenti sillabazioni dei cori, arie di generosa espansione e colpi di scena di grande effetto narrativo. Tutto rende l’Elias, raramente presentato al pubblico, una pietra miliare del repertorio sinfonico-corale dell’Ottocento. Andrea Secchi è il maestro del coro.

50 ANNI DI AZZURRO • PAOLO CONTE TORNA AL REGIO PER UN CONCERTO SOLD OUT

Lunedì 15 aprile ore 21 al Teatro Regio, concerto di Paolo Conte dal titolo “Cinquant’anni di Azzurro”. I biglietti sono esauriti da tempo. Organizza Concerto Music (info: www.concerto.net).

IL REGIO IN PIEMONTE • IL QUINTETTO DI OTTONI PENTABRASS IN CONCERTO A RIVALTA DI TORINO

Per Il Regio itinerante, rassegna di concerti in Regione eseguiti da formazioni di Artisti del Teatro Regio, venerdì 5 aprile ore 21 a Rivalta di Torino, presso la Cappella del Monastero, suona il quintetto di ottoni Pentabrass. In programma, musiche di Haendel, Verdi, Brahms, Mozart, Bizet, Strauss, Gershwin e altri. Il concerto rientra nella XIII Stagione Concertistica di Rivalta di Torino. L’ingresso è libero.

INCONTRI CON IL BALLETTO • “ROMEO E GIULIETTA” DI PROKOF’EV E IL BALLETTO DI PERM RACCONTATI DA SERGIO TROMBETTA

Mercoledì 24 aprile al Piccolo Regio Puccini ore 17.30, per “Le conferenze del Regio”, il critico di danza Sergio Trombetta cura l’incontro, con ascolti e proiezioni video, Romeo e Giulietta. Un grande classico rinasce alle pendici degli Urali. Il balletto di Sergej Prokof’ev, protagonista ilBalletto dell’Opera di Perm sulla coreografia di Kenneth MacMillan, sarà in scena al Teatro Regio il prossimo mese di maggio, dal 3 all’8. L’ingresso alla conferenza è libero.

 

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OPERA 20.21 - Fondazione Haydn: La Wally a Bolzano il 21 e 23 marzo

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Fondazione Haydn di Bolzano e Trento

COMUNICATO STAMPA

OPERA 20.21 2018/19

Bolzano, Teatro Comunale

giovedì 21.03.2019, ore 20.00 + sabato 23.03.2019, ore 20.00

La Wally

di Alfredo Catalani

Direzione musicale: Arvo Volmer

Regia: Nicola Raab

Produzione: Fondazione Haydn di Bolzano e Trento

Coproduzione: Vereinigte Bühnen Bozen

Nuovo allestimento

COMUNICATO STAMPA 

Una donna contro tutto e tutti

La quarta edizione di OPER.A 20.21, stagione regionale organizzata dalla Fondazione Haydn di Bolzano e Trento, si conclude con un nuovo allestimento de La Wally, opera di Alfredo Catalani riproposta in un allestimento innovativo con la regia di Nicola Raab.  Sarà una Wally senza i monti, ma con tutto lo spirito battagliero di una donna che non teme niente e nessuno.

A conclusione del suo viaggio nel teatro musicale di oggi, la quarta edizione di OPER.A 20.21, sragione regionale che la Fondazione Haydn di Bolzano e Trento con la Direzione Artistica di Matthias Lošek, propone un nuovo allestimento dell’opera di Alfredo Catalani La Wally, in scena al Teatro Comunale di Bolzano giovedì 21 (ore 20) e sabato 23 marzo (ore 20), per la regia di Nicola Raab.

Sul podio, Arvo Volmer, direttore principale dell’Orchestra Haydn. Interpreti: Charlotte-Anne Shipley (Wally), Alessandro Guerzoni (Stromminger), Francesca Sartorato (Afra), Francesca Sorteni (Walter), Ferdinand von Bothmer (Hagenbach),Ashley Prewett (Gellner), Enrico Marchesini (Pedone). Scene di Mirella Weingarten. Costumi di Julia Müer. Lighting design Clifton Taylor. Coproduzione Fondazione Haydn di Bolzano e Trento e Vereinigte Bühnen Bozen.

Le rappresentazioni de La Wally saranno precedute dai consueti appuntamenti introduttivi, tutti previsti al Teatro Comunale: Oper.a Backstage, uno sguardo al “dietro le quinte” (lunedì 18 marzo, ore 18), e Oper.a Intro, un’ora prima dei due spettacoli. Sarà inoltre attivo un servizio navetta da Trento a Bolzano, e ritorno, su prenotazione da effettuare al momento dell’acquisto del biglietto.

