Badate, ella ci crede. Così si può riassumere la Madama Butterfly andata in scena al Teatro Lirico Giuseppe Verdi di Trieste secondo la visione di Alberto Triola. Al centro di tutto viene posto il sogno d’amore della giapponesina (vissuto anche come riscatto sociale): un sogno di cui lo zio Bonzo non può far parte, e non a caso egli fa la sua comparsa fuori scena. Secondo il regista, Butterfly è una ragazzina che cresce in fretta e non si arrende mai. Il suo spirito vacilla un attimo solo durante il duetto con Sharpless, ma dentro di lei c’è sempre un’invincibile primavera, che continua a ricreare in modo compulsivo realizzando fiori di loto con gli origami, anche quando l’autunno è inesorabilmente già arrivato. Con quei fiori decora il giardino quando scopre che il suo amato tornerà, dei fiori uguali a quello che aveva donato a lui il giorno del loro matrimonio. Il meticoloso lavoro eseguito sui singoli cantanti è evidente e dimostra che una regia riuscita si basa sulle piccole cose, anche un semplice gioco di sguardi. 

Approda anche a Verona sulle tavole del Teatro Filarmonico, il fortunato allestimento di Adriana Lecouvreur pensato nel 2014 da Ivan Stefanutti per il Teatro Sociale di Como.

Il capolavoro del pur breve catalogo di Cilea, nonostante lo sgangherato e complesso libretto di Colautti, riesce ancora oggi a suscitare interesse nel pubblico, principalmente per la particolare abilità del compositore calabrese nel circoscrivere musicalmente lo spirito di un personaggio. E in questo caso Adriana è la tipica “grande parte” che porta con sé un buon numero di effetti scontati, ma che nel caso della sorvegliata scrittura di Cilea, diventa occasione per un canto logico, spontaneo e naturale, dove il cantante può diventare personaggio, se conosce il mestiere. L’orizzonte sonoro qui risente di una particolare gentilezza d’animo del compositore, che trattiene e circoscrive la melodia là dove gli altri suoi colleghi contemporanei preferiscono abbandonarsi alla piena del sentimento, risultando alla lunga scontato e un poco ripetitivo.

Dopo nove anni torna al Comunale di Bologna la Salome intimista del regista Gabriele Lavia ideata in collaborazione con il Teatro Verdi di Trieste, qui ripresa da Gianni Marras. Una Salome in cui è protagonista il contrasto tra il bene ed il male, tra gli opposti che inevitabilmente si attraggono, anche se unilateralmente in questo caso. Giovanni è il bene che in opposizione a ciò che dovrebbe essere si trova nel profondo abisso imprigionato sotto terra. Salome e la sua corte sono in superficie invece, ma la voce della saggezza e della purezza li opprime costantemente da dove si trova. E la principessa ne è attratta inverosimilmente, vuole vedere l’oggetto di tanto mistero che lo zio/ patrigno ha fatto rinchiudere, vuole possedere le sue labbra come per estirpare o far suo quel verbo tanto pesante nei confronti suoi e della sua stirpe. Il palco come lo aveva pensato Alessandro Camera è un enorme squarcio intorno al quale la protagonista si muove sinuosamente, respinge ma attrae il marito di sua madre, che a sua volta la ammira ma ne è allo stesso tempo invidiosa. Una storia biblica cui si ispirò lo scandaloso (per i suoi tempi) Oscar Wilde i cui libri sono sintesi di edonismo ed ammirazione per la bellezza come bene assoluto. Salome è bellissima mentre Giovanni è ridotto ad uno straccio e prigioniero, ma a suoi occhi è una apparizione meravigliosa, finché non ne è respinta con le conseguenze che sappiamo.

DIRETTORE VLADIMIR FEDOSEYEV

VIOLINISTA PAVEL MILYUKOV

Avere la fortuna di ascoltare una delle migliori orchestre del mondo, dirette da una icona della scuola direttoriale sovietica, assieme al vincitore del 15 premio Tchaikovsky, non è cosa che capita tutti i giorni.

E invece a Mosca, città dalla vita musicale e culturale intensissima, è evento di routine che in un piovoso martedì pomeriggio qualsiasi, fa muovere 1.623 persone ad accalcarsi ordinatamente agli ingressi della sala da concerto più grande e familiare di una città che definire culturalmente attiva è un eufemismo.

Ed ecco che appena entri in quell'immenso anfiteatro da concerti dove ogni santissimo giorno puoi ascoltare artisti eccelsi in programmi musicali che spaziano dal madrigale al contemporaneo, e getti un'occhiata sul pubblico, puoi trovare anziane matrone russe ingioiellate, ragazzi ricoperti di piercing, manager in grisaglia, bambini con i nonni e militari in divisa appena usciti dalla caserma.

E chi non trova posto o non può permetterselo, si accomoda con la seggiola pieghevole, nel foyer all'ingresso per assistere gratuitamente al concerto ripreso su di un mega schermo.