Oggi non rappresentata così frequentemente come invece meriterebbe, opera classica e nel contempo moderna, La Wallysecondo Nicola Raab, premio Abbiati per la regia di Written On Skin di George Benjamin,si preannuncia liberata dai clichés e dal romanticismo da film a sfondo regionale e sentimentale-patriottico.  Non ci sarà nemmeno traccia di sfondi montani e paesaggi stereotipati: i costumi - in bianco e nero, a simboleggiare l’eterno contrasto che alberga nell’animo umano - e la scenografia saranno ridotti all’essenziale, dando così ancora più risalto alla lotta di una donna per raggiungere il posto a lei negato in una società dominata dagli uomini e al precipitare della sua vicenda umana. Sarà dunque una nuova Wally, pensata da Nicola Raab in perfetta sintonia con la filosofia di OPER.A 20.21: «Racconterò la storia così com’è, tenendo sempre a mente il romanzo di Wilhelmine von Hillern e le tendenze del XIX secolo in ambito operistico, che ritraggono la donna indipendente come una femme fatale che deve morire, pena lo scardinamento della società; la mostrerò nel modo più imparziale possibile, senza per questo minimizzare il ruolo della società, anzi, mi concentrerò sulla “donna  Wally” e sugli uomini che la circondano, cercando di vederli tutti, come persone. Mostrare senza giudicare. Concentrarsi sull’essenziale. E sarà possibile farlo grazie alla scenografia astratta. La Wally senza monti, ma non senza precipizi», dichiara la regista tedesca.

L’opera di Alfredo Catalani ha al centro una figura femminile che rivendica la propria indipedenza in un mondo dominato da uomini, che non si fa piegare dalle convenzioni: tema scottante a fine Ottocento, purtroppo attualissimo ancora oggi. Amori, risentimenti, rivendicazioni, ripensamenti si inseguono a ritmo serrato nella vicenda di una giovane donna che si ribella al volere del padre e ai tradimenti dell’amato, opponendosi alle umiliazioni inferte dall’uno e dall’altro. Sopraffatta dall’amore tramutato in odio, Wally medita vendetta ma, sul punto di vederla esaudita, sente riaffiorare il sentimento più bello.

Considerata la migliore di tutte le opere di Alfredo Catalani, La Wally debuttò Il 20 gennaio 1892 al Teatro alla Scala di Milano. Il libretto di Luigi Illica è basato sul romanzo Die Geierwally di  Wilhelmine von Hillern.  Catalani ne iniziò la stesura nel 1889, terminandola nel marzo del 1891. Nell'estate del medesimo anno, si recò in Tirolo assieme al celebre scenografo Adolf Hohenstein per osservare gli usi e i costumi locali. L’opera ebbe in passato una buona diffusione, arrivando anche negli Stati Uniti, soprattutto per merito di Arturo Toscanini, sincero ammiratore di Catalani, che la dirigerà più volte. La Wally venne diretta anche da Gustav Mahler, che la giudicò la migliore opera italiana che aveva diretto. Anche Maria Callas non fu estranea al suo fascino.

Trama

Il ricco possidente Stromminger di Hochstoff celebra il suo 70esimo compleanno. Alla festa sua figlia Wally si innamora di Hagenbach, un cacciatore di Sölden. Suo padre vuole però darla in sposa a Gellner. Wally si rifiuta e si esilia sui monti, dopo essere stata ripudiata dal padre. Dopo la morte di quest'ultimo, Wally torna in paese per riscuotere la sua eredità e viene a sapere che Hagenbach ama un'altra donna. Alla festa di Sölden Hagenbach scommette di riuscire a farsi baciare da Wally. Quando, a fatto compiuto, lui la abbandona, lei medita vendetta per l'umiliazione e assolda Gellner per uccidere Hagenbach, spingendolo in un dirupo. Wally però lo salva e gli confessa di avere commissionato il suo omicidio. Dopodiché si rifugia nuovamente tra le montagne, dove in cima al ghiacciaio i due innamorati si incontrano un'altra volta.