Ma una cosa accomuna tutti gli spettatori presenti: la concentrazione impeccabile. Non un colpo di tosse, non una caramella scartata, non un uscita improvvisa disturbano il concerto per tutta la sua durata. Io stesso mi sono sentito in imbarazzo quando per necessità ho dovuto sgranchire la schiena, temendo che il mio movimento potesse essere interpretato come un elemento di disturbo.

Il programma in cartellone, interamente dedicato a Tchaikovsky, ha visto sul podio Vladimir Fedoseyev, direttore d'orchestra tra i più longevi e decorati della storia musicale russa contemporanea. L'ottantaseienne maestro, imbastisce un concerto che dura più di due ore e

mezza e lo porta a termine con l'esuberanza di un ragazzino, salutato dal pubblico adorante con ovazioni interminabili ad ogni sua apparizione sul podio, ricoperto di fiori quasi come un icona di San Nicola in un monastero ortodosso.

Per riscaldare l'atmosfera e la sala, si inizia con le danze dall'opera Evgenj Onegin ( introduzione, valzer e polacca) eseguiti con una baldanza ed una freschezza quanto più possibile lontano dalla routine e che mettono subito in chiaro quanto il suono prodotto dall'orchestra sia limpido e perfetto soprattutto nella cura degli accenti e del colore.

Ecco che terminate le danze, si prosegue con il concerto per violino e orchestra op.35 affidato al solista Pavel Milyukov.

Vincitore del terzo premio al concorso Tchaikovsky del 2015, Milyukov sta costruendo la sua carriera con una spregiudicatezza che gli deriva da una perfezione tecnica impressionante.

Il giovane violinista di Perm suona il suo Pietro Guarnieri con una spavalderia voluta che gli permette di affrontare il concerto di Tchaikovsky quasi in un’ estasi mistica.

I capricciosi disegni ritmici, le terzine incalzanti, le scale vertiginose, sono pane per i suoi denti uniti ad una musicalità che rasenta il trascendentale per aderenza al concerto, quello di Tchaikovsky appunto, che è tutto tranne che un concerto romantico.

Nessuna contrapposizione dialettica tra solista ed orchestra, nessuna intenzione epica, e nemmeno la ricerca di un dialogo che diventa principio architettonico.

In Tchaikovsky non c'è sviluppo, non c'è dinamica interna, non c'è elaborazione tematica: c'è al contrario un abbandono assoluto al canto, alla melodia riversata a piene mani senza particolari preoccupazioni formali, che Milyukov rende con una maestria assoluta fatta di un'atmosfera magicamente sospesa, virtuosismo travolgente e coinvolgente ( la cadenza che chiude il primo movimento è impressionante) ma mai di maniera.

Il tributo festoso che gli rende il pubblico al termine, ripaga tanta fatica in modo esaustivo.

Poter ascoltare la sinfonia Manfred op.58 di Tchaikovsky dal vivo è impresa quasi praticamente impossibile.

Vi sono artisti per i quali l'accusa di discontinuità assume toni di colpevolezza senza attenuanti. Tchaikovsky fu senz'altro un decadente: romantico quando la stagione del romanticismo era passata, di intenzioni cosmopolite quando la scuola russa cercava una sua strada nazionalista, sinfonista quando la sinfonia era già in declino, ma proprio per questo, ricco di tutta l'esperienza che la discontinuità comporta.

Opera indefinita, ermafrodita, considerata dal compositore stesso come una sinfonia ma mai onorata di un numero al pari delle altre 6, Manfred rimane oggi come un lavoro lasciato in disparte e isolato tra le composizioni tchaikovskiane, probabilmente per il suo posizionamento stilistico poco chiaro ma anche per la sua difficoltà di esecuzione legata anche alla presenza di un organo in partitura.

Vladimir Fedoseyev non se ne cura e forte di un'orchestra che rasenta i 100 elementi, ( solo i contrabbassi erano 16!) riversa tutta la sua esperienza in una esecuzione incredibile.

Il gesto è rarefatto, la bacchetta assente, tutto si gioca su sguardi e preparazione a monte fatta di prove serrate dove la ricerca della perfezione è un dogma assoluto, fino ad arrivare alla percezione che il suono stesso dell'orchestra nell'insieme della sala evochi il mondo oscuro e fantastico descritto dalla musica.

L'Orchestra Tchaikovsky, forte di una sonorità ricca e di una musicalità assolutamente impeccabile, conduce ad un'esperienza uditiva unica ed avvincente che fa esplodere in un boato liberatorio il pubblico al termine dell'esecuzione.

Quindici minuti di applausi salutano il Direttore Fedoseyev al termine di un concerto memorabile.

Pierluigi Guadagni

PROGRAMMA

P. I. Tchaikovsky 

Introduction, Waltz and Polonaise from the opera "Evgeny Onegin"

Suite No. 2 for Orchestra in C major, Op. 53

Manfred Symphony in B minor, Op. 58

Foto by Konstantin Rychkov