Nicola Raab _ regia

È tra le più prolifiche registe d’opera delle ultime generazioni. Ha lavorato in numerosi teatri quali Bayerische Staatsoper, Wiener Staatsoper, Welsh National Opera, Opernhaus Zürich, New Israeli Opera, Salzburger Festspiele, Teatro Regio di Torino, Teatro La Fenice di Venezia. Tra le sue produzioni: Artaxerxes di Leonardo Vinci, The Soldier and the Dancer di Bohuslav Martinů, Owen Wingrave di Benjamin Britten e A Flowering Tree di John Adams. Ha collaborato con importanti registi come Robert Carsen, Willy Decker, David Pountney, David Alden, Tim Albery, Patrice Caurier e Moshe Leiser. Attualmente Nicola Raab è impegnata in un nuovo allestimento di I Capuleti e i Montecchi al Bergen Nasjonale Opera. Sarà inoltre impegnata prossimamente in diverse produzioni al Teatro Nacional de São Carlos, all’Opéra national de Lorraine e anche a Malmö e Strasburgo. Per la regia di Written On Skin di George Benjamin, nell’allestimento della Fondazione Haydn, si è aggiudicata il Premio Abbiati dell’Associazione Critici Musicali Italiani.

Arvo Volmer _ direzione musicale

Nato nel 1962 a Tallinn (Estonia), ha studiato direzione d’orchestra con Olev Oja e Roman Matsov al Conservatorio della propria città natale, passando successivamente al “Rimskij-Korsakov” di Leningrado, dove si è diplomato con Ravil Martynov nel 1990; successivamente si è perfezionato con Helmuth Rilling negli Stati Uniti. Debutta quindi nel 1985 presso il Teatro d’Opera Nazionale Estone di Tallinn, istituzione di cui è direttore musicale dal 2004. Dal 1987 lavora con l’Orchestra Nazionale Estone, divenendone direttore stabile dal 1993 al 2011. Dal 1994 al 2005 è stato direttore artistico e musicale dell’Orchestra Sinfonica di Oulu (Finlandia) e dal 2004 al 2013 “Principal Conductor e Music Director” dell’australiana Adelaide Symphony Orchestra. Debutta con l’Orchestra Haydn di Bolzano e Trento nell’ottobre del 2012, dirigendo il concerto d’inaugurazione della stagione; dal 2014 ne è il direttore principale. Con la direzione de La Wally collabora per la prima volta con OPER.A 20.21

Info

Fondazione Haydn di Bolzano e Trento

Info 0471 053800

www.haydn.it

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L'ITALIANA IN ALGERI, G. ROSSINI - TEATRO LA FENICE DI VENEZIA, GIOVEDI' 28 FEBBRAIO 2019

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E' di scena alla Fenice di Venezia L'Italiana in Algeri di Rossini con il movimentato allestimento che l'evergreen Bepi Morassi ha ideato per questo periodo carnevalesco e quindi di grande affluenza nella città lagunare. Spiace per le agitazioni sindacali occorse in questi giorni per cui la prima del 24 febbraio è saltata (si prevedono altre cancellazioni nel mese in corso). Ciò ha di certo comportato un minor rodaggio dello spettacolo ed una conseguente intesa non sempre perfetta tra buca e palco avvertita in qualche passaggio. Questo anche perché con una incredibile dinamicità e successione di siparietti i protagonisti si muovono continuamente e non è facile star loro dietro mentre corrono, saltano, salgono e scendono scale, fanno in definitiva ginnastica. Una specie di simpatico circo ambulante che viaggia sulla nave di Mustafà arredata dalle simpatiche e colorate scene di Massimo Checchetto. La suddetta nave è ricca in ogni sua parte e perfino gli angolini o i corridoi nascondono dettagli utili all'azione scenica. Si disloca in più piani che però possono essere apprezzati esclusivamente per chi è posto di fronte. I dettagli volgono chiaramente al mondo arabo, mentre l'epoca a cui guarda il regista è la prima metà del secolo scorso, con qualche ispirazione cinematografica al primo Fellini. Un po' forzata forse l'idea di Isabella diva dello spettacolo, che una volta in salvo sulla nave viene costantemente paparazzata per uno scoop di fresca mano. Onestamente non sembra pregnante allo spettacolo né alla storia, ma è una aggiunta che comunque diverte il pubblico. Tra questo andirivieni in cui vi sono diversi cambi di costume, spiccano infatti gli abiti di Carlos Tieppo che si inseriscono pienamente nel brio generale.

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L'elisir d'amore visto da Botero. Al Teatro Lirico Giuseppe Verdi di Trieste dal 15 marzo

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COMUNICATO STAMPA

 

L’ELISIR D’AMORE

VISTO DA BOTERO

 DI GAETANO DONIZETTI
AL TEATRO LIRICO GIUSEPPE VERDI DI TRIESTE

Un nuovo allestimento della Nausica Opera International 
Venerdì 15 marzo la prima rappresentazione

L’elisir d’amore di Gaetano Donizetti, melodramma giocoso in due atti su libretto di Felice Romani, una delle opere più popolari da quasi duecento anni, ritorna al Teatro Lirico Giuseppe Verdi di Trieste (dal 15 al 23 marzo) con un nuovo allestimento della Nausica Opera International ispirato a “El circo” di Fernando Botero. 
Maestro Concertatore e Direttore Simon Krečič, regia e scene di Victor García Sierra, costumi di Marco Gujon, light designer Stefano Gorreri con l’Orchestra, il Coro (diretto da Francesca Tosi) e i Tecnici della Fondazione Teatro Lirico Giuseppe Verdi di Trieste e un’importante compagnia di canto, composta da giovani e talentuosi artisti.

“Generosità, sensualità e colore sono caratteristiche che identificano lo stile unico e inconfondibile del maestro Fernando Botero. Nel tentativo di unire il suo stile con l’italianità” – spiega il regista Victor García Sierra – “mi sono ispirato a uno dei suoi quadri della serie ‘El circo’ e ho trovato un chiaro richiamo dei suoi personaggi con quelli dell’opera di Donizetti. A poco a poco ho scoperto, nella visione della vita che il maestro ci trasmette” – afferma Victor García Sierra – “un mondo pieno di poesia, che mi è servita come punto di partenza per scoprire in altre sue opere un gran numero di personaggi molto interessanti e per dare una versione particolare all’opera di Donizetti, nella quale tutti i cantanti solisti e gli artisti del coro diventano doppiamente protagonisti. Ognuno sarà un dipinto di Fernando Botero, che prenderà vita con la grande musica di Donizetti”. 

“Anche se scritto in pochissimo tempo, solo due settimane, L'elisir d'amore racchiude tutta la ricchezza del talento compositivo di Donizetti” – sottolinea il Maestro Concertatore e Direttore Simon Krečič -  “e merita assolutamente di essere annoverato tra i capolavori del belcanto. L'opera è ricca di bellissime melodie splendidamente orchestrate a creare diverse atmosfere sonore, per scene ed emozioni corrispondenti. Una trama brillante, con un libretto molto poetico, supportato da musica di prima classe: questa la combinazione fortunata che fa de L’elisir d'amore uno dei titoli d'opera più popolari da quasi due secoli”.

Rappresentata per la prima volta il 12 maggio 1832, L’elisir d’amore ottenne un successo grandioso, venne ripresa nei maggiori teatri italiani e tradotta anche all’estero, restando uno dei più importanti trionfi della carriera di Donizetti.
L’elisir d’amore è uno spartito complesso in bilico fra più generi, in cui s’incontrano caratteristiche di diversa provenienza, che s’integrano e si compensano a vicenda. La trama, un’inverosimile vicenda d'amore ambientata in un villaggio di contadini, contiene ogni sorta di espedienti: colpi di scena, ciarlatani che propongono filtri magici, improvvise eredità, gelosie, struggimenti, partenze per la guerra, fino all'allegro lieto fine, in cui anche i 'cattivi' si riscattano e trovano soddisfazione. La semplicità (che a volte sfiora la caricatura) dei sentimenti dei personaggi è un motivo comune all’opera romantica di ambientazione paesana. La scarsa definizione dei personaggi, che agiscono più come burattini (o se si vuole maschere) che come figure autonome provviste di una identità marcata, non va vista come un limite o un difetto: librettista e compositore accettano consapevolmente le regole del gioco dell’opera buffa, in cui più che la psicologia conta l’intreccio, e quest'ultimo a sua volta non è che un pretesto per numeri musicali brillanti, che si facciano ricordare e assicurino allo spettacolo successo e fortuna. (Dal testo di Francesco Bernasconi).


Locandina

L’elisir d’amore
visto da Botero

Musica di Gaetano Donizetti

Melodramma giocoso di Gaetano Donizetti
Ed. musicali: Kalmus & Co., New York

Ispirato a “El circo” di Fernando Botero

Maestro Concertatore e Direttore Simon Krečič
Regia e Scene Victor García Sierra
Costumi Marco Gujon
Light designer Stefano Gorreri
Maestro del Coro Francesca Tosi

Allestimento Nausica Opera International
Orchestra, Coro e Tecnici della Fondazione Teatro Lirico Giuseppe Verdi di Trieste

Personaggi e interpreti
Adina: Claudia Pavone (15, 17, 19, 23/III) Olga Dyadiv (16, 21/III)
Nemorino: Francesco Castoro (15, 17, 19, 23/III)Martin Sušnik (16, 21/III)
Il Dottor Dulcamara: Bruno De Simone (15, 17, 19, 23/III) Dario Giorgelè (16, 21/III)
Belcore: Leon Kim (15, 17, 19, 23/III) Enrico Marrucci (16, 21/III)
Giannetta: Rinako Hara

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